1 ENERO 2011

FELIZ 2011!

Para iniciar el año como se debe, uno de los grandes del comienzo del siglo.
El grupo británico "PENDRAGON" publicó en 2008 el álbum "PURE".

"PENDRAGON", es una agrupación formada a fines de los 70's y liderada por el cantante y guitarrista Nick Barrett, quien escribe todos los temas. Su éxito data de mediados de los 80's, gracias a la capacidad de Barrett para escribir bellas melodías y tocar la guitarra mas que bien, sumado a la tremenda capacidad de Clive Nolan como tecladista (la capacidad musical de Nolan le permite generar su proyecto paralelo "Arena" donde es él quien escribe los temas).
Trozos musicales como "The Voyager" del disco "The World" (1991) y "Masters of Ilussion" de "Masquerade Overture" (1996) se han constituido en verdaderos iconos del rock progresivo.

La formación del grupo es relativamente estable, durante casi 20 años, hasta 2006, año de edición de "Pure" cuando Fudge Smith es reemplazado por Joe Crabtree y luego por Scott Highan (2008) en batería.

Los músicos:
Nick Barrett: canto,guitarras
Peter Gee: bajo
Clive Nolan: teclados
Scott Higham: batería

"Pure" es su octavo disco de estudio.

los temas:
1. Indigo (13:44)
Un riff de guitarra distorcionada (y unos ladridos que recuerdan a Pink Floyd (Animals) introducen un tema cadencioso con mucho teclado que es interrumpido por mas guitara fuerte para dar paso a un canto que recuerda al Pink Floyd de "A momemtary lapse of reason", pero la guitarra es mucho mas dura y "siglo XXI". La seccion intermedia es lenta y suave, centrada en el teclado de Nolan, entonces pasamos a un segundo tema, mas parecido a lo que anunciaba la guitarra, un nuevo interludio esta vez con una suave guitarra, nos lleva a un tercer tema cantado, esta vez mas suave y de allí a una larga coda a cargo de la guitarra, para cerrar este largo "épico".

2. Eraserhead (9:05)
Un fuerte riff de guitarra nos lleva al primer tema cantado enérgicamente, luego de un interludio instrumental (una guitarra trnaquila) un segundo tema mas suave, entones un nuevo interludio, esta vez de teclado, sa paso a un solo de guitarra en la vena del tema inicial y de allí a un cierre mas trabquilo.

3. Comatose (I View From The Seashore) (7:41)
La primera parte de la pieza central del disco, comienza tranquilamente solo con canto y piano. a los dos minutos un sutil cambio, introduce sintetizador, el que rápidamente da paso a una guitarra dura y una batería agresiva. El canto se las arregla para permanecer tranquilo con una compleja instrumentación de fondo y las interrupciones de la guitarra que repite un riff, en varias sonoridades diferente, derivando en un enérgico solo de guitarra. Al minuto 6 todo se detiene apareciendo un teclado con una simple arternacia de dos notas sobre la cual Barret canta suavemente, para terminar esta parte con un quiebre simfónico a cargo de "violines", que dan paso a la segunda parte.
4. Comatose (II Space Cadet) (4:02)
La guitarra comienza con un simple juego tomado del solo de guitarra del trozo anterior,sobre el que Barret canta entre fuertes interrupciones de guitarra. a los dos minutos un corte nos lleva a una guitarra que juega con un par de notas y luego va complejizándose sobre lo cual Barrett canta una segunda melodía la que termina "a capella".
5. Comatose (III Home and Dry) (5:55)
Entonces la guitarra presenta un tema muy tranquilo siendo seguida por el canto y desarrollando desde allí la típica progresión que hemos escuchado en otros temas de "Pendragon", en que el tema lento es enriquecido instrumentalmente hasta que se nos "olvida" que sigue lento, por su tremenda elaboración a nivel de instrumentación.

6. The Freak Show (4:26)
Como su nonbre hace esperar, esto comienza con un riff metalero y unos gritos, para dar paso a la guitarra "alegre" de Barret (esa que nos hace sentir que los guitarreros neoprogs son "hijos" de Steve Hackett). El canto es grato en este, el único trozo con "formato canción" del disco, que se cierra con el mismo riff metalero del comienzo.

7. It's Only Me (8:16)
Un piano mas un sintetizador con sonoridades de armónica, hacen la introducción de este tema que Barret canta suavemente. A los 3:40 minutos, pasamos a un segundo tema, esta vez la orquestación incluye a la batería marcando fuertemente los lentos tiempos. Como es de esperar en un disco de Pendragon, la guitarra hace un largo solo, que cumple el rol de coda, "adornada", hacia el final, con un par de versos cantados, cerrándose todo con unos breves compases de piano solo.

25 DICIEMBRE 2010

"ANDROMEDA", es un grupo sueco de "metal-prog" formado en 1999 por el guitarrista Johan Reinholdz. El estilo ha ido endureciéndose a partir de un enfoque mas bien melódico, sin dejar la elaboración que lo hace "prog". En 2001 publicaron "Extension Of the Wish", en 2003 "II=1", en 2006 "Chimera" y en 2008 "The Inmunity Zone". En 2007 apareció su DVD "PLAYING OOF THE BOARD", que incluía un CD con una versión de audio de la presentación, el que se ha convertido en el único (a la fecha) disco en vivo de la agrupación.

En el programa de hoy revisaremos parte de esa entrega (el original dura mas de 80 minutos y se recomienda escucharlo entero).

El Grupo:
David Fremberg: canto
Martin Hedin: teclados
Johan Reinholdz: guitarras
Thomas Lejon: batería
Fabian Gustavsson: bajo


Los Temas:
Periscope 6:14
Una intro de teclados presenta el "riff" que pronto toma la guitarra y pasa al canto de Fremberg. Una rápida melodía, un buen solo de guitarra y otro de teclado estructuran este primer tema.

Mirages 6:26
Estructurado a partir de un duro sonido de guitarra y un rudo canto, es un tema que combina una estructura muy "metal" con interludios mas suaves, el solo de guitarra evidencia influencia de Petrucci (Dream Theater).

Two Is One 10:46
Esta vez se comienza con una guitarra muy suave. Cuando entra el canto, se mantiene la atmósfera. Recién al llegar a la mitad del tema el sonido se endurece y canto y guitarra asumen un tono mas "metal".

The Hidden Riddle 7:27
Este tema es precedido por un "ensayo" de participación del público, Fremberg los hace cantar el estribillo y entonces la guitarra comienza suavemente a desarrollar esta pieza musical que tiene mucho de progresivo en su estructura y llega a ser muy elaborada.

Reaching Deep Within 5:02
El tema mas corto del disco comienza con un rápido riff y está marcado por la guitarra sobre la cuál juega la voz.

The Words Unspoken 8:11
Finalmene un tema duro con buen teclado y enérgica guitarra especialmente notable en el solo de la sección intermedia.

En resumen, un buen disco de un buen grupo. reitero la invitación a escucharlo
íntegramente.

Escuchar este programa:
http://radiovalentinletelier.cl/?powerpress_pinw=3896-podcast

11 DICIEMBRE 2010

Esta semana revisaremos uno de los discos mas interesantes editados los úiltimos 5 años. Se tr4ata de "EMPIRES NEVER LAST" del grupo británico "Galahad"

"GALAHAD" es una agrupación que combina cierto sonido folclórico con un claro gusto por el metal, todo ello en un contexto progresivo. "Empires ÇNever Last" de 2007, tiene mas de metal que de folk y esa parce ser la opción del grupo en este, su octavo disco.

