2 JULIO 2011

Uno de los grupos mas extraños en su configuración de los últimos años es "TRANSATLANTIC". Estructurado como lo que alguien podría llamar "supergrupo", resulta no serlo en absoluto, sino un grupo para pasarlo bien. La posibilidad de ser supergrupo surge de ser el trabajo conjunto de músicos que sobresalen en su instrumento en sus grupos de origen: el guitarrista de "Flower Kings", el tecladista de "Spock's Beard", el bajista de "Marillion" y el baterista de "Dream Theater" dan para esperar algo grande y aunque graban temas de larga duración, el nivel de elaboración es menor del de cada uno de sus grupos de origen. Aún así "Transetranmtic" es un grupo notable. El primer disco tenía el sello dominante de Roine Stolt, en esta segunda entrega el peso se equilibra un poco con Neil Morse.


La banda:
Neil Morse: canto y teclado
Mike Portnoy: batería
Roine Stolt: canto y guitarra
Pete Trewavas: bajo

Los temas:
1. Duel With The Devil (26:43)
i) motherless children
ii) walk away
iii) silence of the night
iv) you're not alone
v) almost home
Esta larga composición se abre con una melodía a cargo de las cuerdas,las que dejan paso al piano y entonces al grupo en pleno. El canto es intenso (Morse) y el primer tema dura hasta los 7 minutos. Entonces un nuevo tema mas suave, presentado por suave percusión y cantado por Stolt, Morse se intercala y la segunda parte del tema implica repetición de la melodía con una orquestación de todo el grupo. A los 10 minutos el ritmo se acelera y la instrumentación se endurece. Un nuevo trozo lento (minuto 12) que incluye un solo de guitarra y uno de saxo (Keith Mears)El tercer trozo es el que tiene menos canto. El cuarto trozo es mas alegre y su ritmo mas rápido. A los 19 minutos, el ritmo se lentifica una vez mas, un solo de guitarra y luego otra aceleración a cargo del teclado. Los temas se alternan rápidamente y el grupo pasa al quinto y último tema el que tras un trozo cantado por Morse, pasa a uno a cargo de un conjunto de voces femeninas que repite un estribillo y cuando parecía que ese era el final en ritmo cambia y el grupo cierra la composición con una melodía de guitarra.

2. Suite Charlotte Pike (14:30)
i) if she runs
ii) mr. wonderful
iii) lost and found pt. 1
iv) temple of the gods
v) motherless children / if she runs (reprise)
Un trozo de música claramente improvisado hace la introducción de esta "suite", cuyo primer tema es cantado con fuerza por Morse. A llegar a los 5 minutos, un cambio brusco nos lleva a una melodía lenta marcada por el piano. (Mr. Wonderful), algo que recuerda a algunas canciones pop. A los 7 minutos la melodía es tomada por el teclado e interpretada totalmente de otro modo, entonces se pasa al tercer tema cantado con fuerza, con un breve solo de guitarra, entonces Morse canta el cuarto tema bastante rockeado, acompañado de un teclado chirreante. Finalmente a los 11 minutos una melodía lenta a cargo de Stolt nos lleva a un solo de guitarra y luego a otro de piano, el que cambia el ritmo y nos lelva a una coda en que el grupo repite un verso mientras Morse juega vocalmenme sobre ello.

3. Bridge Across Forever (5:33)
Una canción suave, presentada por el piano, sobreel que Morse canta acompañado solo por teclados. Claramene un proyecto de Neil Morse, quien parece no necesitar de sus amigos para este tema.

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25 JUNIO 2011

Para terminar el primer "lote" de discos que cumplen 40 años, un disco emblemàtico del rock progresivo: "TARKUS", publicado por esos señores del rock que son "Emerson, Lake & Palmer". Publicado en Junio de 1971, Tarkus es el segundo álbum del trío e implica un paso importante en la línea que revisábamos la semana pasada: la "suite" musical.

Keith Emerson había trabajado ya los temas largos con "The Nice" su grupo anterior, pero con la compañía de la voz se Lake y la genialidad rítmica de Palmer, alcanza algo notablemente superior. Probablemente Lake disfrutaba de la libertad de trabajar fuera de "King Crimson" y Palmer podía lucirse mas que en "Atomic Rooster", pero sin duda quien mejor "aprovecha "ELP" es Keith Emerson.

"Tarkus" es claramente un trabajo de Emerson al que Lake aporta trozos cantados y en el que Palmer aprovecha innumerables ocasiones de lucir su virtuosismo percusivo. La obra ocupa todo un lado del vinilo. El lado "B", está ocupado por diversos trozos musicales, algunos canciones, otros composiciones mas complejas.

