31 OCTUBRE 2009

Para terminar el mes de octubre, un grupo que exploró un camino que no tuvo seguidores: "CHICAGO". Fundado en 1967, bajo el nombre de "Chicago Transit Authority", es un grupo que incursionó en la sonoridad del jazz, en especial por tener tres integrantes que tocaban instrumentos de bronce, sumados a los inevitables guitarra, bajo teclados y batería.
Sus primeros discos (todos albums dobles) exploran la sonoridad de un rock con fuerte sonido de trompeta, saxo y trombón, en algo que era experimental pero fue absorvido por la dominante sonoridad del teclado que copó al rock a los comienzos de los 70's. (Parta quienes les interece el "sonido", tambien pueden explorar "Blood, Sweat & Tears" banda de la misma época y estilo).
una característica extra es que el grupo tiejne tres cantantes con sonoridades diferentes que se hacen cargo de los temas según la temática y estilo de estos.

Integrantes:
Peter Cetera: bajo, canto
Terry Kath: guitarra y canto
Robert Lamm: teclados y canto
Lee Loughnane: trompeta
James Pankow: trombon
Walter Parazaider: saxo y flauta
Danny Seraphine: batería


El primer L.P. se llamó "Chicago Transit Authority" y fue publicado en 1969:
"Beginnings" 7:54
Estructurada como canción de amor, trabaja con una conceptualización casi progresiva, nos muestra un "Chicago" que equilibra notablemente el sonido rock de guitarra y teclado, con el sonido jazz de los bronces. El canto esta provisto por Lamm, quien es el autor del tema y el final, con el grupo entero interpretando percusión, es notable.

"I'm A Man" 7:43
Originalmente una canción que Steve Winwood escribiera en el grupo "Manfred Man" tiene un genial cover. Un bajo juega con un riff simpático, luego se suma la batería, y poco a poco los diversos miembros del grupo se van sumando en percusión. Después de 45 segundos, el teclado y la batería entran orientando el desarrollo hacia el tema central de la canción, pero solo casi al minuto y medio el canto presenta la canción propiamente dicha. Un tema rockero, que a los 3:30' tiene un enérgico (y largo: 2:00) solo de batería y percusión. El cierre está muy bien trabajado por la guitarra y la batería.


El segundo L.P. "Chicago" de publicó en 1970:
"Make Me Smile" 3:16
Los bronces abren este tema con mucha energía y un sonido alegre, la bateria marca fuertemente el ritmo, mientras la voz de Kath describe la alegría de una relacion amorosa. Al llegar al solo, escuchamos primero a los bronces y luego a la batería, el tema termina entonces, sin volver al canto.l

"Fancy Colours" 5:10
Un suave sonido de campanas al que se suma una larga nota de teclado sirven de preludio a una introducción con canto a tres voces y bronces, luego la flauta hace un puente y se presenta el tema central. Durante todo el tema, la instrumentación es dominatemente instrumentos de viento. Al final el trio de vientos repite una nota que se pierde poco a poco.

"25 or 6 to 4" 4:50
Escrito por Lamm y cantado por Cetera, "25 or 6 to five" (25 o 26 para las 4 (de la mañana) es sin duda el tema mas conocido del grupo, comienza con un riff, hoy clasico, al que se suman los bornces. El enérgico riff es respaldado por la batería y sobre él la guitarra ejecuta un (en realidad dos) potente solo.


El tercer L.P. "Chicago" (III), fue publicado en 1971:
"Free" 2:15
Un riff que alterna guitarra y bronces da la introducción de este breve tema sobre la incomodidad de la vida actual. El solo, está a cargo de los bronces.

Mother" 4:31
Un ritmo entrecortado a cargo de teclado y bateria hace la introducción, antes de que el tema encuentre su ritmo, mas lento, definitivo. Una sección intermedia con una improvisación de trompeta y armonías levemente disonantes, agrega un "color" diferente al tema; luego de eso se retoma el desarrollo inicial con sus dos partes claramente diferenciadas. el cierre lo hace un lento trozo de trompeta.

"Lowdown" 3:36
Un tema mas rockeado con predominancia de guitarra y teclado desde la introducción. El solo de guitarra esta muy bien, claro que tambien hay uno de bronces.