El grupo:
Stuart Nicholson: canto
Spencer Luckmann: batería
Lee Abraham: bajo
Dean Baker: teclados
Roy Keyworth: guitarras


Los temas:
De-Fi-Ance (5:45)
Termination (7:14)

I Could Be God (13:58)
Memories From An African Twin (4:02)

Empires Never Last (9:05)
This Life Could Be My Last (10:23)

Escuchar este programa.
http://radiovalentinletelier.cl/?powerpress_pinw=3852-podcast

4 DICIEMBRE 2010

Terminando el año encontramos que en diciembre tenemos un notable aniversario. "JOHN LENNON" murió el 8 de diciembre de 1980, es decir hace 30 años (habría cumplido 70 el pasado 9 de septiembre). Se ha discutido mucho acerca del aporte de Lennon a la música, respecto de sus diferencias con Mc.Cartney, de la influencia de Yoko en su vida, pero al final terminamos escuchando siempre las mismas (bellas) canciones. A partir de un viejo y apreciado habito, he decidido dedicar un programa especial a John Lennon, con la revisión de algunos de sus temas menos "radiofónicos" o mas elaborados (que no es lo mismo).

Es dificil escuchar un homenaje a John que no incluya "Imagine" "Woman" "Help!", "In my life" o "Lucy in the sky with diamonds", nada de eso habra aquí. John Lennon se caracteriza por dos aportes a la música (que lo diferencias de Mc.Cartney): musicalmente explorar alternativas formales, a nivel de textos ser personal, siempre escribe acerca de lo que le pasa o piensa y nunca acerca de historias inventadas de "personajes" (incluso "Lucy" (O'Donnell) era una persona real, falleció el 22 de septiembre de 2009). Aqui van algunas de esas obras (no canciones)

"Tomorrow Never Knows", incluida en "Revolver" del 1966, cumple ambos criterios.
Desde el punto de lo musical, no cambia nunca se acorde y cada verso repite la misma línea melódica. La letra es una secuencia de reflexiones filosófico-místicas, que el de verdad pensaba. Según muchos críticos, es el primer tema realmente experimental de The Beatles. Los efectos con violines y el solo de guitarra con la cinta al revez es un toque genial.

"A Day In The Life"
Esta obra está incluido en "Sgt. Pepper" (1967). Si bien un tema bastante conocido, otra vez sale del formato canción e incluye una genial colección de efectos, desde la orquesta tocando desde la nota mas baja a la mas alta que cada instrumento es capaz de emitir al acorde Final, ese golpe al piano que parece durar interminablemente. Matemáticamente es una colección de experiencias de Lennon en su casa (leo el diario, veo unapelícula, etc) adornadas con comentarios irónicos.

I'm The Walrus.
Algunas veces escuchada en la radio, "Walrus" incluye una de las letras mas raras de Lennon: "I am he, as you are he and you and me and we are all together" (yo soy él, como tú eres él, y tú y yo y nosotros estamos todos juntos) o "sitting on a kornflake, waiting to the van to come, if the van don't come you get a tan for standing in the english rain" (sentado en un copo de maíz, esperando que llegue la camioneta, si la camioneta no viene lograras un bronceado por estar parado bajo la lluvia inglesa). Los violines distorsionan el sonido y el grupo entero parece volar el LSD.

What's New Mary Jane.
Trabajada durante semanas, esta obra, que parece una improvisación irrelevante parece haberle gustado mucho a Lennon. Evidentemente no le gustó a Mc.Cartney, lo que determinó que quedara (como varios temas más) fuera del "Album Blanco" ("The Beatles", 1968) probablemente el disco mas personal de "The Beatles".

Happiness Is A Warm Gun.
Uno de los temas mas "Lennon" del "Album Blanco". Estructurado en tres partes claramente diferenciadas presenta un amplio espectro de las innumerables facetas de John. "She's not a girl . . " es mas bien tranquilo - "I need a fix . . ." está bluseado - "When I feel you . . . también bluseado es claramente diferente al anterior y muy potente. Prácticamtne un resumen de la música Lennon de 1968.

Yer Blues.
También en el "Album Blanco", es lo mas parecido a una canción, pero con la voz casi perdida tras los instrumentos en la parte final. Parece tener dos partes la cantada (acerca de los sentimientos de soledad) y la instrumental: un enérgico solo de guitarra mas una versión instrumental del tema inicial (con el canto "semi sepultado").

Revolution º9.
Según John esta es la "pintura conceptual" de cómo será la revolución. En realidad no tiene instrumentos musicales y es un collage de cintas magnetofónicas (el modo como se grababa en la época analógica) pregrabadas, razón por la cual fue un gran conflicto el lograr que se incluyera en el disco. si cerramos los ojos escuchamos
y nos imaginamos que describe los sonidos tenemos un comienzo con trozos de vida cotidiana en un día tranquilo, poco a poco el ruido se hace mas complejo y aparece la disonancia,, discusiones, gritos hasta que tenemos enfrentamientos armados y barricadas encendidas. Finalmente Yoko despierta a John de un sueño y "solo fue eso". Un trozo de "musica concreta", un experiemto sónico o una payasada de Lennon, según quieras.

I Want You (She's so heavy).
El tema mas largo de "The Beatles" (sin contar "Revolution º9") estructurado en base a dos partes, cuya letra es el nombre (una "I want you" y la otra "She's so heavy"), cada una con melodías diferentes que se alternan tres veces y una larga coda en que el grupo repite "interminablemente" los cinco compases de la segunda parte, mientras un sintetizador emite un sonido blanco (como un zumbido) que surge desde un volumen mínimo y va poco a poco aumentando hasta casi opacar al grupo y un abrupto corte que marca el fin del tema y del "lado A" del vinilo.

Cold Turkey.
Tema clave de la primera etapa de Lennon solista, describe el síndrome de abstinencia de un drogadicto. Una vez mas una experiencia personal, aun hoy no es frecuente que un cantante incluya en sus discos los gritos de desesperación de su vida privada, menos de su condición de adicto a la heroína.

Gimme Some Truth.
Uno de los temas polìticos que Lennon asumió con libertad tras el fin de "The Beatles". El segundo L.P. contenía utopías políticas como "Imagine" y protestas frontales como "Gimme some truth" (Diganme la verdad). Aquí se habla directamente contra Richard Nixon (el presidente que llegó al cargo por fraude reventó Viet-Nam y financió en golpe de Pinochet) y exige "la verdad" (es como si hoy en Chile alguien cantara como Piñera sigue "encogiendo" la salud y la educación pública tras la careta del "bien público": ¿por que en vez de cerrar liceos y dar bonos para atención en clinicas privadas no invierte en mejorar el sistema público? Es sin duda lo que diría Lennon.

Scumbag.
Finalmente un tema en vivo con Frank Zappa, el "padre" de la protesta en el rock. Un trozo de la presentación en el mítico "Fillmore" con Zappa arengando a público a cantar "garabatos". Desde el aspecto musical un tema enérgico en el que Zappa luce la capacidad de improvisación de su grupo, esta vez a partir de una simplícima improvisación vocal de John.

¿Suficiente?
Este es el Lennon que yo amo.

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http://radiovalentinletelier.cl/?powerpress_pinw=3779-podcast

27 NOVIEMBRE 2010

Para terminar el mes un último L.P. que cumple 40 años: "BENEFIT" del grupo inglés "Jethro Tull".
"JETHRO TULL" es un grupo formado y evolucionado en torno a la figura del cantante y flautista Ian Anderson. Eso es tan claro que durante los primeros álbums, en cada entrega cambiaba un intagrantes hasta que al quinto él era el "único sobreviviente". Incluso después, la formación de "Jethro" cambió muchas veces, conservando solo a Anderson (y al guitarrista Martin Barre). Cuando Jethro Tull visitó Chile y tocó en la Quinta Vergara (Viña del Mar), a la conferencia de prensa se presentó solo Anderson y la explicación fue: "los demás se aburren de que nadie les pregunte nada y prefieren hacer otra cosa".