El grupo:
Keith Emerson: Organo Hammond, organo de iglesia, piano, celesta, sintetizador Moog.
Greg Lake: Guitarras eléctricas y acústicas, bajo, canto.
Carl Palmer: Batería y percusión

Los temas:
TARKUS.
(Al lado los dibujos del interior de la carátula, describiendo la vida de Tarkus)
"Eruption" (Emerson) – 2:43
Un trozo instrumental que describe el nacimiento de Tarkus (un monstruo, mitad armadillo, mitad tanque) en las entrañas de un volcán. Un rápido ritmo que parece entrecortado (10/8) y una melodía dura conforman el núcleo de este trozo.
"Stones of Years" (Emerson, Lake) – 3:44
Un tema lento, en que Lake canta armoniosamente, mientras reflexiona filosóficamente acerca de la vida, intercalado con trozos instrumentales de Emerson.
"Iconoclast" (Emerson) – 1:15
Un nuevo trozo instrumental con ritmos compuestos (7/8) y una melodía estridente al teclado, desribiendo la capacidad de Tarkus de destruir a otros.
"Mass" (Emerson, Lake) – 3:11
Tras una introducción en teclado, Lake canta un tema crítico de la religión organizada. Otra vez hay mucho solo de teclado.
"Manticore" (Emerson) – 1:52
Un breve interludio de teclado; un tema enérgico, con contrapunto de moog y órgano eléctrico, sirve para presentar al mousntro ezclade humano, león y escorpiópn que vencerá a Tarkus.
"Battlefield" (Lake) – 3:51
El único tema que no está escrito por Emerson, incluso, el solo es de guitarra (cosa muy poco común en EPL), el aporte de Emerson es intercalar repetidamente una breve melodía, que es en realidad el tema siguiente (Aquatakus), temáticamente, la letra es claramente antibélica.
"Aquatarkus" (Emerson) – 3:59
A partir del tema presentado de modo intercalado en el trozo anterior, se interpreta una marcha (un único trozo que Palmer toca "cuadradito"), primero el moog y en órgano eléctrico (uno en cada canal) lo hacen igual y luego el moog se embarca en una improvisación mientras el órgano repite el tema y la melodíoa parese perderse en la distancia, entonces el gong nos trae de regreso el tema inicial con el que se cierra la obra.

"Jeremy Bender" (Emerson, Lake) – 1:46
Breve canción liviana, basada en la sonoridad de un piano como de cabaret, la letra es calramwente Lake y Emerson juega con la sonotridad del teclado.
"Bitches Crystal" (Emerson, Lake) – 3:55
Un rock duro con un ritmo endemoniado y Lake casi gritando la letra. Una vez mas largo solo de teclado (esta vez piano) y cambios de ritmo.

"The Only Way (Hymn)" (Bach, Emerson, Lake) – 3:49
"Infinite Space (Conclusion)" (Emerson, Palmer) – 3:18
Dos trozos ligados comenzando desde el órgano de iglesia interpretando a Bach (tocata), dando paso a la cancion de Lake cuya primera parte esta acompañada del mismo órgano. Luego de la primera estrofa, la instrumentación cambia a piano y acompañamiento con toques jazzísticos, (pero en realidad mas Bach) y con ese acompañamiento va la segunda estrofa. La temática otra vez cuestional la religion organizada (si no fuera por el nombre del disco "este y no Aqualung" sería el álbum anti iglesia del año 71).
La segunda parte (Infinite space) es básicamente piano, en la que sobre una cadencia repetitiva Emerson improvisa, mientras Lake y Palmer (a ratos) hacen la sección rítmica.
"A Time and a Place" (Emerson, Lake, Palmer) – 2:57
Una canción muy Lake, aunque con aportes en los arreglos de Emerson y Palmer.
"Are You Ready Eddy?" (Emerson, Lake, Palmer, Troup) – 2:10
El "postre", es un juego, un rockito simple y liviano basado en el dialog entre la banda y el ingeniero de sonido "Eddie Offord": Al comienzo Lake pregunta "Estas listo Eddie?" y la banda juega con la pregunta acerca de su el ingeniero (que es el mismo que grababa a "Yes") está listo para grabar.

"Tarkus" llegó al Nª1 de los rankings en Gran Bretaña y nos presenta una amplia gama de sonidos y estilos que el trío era capaz de generar.