"Once Upon A Time/Progress? 5:08
El final del disco incluye un alusión de critica social, que siempre fue elemento característico de "Chicago" (del cual el elemento mas expresivo es el sonido de la descarga del estanque del WC que cierra el tema como comentario final al estado social). Desde el punto de vista musical, se trata de un tema instrumental que presenta una faceta un poco diferente del formato canción dominante en los discos de "Chicago".


Luego de estas tres producciones, el sonido de Chicago" evoluciona lentamente hacia el "pop", generando varios "hits" radiales, pero perdiéndose poco poco en la "selva" del consumismo que nos "consumió" (no solo musicalmente) la segunda mitad de los 70's.


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http://radiovalentinletelier.cl/2009/10/larga-vida-al-rock-31-oct/

24 OCTUBRE 2009

El 25 de Octubre de 1969 (otro de cuarenta años) se publicó el cuartro L.P. de Pink Floyd": "UMMAGUMMA".

"PINK FLOYD" había venido evolucionando en una dirección poco clara, luego de el abandono de Sid Barret, el ideólogo y lider original del grupo, perdido en el mundo de los alucinógenos, al punto de no ser operativo musicalmente. El segundo L.P. (A saucerful of secrets) fue una especie de continuación del estilo del primero (The piper at the gates of dawn), por lo que estaba aún en la "onda Barret". El tercer L.P: fue una banda sonora (More), por lo que ahora, con el cuerto LO.P., "Floyd" comienza a buscar un nuevo camino y esa búsqueda se nota.

"Ummagumma" es en realidad dos discos diferentes: Un álbum en vivo, en que la banda interpreta sus clásicos de la primera etapa, en un intento de despedirse de ellos, y un çalbum en estudio en que cada uno de los integrantes muestra el rumbo de sus exploraciones sonoras.
En la práctica, se destina medio lado de un vinilo (10 min +/-) a música de cada uno de los integrantes del grupo. Podemos así escuchar, en estado embrionario, los sonidos que serán desarrollados los próximos años por el grupo, el resultado no es brillante, pero es clave para quien busque la comprensión de la evolución de la musica de Pink Floyd. Hoy escucharemos el disco dedicado a las grabaciones en estudio.

Integrantes:
Roger Waters: Bajo y canto
Rick Wright: Teclados y canto
Dave Gilmour: Guitarra y canto
Dave Mason: Batería.

Los Temas:
"Sysyphus" (Wright) – 12:59
Part 1 – 4:29
Part 2 – 1:45
Part 3 – 3:07
Part 4 – 3:38
Una fanfarria sirve de introducción al tema de Richard Wright. El tema está a cargo, evidentemente , de los teclados, con notable percusión. La segunda parte nos trae un piano que desarrolla simples melodías, con Wright experimentando progresivamente sonoridades cada vez mas disonantes. La parte tres nos lleva a la fase mas experimental, con ruidos (ya no sonidos) que anuncian las posibilidades sonoras de Pink Floyd en los discos por venir. Un brusco corte nos lleva a un silencio del que surgen sonidos suaves durante tres minutos, hasta que un estruendo nos leva a una nueva parte de ruidos disonantes, de los que, finalmente surge la fanfarria inicial, dando fin a la parte de Richard Wright.

"Grantchester Meadows" (Waters) – 7:26
Roger Waters divide su parte en dos trozos discímiles.
Un suave tema acústico, que se abre con sonidos campestres. Waters canta calmadamente la tranquilidad del campo. Luego de un largo desarrollo, el tema disminuye de volumen hasta perderse en el silencio, entonces una mosca vuela entre los parlantes hasta que alguien baja una escala y la mata con un matamoscas.
"Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict" (Waters) – 4:59
Tras ese inmenso y ridículo nombre, se encuentra un trozo lleno de humor. Waters juega con sonoridades que surgen de "lo natural", efectos de sonido, ruidos vocales y sonidos surgidos de golpear el propio cuerpo estructuran una experientación a ratos caótica, descripción de como "diversas especies de animales peludos, reunidos en una cueva se divierten con un Picto".

"The Narrow Way" (Gilmour) – 12:17
Part 1 – 3:27
Part 2 – 2:53
Part 3 – 5:57
El tema de Gilmour es mas simple. La primera parte es simplememte una sucesión de melodías a medio elaborar, en la que van apareciendo algunas disonancias. La segunda es, claramente una exploración de sonoridades que se puede obtener con la guitarra (una vez mas, los sonidos que el grupo utilizará en sus proximos discos), las que se van haciendo cada vez mas caóticas. La tercera parte es un tema lento cantado por Gilmour, con un "aire" a como sonará "Echoes" un par de años después.