"Jethro" comenzó haciendo blues, lo que es evidente en el primer álbum ("This Was", 1968), en el segundo ("Stand Up", 1969) se orientan más hacia la raíz folclórica. En "Benefit" (1970) comienza a notarse mas la veta progresiva, que se plasmaría claramente en el siguiente ("Aqualung", 1971).
El nombre parece tener alguna relación con la inicial falta de línea clara que llevó al grupo a cambiar de nombre cada vez que se presentaba, en palabras de Andreson en la referida conferencia de prensa en Viña: "Eramos tan malos que teníamos que cambiarnos de nombre para que nos contrataran de nuevo y la vez que nos llamaron para una segunda vez nos habíamos llamado "Jethro Tull".

"Benefit" es aún un conjunto de canciones, pero con un notable nivel de elaboración y un estilo reconocible, que habla del habito de Anderson de componer con su guitarra acústica, en base a armonías galesas mas un avance en la utilización de efectos y manipulación de cintas de grabación.

Los músicos:
Ian Anderson: canto, guitarra y flauta
Martin Barre: guitarra eléctrica (en su segundo disco)
Glenn Cornick: bajo (en su último disco)
Clive Bunker: batería
John Evan: (en principio como invitado, luego como integrante estable)piano y órgano
David Palmer: arreglo orquestal (luego se integraría también de modo "relativamente" estable)

Los temas:
"With You There To Help Me" – 6:15
"Nothing To Say" – 5:10

"Alive and Well and Living In" – 2:43
"Son" – 2:48
"For Michael Collins, Jeffrey And Me" – 3:47

"To Cry You A Song" – 6:09
"A Time For Everything?" – 2:42

"Inside" – 3:38
"Play In Time" – 3:44
"Sossity; You're A Woman" – 4:31

20 NOVIEMBRE 2010

Continuando con los discos que cumplen 40 años hoy revisaremos el álbum "GENTLE GIANT" del grupo del mismo nombre.
"GENTLE GIANT" es un grupo británico formado por los hermanos Shullman (Phil, Derek y Ray)en 1970. Nacidos en una familia escocesa y formados como multi-instrumentistas por influencia de su padre, dedicado al jazz, los Shullman tienen una notable ductilidad para interpretar diversos instrumentos, desarrollada por simplemente tocar los instrumentos que estaban a la mano, sin mayor formación sistemática. Tras haber incursionado en el pop, adoptan el nombre de "Gentle Giant" asumiendo un estilo Progresivo, con notables influencias folclóricas y medievales, aprovechando su capacidad de canto a varias voces. En su primer L.P. bajo ese nombre podemos observar (y disfrutar) todo ello.

Integrantes:
Derek Shulman: canto, bajo
Phil Shulman: saxo, trompeta, canto
Ray Shulman: bajo, violin, guitarra
Gary Green: guitarra, guitarra de 12 cuerdas, flauta
Kerry Minnear: teclados, bajo, cello, syntetizador, canto
Martin Smith: batería, percusión, xilófono

Los temas:
"Giant" (D Shulman, P Shulman, R Shulman & K Minnear) – 6:22
"Funny Ways" (D Shulman, R Shulman & K Minnear) – 4:21

"Alucard" (D Shulman, P Shulman, R Shulman & K Minnear) – 6:00
"Isn't It Quiet And Cold?" (K Minnear) – 3:51

"Nothing At All" (D Shulman, R Shulman & K Minnear) – 9:08
"Why Not?" (K Minnear) – 5:31
"The Queen" (Trad Arr. D Shulman, P Shulman, R Shulman & K Minnear) – 1:40

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http://media.radiovalentinletelier.cl/20101120_largavidalrock.mp3

13 NOVIEMBRE 2010

La segunda semana de noviembre revisaremos otro álbum que cumple 40 años.
esta vez se trata de "ATOM HEART MOTHER" del grupo inglés "PINK FLOYD".

Pink Floyd no debiera necesitar presentación en un blog de rock. "Atom Heart Mother" es su quinto disco y el comienzo de una clara segunda etapa. Los dos primeros discos son la etapa "psicodélica", bajo la influencia de Syd Barrett. Luego viene "More" banda sonora de una película y "Ummagumma" un disco de transición: disco doble con un vinilo en vivo, presentando temas de los dos primeros álbums y otro en estudio con un trozo (aprox. 10 minutos) de la autoría exclusiva de cada integrantes del grupo. a esta altura ha quedado claro que Barret no está en condiciones de grabar música y Gilmour será su reemplazante definitivo. En "Atom Heart Mother" tenemos el "sonido Floyd" que conoceremos los próximos 10 años.

El "lado A" del vinilo es un experimento sonoro que incluye orquesta de bronces y coro, con elementos de música concreta (ruidos de motos y caballos que derivarán en los famosos sonidos ambientales de los discos de Pink Floyd), todo ello elaborado con la colaboración del músico y compositor Ron Geesin.
El "lado B" incluye un tema a partir de ideas de cada uno de los integrantes del grupo.

Integrantes:
David Gilmour: guitarras, canto en "Fat Old Sun"
Nick Mason: batería, efectos en "Allan's Pychedelic Breakfast"
Roger Waters: bajo, canto en "If"
Richard Wright: piano, organo Hammond, canto en "Summer '68"

Los temas.
"Atom Heart Mother" (Gilmour, Waters, Wright, Mason, Ron Geesin) 23:44
Un zumbido electrónico y sonidos de bronces que parecen inconexos y sin tonalidad clara parece venir de la distancia y poco a poco esbozan trozos melódicos hasta que, tras un minuto y medio los bronces presentan en tema central (con el grupo rock cumple el rol de respaldo), un pequeño intermedio con ruidos de escape de moto y relinchos de caballo nos llevan a revisar la melodía, luego de lo cual un violín presenta variaciones sobre el tema con el grupo rock (especialmente el teclado), trabajando el fondo. Ahora la guitarra de Gilmour toma el protagonismo en un interesante solo (con fondo de trombón). El trozo siguiente se centra en la sonoridad del coro, ahora solo con respaldo del teclado, en una melodía bella y simple. el coro parte solo femenino y armónico y poco a poco se integran voces masculinas y entra el grupo rock. En el trozo siguiente el teclado respalda un nuevo, y bien logrado, solo de guitarra, la que es luego reemplazada por el coro que comienza a trabajar sonoridades vocales cada vez mas extrañas, mientras el grupo aporta un sonido cada vez mas fuerte. Todos los instrumentos presentan una vez mas el tema inicial, dando paso a el momento mas caótico de la obra, en principio el teclado generando ruidos extraños durante un par de minutos, luego de un estruendo un silencio del que surgen los diversos instrumentos presentando trozos de melodías ya escuchadas los que poco a poco se van articulando asta reconstituir el tema central. entonces el violín nos trae de nuevo su "solo", seguido de un nuevo solo de guitarra, la que nos lleva de regreso al tema central a cargo de la totalidad de los instrumentos y el coro cerrando así la obra.

"If" (Waters) 4:31
El tema correspondiente a Roger Waters es una simple balada con un tratamiento acústico, un buen tema, pero el menos notable del disco. Comienza cantando Waters solo acompañado con una guitarra acústica, luego de un tercio de la canción ingresan suavemente guitarra eléctrica (solo) y teclados (acompañamiento), hacia el final nuevamente teclados (solo) y guitarra (acompañamiento9 hacen un nuevo interludio antes de que Waters cierre el tema.

"Summer '68" (Wright) 5:29
Un genial trabajo de integración del grupo rock con los bronces. Estructuralmente es una canción "venida a mas". Richard Wright se mostró desde el comienzo como el mas capaz de trabajar desde el punto de vista melódico (cosa que sería evidente incluso en sus discos solista). Pare cantando Wright con solo acompañamiento de piano, luego de un minuto entra el grupo y cambia en ritmo, entonces se incluyen los bronces con una especie de fanfarria. El segundo verso ya esta estructurado musicalmente muy al estilo Floyd, luego del segundo coro hacen su aparición nuevamente los bronces. La guitarra nos lleva a un momento calmo a cargo del piano, mientras Wright canta un segundo tema, mas suave, a esto le sigue una nueva fanfarria de bornces que ahgora sirve de cierra el trozo.