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18 JUNIO 2011

Vamos a continuar con discos que cumplen 40 años.
En Abril de 1971, el grupo británico "Caravan" publica "IN THE LAND OF GREY AND PINK", obra de gran importancia en el proceso que lleva a la generación de "suites" musicales en el rock. Ya hacía rato que la música venía siendo mas compleja que simples canciones. Primero, "The Beatles" graban "Sgt. Pepper" disco "conceptual" con diversos temas musicales referidos a una misma temática argumental, y "The Doors" graban "The End", una obra de 12 minutos incluida en su primer L.P. (ambos en 1967), luego "The Beatles" lanzan un "single" de 7 minutos ("Hey Jude", 1968), ese mismo año "Iron Butterfly" graba "In-A-Gadda-Da-Vida", ocupando todo un lado de un vinilo (17 minutos), utilizando el recurso de alargar una canción con una sucesión de solos instrumentales.
El paso siguiente es que el trozo musical NO SEA una sola canción, sino una sucesión de temas musicales diversos pero relacionados, conformando lo que en música docta se llama "suite" musical. Eso es lo que conforma el núcleo de "In The Land Of Grey And Pink", aunque aún tenemos un lado con canciones y el otro con la citada "suite".

"CARAVAN", es un grupo emblemático de lo que se llamó "rock canterburyano", musicalmente una mezcla de rock con sonidos folclóricos con jazz y rock, interpretada por músicos mas interesados en el placer de tocar que en el virtuosismo y temáticas deliberadamente simples y/o sin sentido. Las figuras centrales de "Caravan" son los primos Sinclair: Richard, cantante y bajista y David, tecladista.

El grupo:
Pye Hastings: guitarras y canto
Dave Sinclair: organo Hamond, piano y Mellotron
Richard Sinclair: bajo, guitarra acustica y canto
Richard Coughlan: batería

Los temas:
Golf Girl" 5:00
Una introducción a cargo del saxo de Jimmy Hastings, nos lleva a esta canción liviana y amistosa. El canto nos cuenta del encuetro con una niña "vestida en PVC" y una anécdota simple, que es mas una excusa para cantar, propia del estilo de Canterbury. Se nota el disfrute de hacer música.
"Winter Wine" 7:35
Una guitarra acústica con un canto suave, nos lleva a esta segunda canción. Al minuto el grupo entra entero y descubrimos que el ritmo no es suave, sino rápido. A los tres minutos, la instrumentación se ve notablemente disminuida, pero el ritmo se mantiene, entonces el teclado hace un largo solo y el grupo va aumentando el volumen, hasta llevarnos el sonido de los dos minutos, sensación fortalecida por la reaparicion del canto.

"Love to love you (And tonight pigs will fly)" 3:03
Otra canción livianita y breve(Me gusta amarte (y esta noche los cerdos volarán), en lugar de tener solo instrumental después del segundo verso, la flauta genera una especie de coda.
"In the Land of Grey and Pink" 4.59
Fuertemente marcada por la voz y el bajo de Richard Sinclair, esta canción se equilibra por un sólido solo de teclados en sui parte intermedia y ina intro y conclusión a cargo de la guitara acústica.

"Nine Feet Underground" 22:40
I. "Nigel Blows a Tune"
II. "Love's a Friend"
III. "Make It 76"
IV. "Dance of the Seven Paper Hankies"
V. "Hold Grandad by the Nose"
VI. "Honest I Did!"
VII. "Disassociation"
VIII. "100% Proof"
El primer tema de la suite es un notable solo de teclado, el que es seguido por uno de saxo, para dejar reaparecer al teclado. Recién a los 6 minutos un tema mas marcado por el bajo introduce el canto. Un corte con cambio de ritmo (minuto 9)nos lleva al tema siguiente a cargo del órgano eléctrico y otro corte, al minuto 11, a un trozo lento con piano . Al minuto 12 regresa el órgano y un ritmo mas rápido. al minuto 13 el ritmo se acelera. Un nuevo corte nos lleva a un tema mas lento, siempre en órgano. Finalmente al minuto 16 el último corte trae al piano y la segunda melodía cantada, a cargo de Richard Sinclair, en lo que se ha constituido en uno de los trozos clásicos en vivo, tanto de Caravan como de Sinclair solista. Los últimos tres minutos presentan un tema rápido y enérgico, que es casi un "riff" venido a más, con el que el grupo cierra esta genial "suite" y este gran álbum.

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11 JUNIO 2011

Continuando con discos que cumplen 40 años, hoy revisaremos "AQUALUNG", cuarto albun de "Jethro Tull", publicado en marzo de 1971.
"JETHRO TULL" es un grupo británico que comenzó trabajando claramente en la línea del blues y cuya trayectoria lo llevaría incluir cada vez las sonidos folclóricos, centrándose rápidamente en la sonoridad de la flauta traversa de su líder Ian Anderson.