The Grand Vizier's Garden Party" (Mason) – 8:44
Part 1: "Entrance" – 1:00
Part 2: "Entertainment" – 7:06
Part 3: "Exit" – 0:38
El "tema" de Mason se abre con una breve melodía de flauta, que es solo un distractor, antes del trozo central que es, probablemente, el mas experimental del disco. Por supuesto Mason explora largamente las sonoridades de la percusión a niveles insospechados. La "Salida" es nuevamente la flauta que sirvv de cierre a este L.P. clave en el desarrollo del "Sonido" Pink Floyd.


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17 OCTUBRE 2009

La semana pasada escuchabamos el primer disco de "King Crimson", editado hace 40 años.
Hoy escucharemos otro disco de 40 años.

El mismo día que se publicó "In The Court of The Crimson King", 10 se Octubre de 1969, se publicó tambien "HOT RATS", séptimo L.P. (en cuatro años) de FRANK ZAPPA.

FRANK ZAPPA, era ya un guitarrista famoso por sus discos experiementales e irreverentes.
Nacido en Baltimore (cerca de Washington D.C.) el 21 de diciembre de 1940 (apenas dos meses después que John Lennon), Zappa "descubrió" a Edgar Varese, músico docto contemporáneo, y desde allí desarrolló un gusto especial por la musica percusiva. Después de años tocando batería, la abandonó por la guitarra, (porque le facilitaba el "ser visible" en el escenario, y porque le hacía mas facil "dirigir" un grupo musical).

Luego de seis discos con "The Mothers of Invention", una banda muy experimental y llena de sátira a la música pop del momento, Zappa graba discos "solo", siempre experimentales, pero ahora girando notablemente hacia el jazz (especialmente por las largas improvisaciones y la sonoridad de la bateeía).

"Hot Rats", cuenta con la colaboración de Ian Underwood, un multi-instrumentista de excepción, además de músicos escogidos, cada uno sobresaliente en su rubro. Es el primer disco de Zappa notablemente instrumemtal, en el que podemos disfrutar de sus geniales solos de guitarra y uno de sus discos más valorados por la crítica.

Los músicos:

• Frank Zappa: Guitarra eléctrica, bajo
• Ian Underwood: organo, piano, saxo, clarinete, flauta

Captain Beefheart: canto en "Willie the Pimp"
Don "Sugarcane" Harris: violín en "Willie the Pimp" y "The Gumbo Variations"
Jean-Luc Ponty: violin en "It Must Be a Camel"
Max Bennett: bajo en todas las pistas, salvo"Peaches en Regalia"
Shuggie Otis: bajo en "Peaches en Regalia"
John Guerin: batería en "Willie the Pimp", "Little Umbrellas" y "It Must Be a Camel"
Paul Humphrey: batería en "Son of Mr. Green Genes" y"The Gumbo Variations"
Ron Selico: batería en "Peaches en Regalia"

Los Temas:
"Peaches en Regalia" – 3:38
Un verdadero clásico de Zappa, aparece decenas de veces en los recitales y discos "en vivo". Un redoble de tambor da paso a un primer "tema"(dos compaces) que Zappa y Underwood repiten para dar paso al "tema central" y luego una sucesión de improvisaciones en que Underwood se luce (saxo y teclados) y Zappa (guitarra y bajo) también. Finalmente nos llevan de regreso al "tema central" que se repite mientras el sonido hace "fade-out".

"Willie the Pimp" – 9:16
El violín de "Sugarcane Harris" nos introduce en el mundo de "Willie" el "cafiche", que canta brevemente Captain Beefheart, (incluyendo el termino "hot rats"), antes de que Zappa nos entregue uno de sus geniales solos (desde 1:20 a 8:50 min), solo para que, entonces, el violín cierre el tema.

"Son of Mr. Green Genes" – 9:00
Una vez mas un recoble de tambor nos lleva al tema que no es sino una elaboración de "Me Green Genes" tema que había aparecido en "Uncle Meat" (el L.P. anterior). Underwood en varias pistas de teclado y vientos presenta el tema, Zappa realiza un solo de guitarra, entonces Underwood interpreta uno de teclado, el que se funde con otro de Zappa, saxo + guitarra, etc. El tema aparece y desaparece varias veces en un complejo y virtuoso juego entre ambos instrumentistas. Al final una especie de fanfarria cierra el tema y el "lado A" del disco.