"Fat Old Sun" (Gilmour) 5:22
El tema de Dave Gilmour es una canción alargada con un extenso solo de guitarra que funciona como coda, generando dos partes claramente diferenciables: la canción en si misma, trabajada de modo predominantemente acústico (guitarra acústica y canto muy suave, con sutil teclado de fondo y batería casi ausente), y el solo de guitarra eléctrica que literalmente "tapa" el canto de Gilmour y se desarrolla largamente.

"Alan's Psychedelic Breakfast" (Gilmour, Waters, Wright, Mason) 13:00
La parte mas experimental del disco, surgida inicialmente como parte de "un dia" en la vida de "Allan", terminó siendo simplemente su "desayuno". Estructurada como tres trozos musicales diferentes ligados por los sonidos producidos por Allan al entrar a la cocina a prepararse el desayuno, tomárselo y lavar los platos, esta pequeña obra comienza con una gotera de llave de agua a la que sigue el ruido de la puerta y las pisadas de Allan al entrar en la cocina y sus comentarios "para si mismo" a medida que busca los elementos de su desayuno y enciende los fósforos para prender el gas, este sonido se repite dando el ritmo del primer tema: un solo de piano bellamente trabajado por Wright, sobre el que juegan la guitarra y el órgano.
a los tres minutos esto da, nuevamente, paso a Allan quien continúa su desayuno, esta vez toma un vaso de leche, come un poco de cereal con comentarios acerca de lo que hace, esto deja paso a dos guitarras acústicas sobre las que a poco de suma una eléctrica. Cuando esto termina Allan esta friendo huevos y sigue hablando para si mismo, las crepitaciones del huevo en el aceite dan paso a un tema muy bien trabajado en piano con todo el grupo en un desarrollo que lo lleva a un grato climax. Cuando el piano da por terminado el tema Allan esta terminando de lavar los platos, cierra la llave, cierra las puertas de los muebles y sale cerrando la puerta de la cocina, entonces oímos de nuevo la llave que gotea (en el vinilo la gota está grabada en el surco final de modo que la gota puede escucharse eternamente si uno no retira la aguja del disco).

Si bien tanto Waters como Gilmour han comentado negativamente este disco los últimos diez años, la critica especializada (y los fans) valoran mas este album que la producción de ambos y de Pink Floyd mismo en los últimos 30.

Escuchar este programa:
http://media.radiovalentinletelier.cl/20101113_largavidalrock.mp3

6 NOVIEMBRE 2010

Este mes, a pedido de algunos auditores, volveremos a revisar discos que cumplen 40 años. La verdad es que hay muchos discos geniales de 1970.
El grupo británico "KING CRIMSON" publicó dos discos en 1970! y ambos aparecen en la lista de los mejores de ese año. Revisaremos el menos conocido de ellos, "IN THE WAKE OF POSEIDON".

"KING CRIMSON" había publicado su primer disco el año anterior siendo considerado por diversos críticos el mejor disco de 1969, condición que aún mantiene. Con este disco, la agrupación, creada y dirigida por Robert Fripp, se convirtió en el grupo mas importante del rock británico y, según muchos en el representante por excelencia del rock progresivo.

"In The Wake Of Poseidon", su segundo L.P., implica una transición, dado que, por un lado (cara A) continúa la ruta del anterior y por otro (cara B) explora nuevas sonoridades. La transición también esta marcada por el cambio de integrantes y el hecho de que Fripp asume prácticamente la totalidad de la autoría de los temas (con letras aún de Pete Sinfield). El cambio más evidente es el generado al abandonar el grupo el cantante Greg Lake, quien se asocia con Keith Emerson y Carl Palmer para formar el gran grupo que fué "Emerson, Lake & Palmer".

Integrantes:
Robert Fripp: guitarras, mellotron
Greg Lake: canto
Michael Giles: batería
Peter Giles: bajo
Keith Tippett: piano
Mel Collins: saxo, flauta
Gordon Haskell: canto en 'Cadence And Cascade'
Peter Sinfield: letras

Los temas:
Peace - A Beginning (0:49)
"Peace" es una canción dividida en tres partes, presentada al comienzo, al medio y al fin del disco. En la breve primera parte "A Beginning" Greg Lake canta "a capella" la melodía comenzando desde un volumen mínimo hasta ser claramente audible. entonces irrumpe el tema siguiente lleno de disonancias y estridencias.
Pictures Of A City(including 42nd At Treadmill) (8:03)
Un tema trabajado en el tono de "21 Century Schizoid Man", que abre el disco anterior, para trabajar la idea de que el "lado A" de ese disco sea formalmente una copia del ese L.P.
Cadence And Cascade (4:27)
continuando con el estilo del disco previo, este tema esta tabajado como "I Talk To The wind", incluido el uso de la flauta, aunque sin la belleza lograda entonces, además de que la voz de Haskel no es la de Lake.
In The Wake Of Poseidon (incl. Libra's Theme) (7:56)
El tema central, llega igual que "In The Court Of The Crimson King" y tiene mla misma grandiosidad lograda a partir del trabajo con el mellotron (teclado que "imita" a la orquesta) Igual que entonces la voz de Lake es genial, y se alcanza un climax muy especial.

Peace - A Theme (1:15)
El "lado B" del vinilo se inicia con la segunda parte del tema dividido, esta vez con una guitarra acústica como acompañamiento.
Cat Food (4:54)
Un tema duro, tanto en lo musical como en la letra nos avisa que toda similitud con el disco anterior no se traslada al "lado B", la queja de como el sistema social nos da "comida de gato" (y como hay gente que se la come) habla de las inquietudes políticas del grupo.
The Devil's Triangle (11:39)
Uno de los temas mas experimentales de King Crimson, con fuerte influencia de "Marte" de la "Suite Los Planetas" del compositor inglés Gustav Holst. Fripp crea una notable atmósfera de disonancia y conflicto en el trozo mas largo del disco. Comenzando, una vez mas, desde un volumen mínimo el sonido del grupo llega a ser estridente. El aporte del melotron es básico para la "sensación" emocional que este trozo comunica. Hacia el final, luego de un silencio y un regreso mas atronador que el que dejó, se incluye incluso coros de "In the court of the Crimson King", para agregar sensación de caos.
- a. Merday Morn
- b. Hand Of Sceiron
- c. Garden Of Worm
Peace - An End (1:53)
Finalmente el cierre del "tema recurrente" una vez mas con la calma que contrasta con el tema anterior y permite aportar la sensación de cierre y estructura circular.

Escuchar este programa:
http://media.radiovalentinletelier.cl/20101106_largavidalrock.mp3

30 OCTUBRE 2010

Terminando el mes de octubre, revisaremos al mas importante grupo polaco de la actualidad: "RIVERSIDE". Con esto completamos una visión panorámica del rock polaco de las últimas décadas. Surgido por influencia del grupo británico "Marillion" (principal gestor del "neo prog", "Riverside" se ha constituído en el principal grupo polaco de rock progresivo.
El primer disco de "Riverside" fue "OUT OF MYSELF", publicado en 2003.

Integrantes:
Piotr Grudzinski: guitarra
Mariusz Duda: canto, bajo y guitarra
Piotr Kozieradzki: batería
Jacek Melnicki: teclados


Los temas:
The Same River (12:01)
Out Of Myself (3:43)
I Believe (4:14)
Reality Dream (6:15)
Loose Heart (4:50)
Reality II (4:45)
In Two Minds (4:38)
The Curtain Falls (7:59)
OK (4:46)

Escuchar este programa:
http://media.radiovalentinletelier.cl/20101030_largavidalrock.mp3

23 OCTUBRE 2010

El siguiente grupo polaco a revisar este mes es "MILLENIUM", quinteto que tiene claras influencias de "Collage", grupo clave en la historia del rock polaco revisado a comienzos de este mes. Formado en 1999 (a las puertas de milenio)por el tecladista Ryszaro Kramarsky y sus primos, el estilo de "Millenium" es de grabar discos muy bien producidos y con un claro sentido de unidad.