"Aqualung", es una colección de temas discímiles, tanto desde el punto de vista de las temáticas, (diversos personajes + críticas a la religión), instrumentación (rock pesado, y temas acústicos) y la duración (siete minutos o uno). Sin embargo la crítica insistió en que se trataba de un "álbum conceptual" (disco con sus canciones girando en torno a una temática única). Ian Anderson ha explicado innumerables veces que lo único que hay es varios personajes del lado uno y tres temas acerca de la religión. Antes de la publicación, el disco se iba a llamar "My God" y lo central serían tres temas descritos como "una bofetada en la cara de la iglesia", pero el sello consideró eso muy agresivo y presionó para que Anderson cambiara las letras. El rebelde músico accedió solo a cambiar el orden (dejar los temas religiosos del lado "B" del vinilo) y llamar al disco "Aqualung". Como es habitual, todos los temas son de la autoría de Anderson.

Los Músicos:
Ian Anderson: canto, guitarra acústica, flauta
Martin Barre: guitarra eléctrica (su tercer disco con J.Tull)
John Evan: piano, órgano, mellotron (primera vez oficialmente en el grupo)
Jeffrey Hammond-Hammond": bajo (su primer álbum con J.T.)
Clive Bunker: batería (su último disco con J.T.)

Los Temas:
Lado A: Aqualung:
"Aqualung" (Ian Anderson, Jennie Anderson) 6:34
Un comienzo de guitarra dura presenta el primer tema de este multifacético título. El canto nos habla de este vagabundo, exhibicionista. Un minuto después, solo una guitarra acústica y una voz filtrada van contando la historia de este hombre en un ritmo lento. A los dos minutos un nuevo cambio (un tercer tema musical) trae el grupo completo con un ritmo veloz, describiendo la soledad de Aqualung. A los tres minutos y medio es el momento del solo de guitarra, considerado por muchos como uno de los mejores solos de Martin Barre, al mismo ritmo que el trozo anterior. A los 4:30 otro corte nos lleva de regreso al segundo tema, con guitarra acúistica. Entonces la guitarra regresa al tema inicial qye sirve para cerrar el trozo.
"Cross-Eyed Mary" 4:06
Un segundo personaje, tambien marginal, es Mary, protituta escolar, afectada de estrabismo. Musicalmente el tema es duro, lo que no impide que el solo combine flauta con guitarra eléctrica.
"Cheap Day Return" 1:21
Un breve tema acústico, con el lado mas folclórico de Anderson.

"Mother Goose" 3:51
Un tema rápido con mucha flauta y trabajado casi totalmente de modo acústico (de hecho no tiene ni siquiera batería) y la guitarra eléctrica se utiliza en tres trozos breves.
"Wond'ring Aloud" 1:53
Un segundo tema breve solo con guitarra acústica, al que se le suma piano y violines desde la parte media.
"Up to Me" 3:15
Un nuevo tema complejo y con partes comprimidas en apenas mas de tres minutos. Las partes vocales, notablemente acústicas contrastan con las instrumentales mas duras, con buen trabajo de guitarra y flauta juguetona.

Lado B: My God:
"My God" 7:08
Una genial introducción de guitarra acústica, a la que se le suma el piano nos llevan al primer tema, mientras Anderson nos reta por lo que hemos hecho al dios que inventamos, para nuestra religión. Recién tras los dos minutos entra guitara y batería. A los tres minutos un solo de guitarra da comienzo a la parte instrumental. Un genial solo de flauta dura hasta los cinco minutos y nos lleva al tema inicial, esta vez mas duramente instrumentado y nuevamente a la flauta que cierra el trozo.
"Hymn 43" 3:14
Un tema duro, en lo musical y la temática; los instrumentos se turnan el los "comentarios" apareciendo y desapareciendo del primer plano. La letra es mas crítica a la religión.
"Slipstream" 1:13
El tercer tema acústico, esta vez con guitarra y violines.

"Locomotive Breath" 4:23
Un clàsico absoluto de J. Tull. Una introducción de piano da paso a una melodía fuerte con todo el grupo, intensamente marcada por bajo y batería. El solo de flauta esta muy bien, en este, que se ha convertido en el trozo con que J.Tull cierra sus recitales durante décadas.
"Wind Up" 6:01
Una vez mas el piano hace la introducción a el tema principal, que Anderson canta suavemente. El grupo se suma paulatinamente aumentando la potencia de la interpretación, hasta que a los dos minutos tenemos a todos los muchachos ejecutando un rock poderoso. Un solo de guitarra deriva en canto y pronto un corte nos lleva a la simpleza del comienzo, entonces en grupo juega los últimos dos minutos, aumentando y luego disminuyendo la intensidad de la música hasta terminar solo con voz y guitarra acústica, cerrando así este genial disco.

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