"Little Umbrellas" – 3:04
Una notas de bajo y de piano, sirven de fondo a una melodía con armonias árabes que nos presenta a Zappa en guitarra y Underwood en teclado y vientos; entonces un largo trozo de improvisación (por supuesto a cargo de teclado y guitarra) nos lleva de regreeso al tema "oriental" para cerrar este trozo. Un tema muy elaborado con mucha pista sobrepuesta.

"The Gumbo Variations" – 16:56
Un largo "jam" editado para incluirlo en el disco, lo que es evidente desde el comienzo (voces y paulatina estructuración), luego de un juego de guitarra, el saxo presenta un tema que rápidamente desarrolla en una larga improvisación, con la guitarra jugando atrtás. Alrededor de los 8 minutos el solo es de violín, a los 13:50 de batería, a los 14:15 (brevemente) de bajo, para que regrese el violín y de allí en adelante una creciente cacofonía nos deje con una secuencia de notas altísimas de violín que llevan el tema al fin, siempre en un ambiente mas bien caótico.

"It Must Be a Camel" – 5:15
Un piano muy jazzistico, nos lleva a un tema lento a cargo, una vez más, de teclado y vientos (Underwood en diversas pistas). Hacia la mitad Zappa incluye otro genial solo de guitarra, cambiando el ritmo, la que luego de un solo de batería en "full stereo" (usado por primera vez en un disco gracias al equipo de grabación con 16 canales, los Beatles usaban 8) nos lleva de regreso al tema inicial, cerrando el disco.

Una grabación excepcional que no ha envejecido con el tiempo.

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http://radiovalentinletelier.cl/2009/10/larga-vida-al-rock-17-oct/

10 OCTUBRE 2009

El 10 de Octubre de 1969, se publicó en Gran Bretaña el L.P. "IN THE COURT OF THE CRIMSON KING: An Observation By King Crimson". Los comentarios, tanto de la crítica especializada, como de los músicos de rock, fue altamente positiva y aún hoy, este disco es considerado "una joya" entre los L.P.s progresivos.

Liderado por Robert Fripp, "KING CRIMSON" ha atravezado por diversas etapas e innumnerables formaciones desde entonces hasta hoy, siendo considerado aún uno de los grandes del rock actual. Formado a partir de los "experimentos" de Robert Fripp con los hermanos Gilles (Michael y Peter), la evolución de "Crimson" derivó hacia algo muy experimental, generando en cada álbum un sonido diferente al anterior, al punto que el grupo no tiene un estilo musical reconocible y el mismo Fripp establece que "King Crimson es un estilo de hacer las cosas". Este "estilo" implica contínua búsqueda y experimentación con sonidos, fruto de un equipo siempre cambiante, en que Fripp selecciona "lo mejor" de los interpretes de cada instrumento.

Al ser publicado, hace 40 años, "In The court Of The Crimson King" fue considerado el mejor disco del año, por diversos críticos. Las razones, aún las podemos escuchar: un conjunto de temas que claramente no son canciones, sino algo mucho mas elaborado, lo que implicaba una clara innovación en la época: larga duración, alta elaboración, y subpartes de los temas son una característica que será el sello de lo que se llama "rock progresivo" y que llevó a que este disco sea considerado "el primer disco del género" (si es que en música realmente podemos poner límites de comienzo o fin de estilos). El otro elemento clave es la alta capacidad musical de todos sus integantes (hecho tambien poco frecuente en la época, en que los músicos pop, solían ser de mediana, y a veces de muy baja, calidad).

La carátula es inquietante, pero representa fielmente el espíritu del disco, y quizá, al personaje descrito en el primer tema.

La formación:

• Robert Fripp: guitarra
• Ian McDonald: flauta, clarinete, saxo, teclados, mellotron
• Greg Lake: bajo, canto
• Michael Giles: batería, percusión
• Peter Sinfield: letras, iluminación

(observen como un integrante NO ES músico, sino de ocupa de los aspectos formales, esto resulta relevante para el estilo del grupo).