En su larga trayectoria han publicado siete discos, de los cuales "VOCANDA" (2000) es el segundo. Se trata de un disco conceptual, que cuenta la historia de Daniel, uno de los hermanos Sunders (los otros dos son descritos en "Interdeath" de 2005 y "Numbers" de 2006). Joven abogado exitoso en lo económico, quien sufre un accidente automovilístico y estando en el hospital tiene "visiones" de su juicio y potencial condenación espiritual por su sobrevaloración del dinero y su poca valoración de las personas. Finalmente se "salva" por su capacidad de argumentar y "regresa a la vida". En lo interpretativo, a pesar de estar mas cercano a Waters en "The Wall" que a Gabriel en "Supper's Ready" o "Get 'em out buy friday", escuchar "Vocanda" resulta interesante y grato.

Integrantes:
Lukazs Galeziowski: canto
Piota Pionka: guitarras
Piota Mazurkiewicz: bajo
Tomasz Pasko: batería
Ryszaro Kramarsky: teclados

los temas:
1. Back to myself Part II (0:58)
La introducción del disco incluye los sonidos del Daniel subiendo al auto y haciéndolo partir. Una breve y suave introducción que será el punto al que regresará el disco al final.
It could have Happens to you (3:10)
Una especie de fanfarria en teclados nos lleva a la presentación de Daniel, en una mezcla de efectos de sonido, solos e guitarra y mas fanfarrias de teclados.
I am (5:46)
Con textos centrados en la auto descripción de Daniel como un hombre exitoso, musicalmente, una secuencia de solos de guitarra y trozos de teclado mas bien creados de atmósferas, completan este bien lo grado tema.

Visit in Hell (5:04)
La visita al infierno parte con una larga introducción con una bella melodía en saxo que da paso a un trozo mas duro mientras el texto habla de la "bienvenida" al infierno. El saxo reaparece en el intermedio instrumental y el cierre, una larga coda,,está a cago de la guitarra eléctrica.
Waltz Vocanda (5:30)
Este trozo se desarrolla alternando entre dos temas: el vals del "oráculo", cantado teatralmente por Lukazs Galeziowski, otro tema cantado mas duro y solos de guitarra y teclados.
For The Price Of Her Sad Days (6:42)
El piano introduce la atmósfera necesaria para la descripción de las veces que Daniel hizo primar su interés monetario sobre el bienestar de los demás. Tanto la estructura general, como el uso del coro femenino recuerdan trozos de "The Final Cut" de Pink Floyd y/o "The Pros and Cons of Hitch Hiking" de Roger Waters..
Lady Cash Cash (4:26)
Un alegato en torno al gusto de Daniel por el "efectivo" con ruidos de monedas y un saxo muy bien trabajado son el eje central de este trozo que describe la gran devilidad del protagonista.
I Would Like To Say Something (4:19)
Una larga introducción de teclados, prepara el alegato de defensa que Daniel hace de si mismo.
The Purgatory Stop (3:37)
Sin interrupción se cambia de ritmo (fuertemente marcado por el tambor)y nos encontramos en el purgatorio, el teclado y la guitarra hacen un buen trabajo instrumental.
The Circles Of Life (7:04)
una tranquila introducción de sintetizador deja paso al piano y a una voz femenina que ceden a su vez frente al canto en que Daniel reflecciona respecto de la vida y sus vicisitudes. El grupo entra solo tras tres minutos y pronto cambia el ritmo y pasamos a la parte instrumental que se extiende por tres minutos mas, finalmente la instrumentación y el canto regresan al comienzo para cerrar este trozo.
Back To Myself part I (6:44)
Finalmente regresamos al tema inicial, mientas Daniel regresa a su "vida" normal. Una larga introducción de teclado nos lleva la reflexión final respecto de la vida y en definitiva, tras otro buen solo de saxo, al tema del comienzo del disco, cerrando así el círculo y completando la sensación de unidad de la obra.

16 OCTUBRE 2010

Continuado con la Revisión de grupos polacos, hoy es el turno de "QUIDAM", banda que ha publicado seis discos entre 1995 y 2007. Este grupo se forma al integrarse una cantante y un tecladista al trio formado por Maciek Meller, Radek Scholl y Rafał Jermakow.

En 1998 publican su segundo disco "ANGEL'S DREAM", con canto en versiones en polaco e ingles.

Integrantes:
Emila Derkowska:canto,cello
Zbyszek Florek: piano, teclados
Maciej Meller: guitarras
Jacek Zasada: flauta
Radek Scholl: bajo
Rafał Jermakow: batería

Los temas:
"Awakening" – 1:42
Un coro de pájaros da paso a una introducción de flauta(con teclados de fondo), creando un ambiente bucólico.
"Angels Of Mine" – 4:21
Ahora la flauta es acompañada por guitarra bajo y batería y Emila Derkowska canta una melodía alegre simple y rápida.
la flauta se hece cargo del solo y del cierre.
"An Apple Dream" – 5:17
Ahora es el teclado el que hace la introduccion dando paso a la guitarra y luego a la voz, que es la encargada del ambiente grato de esta canción.

"Cheerful" – 6:59
La flauta hace la introducción a un de los temas mas elaborados del disco. Emila canta menos de dos minutos y la guitarra la acompaña en una sección que son mas bien juegos vocales, a esto sigue un tema a cargo de los instrumentos (buena combinación de guitarra y teclado, con uego de la flauta). Entonces la voz presenta un nuevo y breve tema, entregando la coda a la guitara y la flauta.
"Little Bird With No Legs" – 4:06
Breve canción centrada n el canto con el contínuo respaldo de la flauta y el piano. Es notable la sueva transición del comienzo acústico hasta el solo de guitarra elécrica de la parte media.
"One Small Tear" – 4:56
Canción que comienza solo con canto y guitarra acústica y va evolucionando hasta ingresar al grupo completo, incluyendo un cambio de ritmo a cargo del bajo y la batería y terminar con un notable solo de guitarra eléctrica.

"Behind My Eyes" – 13:57
El tema ªepicoª del disco se abre, como era de esperar con una larga inroducción de teclado al que se suma bajo y batería jugando con los tiempos. El canto es suave y se presenta intercalado por solos de guitarra. Hacia la parte intermedia, el teclado cambia el ritmo y el tono, de modo que, al regresar el canto, tenemos un nuevo tema, que la guitara acompaña de modo genial. Un nuevo trozo insrumental con juego de flauta y guitarra nos lleva al trozo final, con un nuevo tema cantado al que sigue un cierre en que flauta, guitarra y piano se turnan.
"Awakening (Dawn Of Hope)" – 4:07
El piano hace la introducción de esta suave canción y acompaña a la voz casi solo, con la excepción de breves y esporádicas inserciones de flauta.
"There Is Such A Lonesome House" – 5:31
Ahora es la flauta quien hace la introducción de esta canción que el grupo acompaña suavemente, tanto que a ratos pareciera que Emila canta a capella. La guitarra eléctrica hace el adecuado cierre del tema y del disco.

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9 OCTUBRE 2010

El segundo grupo polaco que revisaremos este mes es "ALBION", banda fundada en 1992 por Jerzy Antczak (guitarrista) y Krzysztof Malec (tecladista), que se caracteriza por tener una voz femenina. Con cuatro discos entre 1994 y 2007, "Albion", cultiva un sonido muy "neoprog", en la línea "Marillion".