Los Temas:
21st Century Schizoid Man (7:20) including: Mirrors.
Unos "estraños ruidos" sirven de introducción al estruendoso ingreso del grupo (saxo, guitarra y batería) y poco mas adelante se suma la voz altamente distorsionada de Lake que casi grita la letra, describiendo al "hombre esquizoide del siglo XXI" que anuncia el título. A los dos minutos, un cambio de ritmo nos lleva a una impresionante improvisación con lucimiento de la capacidad intrumental de Fripp y de allí juegos con cambios de ritmos y lleno de armonías disonantes. A los 5,5 minutos se regresa al tema original, y se deriva en un largo final lleno de estridencias.

I Talk To The Wind (6:05)
El cosntraste esta determinado por este tema que se abre con suaves flautas y la voz de Lake, limpia, como nos acostumbraremos a escucharla en "ELP". A los tres minutos un hermoso solo de flauta reafirma la atmósfera plácida del tema, incluso la guitarra ahora está trabajada con suavidad, al volver la voz, la flauta mantiene su presencia llevándonos a una larga coda, la que se extiende hasta que, poco a poco, desceinde el volúmen como perdiéndose en la distancia de la que en "crossfade" aparece el proximo tema.

Epitaph (8:47) including: - a. March For No Reason - b. Tomorrow And Tomorrow.
Un timbal da la entrada al mellotron que hace de fondo a la guitarra con un aire épico. La voz de Lake se mantiene suave, mientras la batería marca fuertemente un ritmo lento y cadencioso. Tras el coro, el mellotron establece claramente si rol de "orquesta" y el tema va tomando poco a poco mayor fuerza; la flauta mantiene un rol importante, pero diferente al tema anterior por el nivel de "orquestación". Unas vez más, una larga coda lleva el tema a su culminación con una lenda disminución del volumen, que, con el aumento de la reververación, genera una clara sensación de alejamento del sonido, cerrando de ese modo el "lado A" del vinilo.

Moonchild (12:11) including: - a. The Dream - b. The Illusion.
Una suave guitarra da paso a la voz de Lake levemente distorcionada, quien canta con escasa instrumentación de respaldo. A los dos minutos y medio el tema se corta dejando paso a una larga improvisación en que priomero un suave trabajo de la guitarra, mas bien en tomo de "generador de sonidos" que en función melódica y luego los instrumentos percusivos exploran diversas sonoridades, durante mas de diez minutos.

5. The Court Of The Crimson King (9:22) including: - a. The Return Of The Fire Witch - b. The Dance Of The Puppets
Un redoble de tambores da paso a una pomposa fanfarria, luego de la cual Lake canta suavemente hasta llegar a momento en que el grupo repite la fanfarria sobre el canto generando una vez mas la atmósfera épica del "Epitaph", el tema que cerraba el "lado A". A los cuatro minutos la flauta, casi sola, interpreta un tema muy en el estilo de "I talk to the wind" solo para llevarnos de regreso al sueva tema del inicio. A los seis minutos regresa la fanfarria que comienza a alargarse en lo que anuncia ser una nueva larga coda, pero un redoble y un golpe del grupo parece terminar el tema. . . . .sin embargo, los platillos avisan que hay más y el mellotron, con sonidos de organo, nos lleban de regreso, una vez más, a la fanfarria que se repite durante caso dos minutos más, siendo acompañada de una, cada vez mayor, cantidad de sonidos disonantes que terminan en un caos sonoro que se interrumpe bruscamente marcando, ahora si, el fin del disco.

Una experiencia dsgna de ser repetida infinitamente en los cuarenta años transcurridos desde entonces.
Gracias Robert Fripp.

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3 OCTUBRE 2009

Continuando con la revisión de "discos claves" que cumplen 40 años, hoy revisaremos "BLIND FAITH", publicado en agosto de 1969.

BLIND FAITH es un "super grupo", formado a partir de integrantes claves de grupos anteriores (algunos de ellos ya supergrupos).

• Steve Winwood, (adelante en la foto)venía de liderar "Traffic", un grupo de rock con un sonido con fuerte peso de instrumentos de vientos (en especial flautas) y antes había estado con "Spencer Davis Group". Multinstrumentista, pero predominantemente tecladista, toca organo, piano, guitarra, bajo, además de ser el cantante del grupo.
• Eric Clapton, (a la derecha de la foto) venía de trabajar años con "Cream", supergrupo al que había llegado desde "The Yarbirds" grupo de "blues blanco ingles". Como deben saber, Eric Clapton toca la guitarra y canta
• Ric Grech, (A la izquierda en la foto) había sido integrantes de "Family"y toca el bajo y el violin
• Ginger Baker, (con barba, entre Steve y Ric) había trabajado con Eric Clapton en "Cream", adonde había llegado desde "Graham Bond Organisation" y es uno de los bateristas mas importantes de los 60's.