En 1995, publican su segundo disco "ALBION".
Integrantes:
Ania Batko: canto
Jerzy Antczak: guitarras
Paweł Konieczny: bajo
Grzegorz Olszowski. batería
Krzysztof Malec. teclados

Los Temas:
Scarecrow (5:27)
Una alegre guitarra y un canto cálido dan comienzo a este disco, en una canción que poco a poco se pone progresiva, especialmente al momento del solo de guitarras, con un fuerte aire a los temas de Fish.

Survival games (5:07)
Un teclado enérgico da comienzo a un tema con diversas atmósferas. Ahora si tenemos un trozo musical con varios temas y un elaborado trabajo de guitarra y teclado los que no solo se combinan sino que aparecen en un par de solos.

Burning (4:06)
Una larga introducción de teclado genera la atmósfera imprescindible de todo disco progresivo. La voz de Ania Batko suena diferente que en los trozo anteriores y el cambio de ritmo para el solo instrumental aportan una sensacion interesante.

Mad look in my eyes (5:27)
Una plácida introducción en guitarra da paso a un acnto suave que poco a poco toma fuerza, sin acelerar el ritmo. Un notable solo de guitarra marca la zona media del trozo luego del cual aparece un segundo tema (istrumental) y entonces otro cantado mas rápido.

You (3:26)
Un suave teclado que parce venir desde la distacia introduce esta breve canción, de la que el 40% es el interludio instrumental.

Sarajevo (7:46)
Uno de los temas mas lagos y elaborados tiene una hermosa melodía de guitarra. los cambios de ritmo y el trabajo del bajo y batería generan una atmósfera grata en este trozo del cual el 40% es una larga coda.

Shadow (3:40)
Una suave guitarra hace la introducción y, en realidad, la base sobre la cuál se edifica esta breve y cálida canción.

Jeszcze śmierć chowam w kieszeń (7:11)
Un notable trabajo de progresi´pn de suave a intenso y de regreso es la caracterçísica de este tema cantado el polaco.

Golgotha (8:41)
El disco se cierra con voz masculina, en un proceso en que lo básico parecen ser los golpes de batería, respaldados al final por el bajo y luego todo el grupo. El tercio inicial es suave, la parte intermedia es mas intensa, con voz femenina y el final muy fierte con todo el grupo.

En resumen un grato disco que presenta un amplio espectro musical que se pasea entre el formato canción y temas mas elaborados.

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2 OCTUBRE 2010

Este mes lo dedicaremos al rock polaco.
Luego de la caida del muro, pudimos descubrir que detrás de el había toda una variedad de rockeros. Polonia es una mina especialmente rica en creatividad musical. Entre los grupos mas importantes de los 90s, "COLLAGE" es uno de los grandes hitos, a pesar de su corta existencia, (discografía desde 1990 a 1995), muchos grupos polacos se inspiraron posteriormente en ellos. Como buenos progresivos, integran el uso masivo del teclado con las composiciones con tiempos compuestos

Esta vez revisaremos su cuarto álbum, "SAFE", publicado en 1995.
Integrantes:
- Robert Amirian: canto, guitarra
- Mirek Gil: guitarra
- Krzysztof Palczewski: teclados
- Wojtek Szadkowski: batería
- Piotr Mintay Witkowski: bajo

Temas:
The Winter Song (2:28)
Una introducción en teclado, primero sintetizador, luego piano y finalmente ambos juntos, abre este notable disco
This Time (6:15)
Entra el resto del grupo (guitarra, bajo y batería) y presenta un interesante tema. El canto entra al minuto y medio con el teclado "mandando" prácticamente todo el tema, salvo un pequeño trozo de guitarra pasados los cinco minutos y medio.

Cages Of The Mind II (6:09)
El canto y la guitarra acústica marcan el comienzo de este trozo, pero rápidamente el resto del grupo se suma a la interpretación del tema que parece el favorito del grupo (lo interpretan tres veces). Resulta especialmente interesante el trabajo de la guitarra en el solo del trozo central. Finalmente, el teclado hace una larga coda.
Stranded (6:29)
Robert Amiriam, parte casi "a capella", este trozo, que podría ser casi una balada, si no fuera porque el extenso solo de guitarra de la sección intermedia (y del fimnal), le da un aire de complejidad notable.
Eight Kisses (10:07)
El tema mas largo del disco se abre con suavidad, teclado y voz, pero pronto el grupo le da una sonoridad inconfundiblemente progresiva. Los teclados trabajan como orquesta, mientras la guitarra interpreta una melodía notable. Nuevamente una larga coda, a cargo de la guitarra, cierra el tema.

The Chanting (8:07)
Una breve introducción de teclado da paso a un tema suave y alegre cantado cálidamente. Un par de interludios, centrado en el teclado el primero y en la guitarra el segundo, dan "cuerpo" al tema.
Made Again (6:30)
Una larga introducción de piano nos lleva a una melodía cantada agradablemente. el teclado marca la parte intermedia y la guitarra respalda al canto en la sección final.
Cages Of The Mind III (6:14)
Esta versión, centrada en el teclado, resulta mas suave que la anterior.

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25 SEPTIEMBRE 2010

Se nos acaba el mes (y nos quedan muchos discos que cumplen 40 años), pero POR AHORA, terminaremos este tramo con "H TO HE. WHO AM THE ONLY ONE" del grupo británico "Van Der Graaf Generator", publicado en diciembre 1970.

"VAN DER GRAAF GENERATOR" es una banda extraña, formada en la ciudad de Manchester, Inglaterra y liderada por Peter Hammill. Su sonoridad esta centrada en los teclados y los vientos, prácticamente sin guitarras (ni bajo), la evolucíón del grupo, y las preferencias sonoras de Hammill, hacen que al quedar sin saxo (en 1976) se incluya un violín y se persista en la ausencia de guitarra. Con todo esto ya pueden imaginar la experiencia sonora lograda. Para continuar con aluciones científicas: "H to He" serefiere a la transformación del "hidrógeno" (H) en "elio" (He)

El nombre puede hacer pensar en una banda holandesa, pero es solo un juego dado que el "generador" diseñado por Robert Van Deer Graaf es un acumulador de muy altos niveles de voltaje electrostático y a Hammill parece haberle gustado el sonido del nombre, aunque el sonido a ratos parece lo que en una película de ciencia ficción sesentera podría asumirse como lo esperable.

"H to He" es el segundo dosco publicado en 1970

Integrantes:
Peter Hammill: canto, guitarra acustica
Hugh Banton: organo Hammond y Farfisa, piano; bajo en "House" y "Pioneers"
Guy Evans: batería y percusión
David Jackson: saxos alto, tenor y baritono, flauta
Nic Potter: bajo en "Killer", "Emperor" y "Lost" (después de grabados estos temas Potter abandona la banda y Banton se hace cargo del bajo).

Los Temas:

"Killer" (Peter Hammill, Chris Judge Smith, Hugh Banton) – 8:24


"House With No Door" (Peter Hammill, David Jackson) – 6:37
Hammill - piano

"The Emperor In His War Room" – 8:15, including:
"The Emperor"
"The Room"
Robert Fripp – guitar

"Lost" – 11:17, including:
"The Dance in Sand and Sea"
"The Dance in the Frost"


"Pioneers Over c." (Peter Hammill, David Jackson) – 12:42


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18 SEPTIEMBRE 2010

Otro disco que cumple 40 años es "EMERSON, LAKE & PALMER", primer disco del grupo
homónimo, publicado en noviembre de 1970.

El virtuoso tecladista Keith Emerson conoció a Greg Lake cuando "The Nice", su grupo, compartió escenario con "King Crimson" (del que Lake era cantante) en 1969. Entonces conversaron de lo complementarios que parecían sus modos de trabajo e idearon un formato de grupo con tecladista+bajista+baterista. Al comienzo pensaron en Mitch Mitchell, baterista que tocaba con Jimi Hendrix, pero al no prosperar las conversaciones contactaron a Carl Palmer que estaba con "Atomic Rooster" luego de haber trabajado con "Arthur Brown". Se forma así "ELP". (Hubo conversaciones para formar "HELP", pero por esa época Hendrix fallece, si no , quien sabe que habríamos podido escuchar).