Cuando "Cream" se rompe, fruto de las disputas entre Ginger Baker y Jack Bruce, Eric Clapton se contactó con Steve Windwood, que tenia problemas con su banda y juntos comenzaron a explorar un rock con mas elementos de jazz, la figura obvia como baterista fue Ginger Baker y solo faltaba encontrar un bajista, fue así como contactaron a Ric Grech.

Su álbum debut (y único) alcanzó el Nº1 a ambos lados del Atlántco. Los temas están fuertemente marcados por Steve Windwood, lo que muy probablemente determinó que el grupo no sobreviviera.
La carátula generó polémica, por mostrar desnuda a una niña puber, de hecho, se generó una carátula alternativa para la publicación en USA.

"Had To Cry Today" (Steve Winwood) – 8:48 Desde el punto de vista temático, un tema de amor (desamor), con la inconfundible voz de Winwood. Sin embargo, músicalmente, nos permite conocer el sonido del grupo: Baker, haciendo lo que sabe (sacar la batería del rol de sección rítmica tradicional y convertirla en algo distinto que, si bien no es melódico, implica un trabajo complejo y admirable. Clapton, ocupado en sus inimitables solos de guitarra. Windwood paseandose entre los instrumentos y Grech en el rol de soporte, que lo hace el integrante menos distintivo del grupo. Luego del riff inicial, Windwood canta las dos primeras estrofas con sus coros y entonces (con el riff de fondo Clapton ejecuta el primer solo (dos minutos y medio), entonces Windwood vuelve al canto y repite las dos estrofas cantadas al comienzo, luego de lo cual el grupo hace un desarrollo primero con canto y luego con guitarra que deriva en el largo solo final, que temina perdiendose al disminuir el volumen.

"Can't Find My Way Home" (Steve Winwood) – 3:16 Otro tema de Windwood, esta vez mas lento, pero lleno de armonías y con más del bello trabajo de Clapton y Baker. Una guitarra sirve de introducción al canto de Windwood y se repite el esquema del dtema anterior, en el fondo una canción alargada con genailes solos de la genial guitarra de Clapton.

"Well All Right" (Buddy Holly) – 4:27 Un cover de un clásico del rock, con Clapton inyectándole energía y una genial interpetación del riff inicial, con aportes de guitarra y piano. A los dos minutos 50 el tema se acaba y el grupo desarrolla una larga coda centrada en una improvisacion de piano. Probablemente el momento mas liviano del disco, pero vale como homenaje.

"Presence of the Lord" (Eric Clapton) – 4:50 Un tema lento; probablemente Clapton influído por el misticismo de su amigo George Harrison. Windwood canta el goce de "haber encontrado el modo de vivir a la luz del señor". A los dos minutos y medio, cuando uno cree que todo será tranquilo, el solo de guitarra, rompe el esquema y ofrece un revitalizador contraste, que calza muy bien en la atmósfera general, probablemente em mejor solo de Clapton en el disco. Luego el tema retoma la melodía inicial y llega plácidamente al fin.

"Sea Of Joy" (Steve Winwood) – 5:22 Abriendo el "lado B" del vinilo, otro tema de Windwood, esta vez de una belleza impresionante. Un genial riff de Clapton da paso a una melodía mas calma. Luego de dos estrofas, un puente en que se intercalan el riff con breves solos de guitarra, va paso a un genial solo de violín. Finalmente vuelve la voz de Windwood a la que se suma la guitarra de Clapton y finalmente el violín de Grech y el sonido disminuye hasta desaparecer.

"Do What You Like" (Ginger Baker) – 15:20 El postre: un largo y genial solo de batería de Baker, acompañado de una breve introducción de canto a la que sigue un solo de órgano eléctrico, luego guitarra, bajo, entonces el largo solo de batería para volver al canto en un breve cierre que se alarga con sonidos posteriores a la grabación. Pocas veces se justifican los largos solos de batería, pero los de Baker estan absolutamtne justificados, no en vano es uno de los gestores del uso de la batería de modo "melódico".

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