En esas condiciones el grupo graba su primer vinilo: "Emerson, Lake & Palmer", estructurado como una colección de temas, variados: dos versiones rock de música docta, dos temas de rock experimental y dos baladas, todas teñidas del virtuosismo de sus interpretes, incluyendo las variaciones de tiempo que serían características del rock progresivo.

Integrantes:
Keith Emerson: organo, sintetizador, piano, clavecin, organo Hammond, Moog.
Greg Lake: canto, guitarra acoustica y electrica, bajo.
Carl Palmer: batería.


Los temas:
"The Barbarian" (Béla Bartók, arr. Emerson, Lake & Palmer) – 4:27
El "Allegro Barbaro" es una obra para piano escrita por Bela Bartok en 1911: Emerson que había trabajado años anteriores haciendo versiones rock de música docta con "The Nice", "trae" este tema al Grupo y resulta genialmente respaldado por Palmer. El trozo tiene dos partes claramente diferenciadas, las que son presentadas en forma "a-b-a" de modo que el tema mas intenso abre y cierra la primera pista del disco. El resultado es un trozo lleno de energía y una genial presentacion de este gran grupo.

"Take a Pebble" (Lake) – 12:32
"Tomo un guijarro", es una balada folk, escrita por Lake, magistralmente convertida en casi un épico por Emerson; aqui se hace evidente la complementareidad que ellos habían notado. Emerson se luce desde el comienzo, cuando pulsa directamente las cuerdas del piano, como si fuera un arpa, en lugar de presionar las teclas (vale la pena verlo en "youtube"). A continuación pasa a deleitarnos con su limpia y veloz digitación en las teclas. Lake canta con su cálida voz y el tema se desarrolla, hasta la parte media en la que Lake se hace cargo de la guitarra acústica, con un lindo trabajo, en que uno "oye" el sonido del agua. Finalmente retorma el piano y se cierra el tema, despues de mas de 12 minutos de disfrute de ellos y nosotros.

"Knife-Edge" (Leoš Janáček & J. S. Bach, arr. Emerson, lyrics by Lake & Fraser) – 5:04
"El Filo del Cuchillo" es otra versión rock de música docta, esta vez es el turno de la "Synphonieta" de Janacek, a la que ademas de interpretar anérgicamente, el grupo le pone letra. Una vez mas escuchamnos la integración del grupo en una interpretación genial. Las partes cantadas y las instrumentales se coordinan habilmente.

"The Three Fates" (Emerson) – 7:46
"Clotho" Royal Festival Hall Organ
"Lachesis" Piano Solo
"Atropos" Piano Trio
"Las tres Parcas" son, en la mitología griega, las encargadas de "trenzar", "tejer" y "cortar" el hilo de la vida. Estructurada como una obra solo de teclado, cada parte es un tema diferente.
"Cloto" la primera de las parcas, es interpretada en un organo de tubos, dandole una sonoridad eclecial, con algo de Bach.
"Lachesis", la segunda parca, es un solo de piano, ingenioso y bello.
"Atropos" es un trio de piano, con batería de Palmer, lleno de energía y disonancias que se desallolla hasta que todo concluye en una detonación.

"Tank" (Emerson & Palmer) – 6:49
Ligado con el tema anterior, luego del estruendo con que termina "The three Fates" una batería y un bajo dan paso a un dinámico tema en teclados, el que luego de un par de minutos deja paso a uno de los mejores solos de batería del rock (Palmer estaba considerado en el "top 3" en su instrumento), el que luego de un par de minutos llega a un alto nivel de distorsión, tras la cual Emerson presenta un nuevo tema, mientras juega con la sonoridad del sintetizador Moog.

"Lucky Man" (Lake) – 4:36
La anecdota, aparecida en la páguina web del grupo, dice que al terminar de grabar el disco, el grupo notó que sobraba tiempo. Al buscar con que "rellenar" el espacio, Lake presenta una balada escrita en su adolescencia acerca de un hombre que a pesar de "tenerlo todo" muere igual que todos los demás (algunas fuentes dicen que a Emerson no le gustó la canción), pero finalmente acepta escribir un cierre en Moog, trabajando en la idea de la complementación (y el equilibrio).
"Lucky Man" se convierte en la carta de presentación de ELP, porque sus características le permiten ser escuchado en las radios comerciales, sin dejar de sonar progresivo, de hecho fue considerado entre los 100 mejores temas radiales de 1907. De alguna manera establece también la tradición de que los discos de ELP terminan con una cancioncita liviana, como un chiste.

Para mi, este disco permanece como uno de mis favoritos y está lleno de recuerdos de adolescencia y universidad.

11 SEPTIEMBRE 2010

Continuando con "Discos que cumplen 40 años" hoy revisaremos "CHUNGA'S REVENGE" de "Frank Zappa", publicado el 23 de Octubre de 1970.

FRANK ZAPPA, guitarrista de excepción, habia estado trabajando varios años con la siempre cambiante banda "The Mothers of Invention", hasta que decidió editar un disco solo con su nombre. (Un año antes, "Hot Rats, otro clasico, habia aparecido solo con su nombre, pero luego había vuelto a intentar formar "The Mothers").

Acá podemos encontrar algo de la antigua tradición de hacer sátira de las "cancioncitas" pop, (de las que Zappa se burla, tanto en lo musical y los areglos vocales como en las temáticas), como de los solos de guitarra que lo llevarán a formar parte de los "Top 5" de la revista "Rolling Stone" a comienzos de los 70s (junto a Page y Clapton) y sus búsquedas en el sonido de la fusión.

En "Chunga's Revenge" lo acompañan Ian Underwood, famoso multi instrumentista, Ansley Dumbar, George Duke y Jeff Simons, provienen de "The Turtles", Howard Kaylan y Mark Volman son "Flo & Eddie" (aunque en "Chunga's" aparecen como "The Phlorescent Leech"



Frank Zappa: guitarras, clavecin, bateria, canto
Ian Underwood: organo, guitarra, piano, saxo
Don "Sugarcane" Harris: violín electrico, organo
George Duke: organo, trombon, piano electrico
Max Bennett: bajo
Aynsley Dunbar: batería
John Guerin: batería (en Twenty Small Cigars)
Howard Kaylan y Mark Volman: canto
Jeff Simmons: bajo y canto


"Transylvania Boogie" – 5:01
Un genial solo de guitarra, en que Zappa demuestra que se puede ser un gran guitarrista sin tener que tocar notas agudas y rápidas; es a la vez virtuoso y respetuoso de la musicalidad, Zappa nunca descuidará el aspecto melódico en sus solos y jamas lo sacrifircará por aparecer como un digitador rápido (cosa que igual es)
"Road Ladies" – 4:10
Un blue acerca de las "mujeres de la calle", con la guitarra de Zappa jugando en medio de las vocalizaciones y un muy biuen solo.

"Twenty Small Cigars" – 2:17
Un breve tema jazzeado, con una batería muy cool y la melodía a cargo del clavecín y a veces la guitarra
"The Nancy and Mary Music" – 9:27
Una combinación de geniales solos de guitarra, con partes de percusión y un fantástico juego vocal, en el trozo mas experimental del disco.

"Tell Me You Love Me" – 2:33
Una parodia de cancion pop de amor, aunque el canto no es mas bien duro.
"Would You Go All the Way?" – 2:29
Otra parodia esta vez de los avances fisicos de una relacion de pareja (el tipo le pregunta: "¿Llegarás hasta el final?".

"Chunga's Revenge" – 6:15
Uno de los solos de guitarra mas clásicos de Zappa, los sonidos con armonías orientales lo lleva a inventar una historia que sirve de decorado de la carátula interior del disco en el que "una aspiradora-mutante-industrial-gitana se ondula eróticamente en el aire cálido de la noche". El dibujo incluye a la aspiradora el carromato gitano y una hilera de castañuelas que son aspiradas por la manguera. Imaginarse la situación mientras uno cierra los ojos y simplemente escucha resulta divertido.
"The Clap" – 1:23
Zappa haciendo un (varios) solo de percusión consigo mismo. Toda una experiencia.
"Rudy Wants to Buy Yez a Drink" – 2:44
Regresa el tono de parodia, mas fuerte que nunca (a cargo del canto de "The Phlorescent Leech")
"Sharleena" – 4:04
Un tema que parece gustar mucho a Zappa (de hecho hay una "reversión" en "Us and Them". Más sátira "Estoy llorando por Sharleena . . . ¿donde se ha ido?", pero la guitarra (el piano y el saxo tambien) suena muy bien.

En resumen un placer y una diversión combinados (dificilmente separables)
P.D.: Yo llevo 40 años disfrutándolo; este fue mi primer disco de Zappa.

EScuchar este programa:
http://radiovalentinletelier.cl/?powerpress_pinw=2969-podcast

4 SEPTIEMBRE 2010

Asumido que "pasamos Agosto", ocuparemos el mes de Septiembre en revisar grandes discos que cumplen 40 años.
Comenzaremos por "TRESPASS" del grupo inglés "Genesis".

Genesis comienza como un experimento entre Peter Gabriel y sus amigos Mike Rutherford y Tony Banks. El primer disco fue un timido ensayo, con 14 temas breves, con muestras de capacidad elaborativa e interpretativa.
El segundo es "Trespass" (publicado el 23 de octubre de 1970) en el que ya vemos el brote del rock progresivo, temas mas largos y elaborados ye instrumentacion mas compleja. Esto último, al convertirse en uno de los objetivos del grupo, lleva al cambio de baterista (y tambien de guitarrista) luego de publicar este disco. El "lado A" del vinilo es mas bucólico, con mucho de influencia folclórica y el "B" mas enérgico, con mas guitarra y temas mas duros.

Integrantes:
Peter Gabriel: canto, flauta, oboe, accordion.
Anthony Phillips: guitarras acusticas y eléctricas
Mike Rutherford: bajo, cello
Tony Banks: organo, piano, mellotron
John Mayhew: batería

Temas:

"Looking for Someone" – 7:06
Peter Gabriel comienza "a capella", pero inmediatamente después entra el teclado de Banks y pronto el resto del grupo. nos encontramos con un tema plácido que poco a poco va tomando fuerza. Al llegar a los 3 minutos ya tenemos a teclados y guitarra interpretando con potencia, pero es brevemente, antes de volver a la placidez inicial, tras la cual Gabriel presenta un nuevo tema el que es desarrollado, primero por Banks, luego por Phillips y finalmente por la flauta de Gabriel, llevandolo a un gran acorde final.

"White Mountain" – 6:45
Un trozo marcado desde el comienzo por la guitarra de Anthony Phillips. el teclado y la flauta hacen su aparición por momentos, mientras el tema toma velocidad. Una larga coda, hace de esta canción un tema mas elaborado.

"Visions of Angels" – 6:51
Una introducción de piano nos lleva al canto de Gabriel, quien desarrolla el tema hasta el estribillo mas "pegajoso" del disco. La parte media del trozo incluye un interludio instrumental y un buen solo de piano. una vez mas una larga coda cierra el tema (y el lado "A" del vinilo).

"Stagnation" – 8:50
Otro tema centrado en la guitarra acústica de Phillips. Buenos solos (no solo de guitarra, sino tambien de teclados) y una progresión sonora hace de este un tema complejo y grato. La segunda mitad presente un tema nuevo mas energico que el primero, convirtiendo este trozo en una buena pieza de progresivo emergente.

"Dusk" – 4:13
Una canción con mucho de folk, al punto que casi no hay aporte de teclado y parece que ellos la quieren así (por la brevedad)

"The Knife" – 8:56
El plato de fondo presenta al primer clásico de "Genesis". Una introducción energica con todo el grupo tocando fuerte y bien, la letra de Gabriel es claramente política, acerca de los líderes que nos piden la vida a cambio de la libertad, para luego oprimirnos y volver a pedirnos la vida para "mantener" la libertad. (LOs que sobrevivimos a los 70 sabemos de qué se trata y cualquiera que haya visto tele en los 2000 tambien). El solo de flauta de Peter Gabriel es muy evocador, el de guitarra de Phillips atrapante. El tema en general esta tan bien logrado que transmite las sensaciones que propone la letra. "Algunos de ustedes moriran, martires por supuesto de la libertad que yo les traiga".


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28 AGOSTO 2010

Terminando el mes de revisión de discos relacionados a la literatura universal, hoy revisaremos el álbum "ANIMALS" del grupo británico "Pink Floyd".

"PINK FLOYD" había recorrido una larga trayectoria cuando publicó, en 1977, el disco "Animals".

Si tuvieramos que definir el estilo de Pink Floyd nos veríamos en problemas y surgiría la inevitable pregunta: "¿en qué época?". En sus comienzos, liderado por Syd Barrett, el grupo era claramente "psicodélico", como queda de manifiesto en el primer disco de "The Pink Floyd" (como se llamó en principio, en la época que los grupos se llamaban "The . . "); este disco fue "The Piper at the Gates of Dawn". Luego, ante la salida de Barrett y su reemplazo por Gilmour, el grupo incurciona en el rock sinfónico y luego progresivo lo que lo lleva a desechar el "The" del nombre, pasando a ser simplemente "Pink Floyd", como se puso de moda por entonces. el proceso lleva a Pink Floyd a experiemtnar con temas largos, orquestas sinfónicas y álbums conceptuales, generandose "The Dark Side Of The Moon", disco clave en la historia del rock, al balancearse inteligentemente entre el progresivo mas experimental y el rock mas "mainstream". ninguno de los integantes eel grupo aparece en las listas de "top 10" en sus respectivos instrumentos, (lo que contrasta con grupos como "Yes" , "ELP" o "King Crimson") pero el trabajo grupal es integrado y creativo.

la experiencia con temas largos, grandes solos y albums conceptuiales hace que la utilización de "Revelión en la Granja" de George Orwell, resulte exitosa.
Laclasificacion de las personas en Ovejas, Cerdos y Perros, sirve de inspiración a un album de gran nivel.


Integrantes:
David Gilmour: guitarra, bajo, voz,
talk box, sintetizadores. (Voz principal en la primera mitad de "Dogs")
Nick Mason: batería, percusión
Roger Waters: bajo, canto, guitarra acústica
Richard Wright: órgano Hammond, piano eléctrico Wurlitzer
piano eléctrico Fender Rhodes, Clavinet Hohner, gran piano Yamaha,
sintetizador ARP, Minimoog, coros.

Los temas:
Pigs on the Wing 1. Waters 1:25
Dogs. Gilmour, Waters 17:03

Pigs (Three Different Ones). Waters 11:25
Sheep. Waters 10:25
Pigs on the Wing 2. Waters 1:23

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21 AGOSTO 2010

Continuando con lo planeado en las semanas anteriores, el tercer disco relacionado con literatura universal será "Music inspired by THE SNOW GOOSE", del grupo británico, "Camel".

"CAMEL" es un grupo formado en 1971, a partir de un grupo anterior liderado por el guitarrista y cantante Andy Latimer, al sumarse el tecladista Peter Bardens.

Como muchos grupos progresivos de la época, "Camel" utilizó reiteradamente elementos de literatura. En el segundo álbum, ("Mirage", 1974) incluyen un tema basado en J.R.R.Tolkien: "The White Rider", aludiendo a Gandalf. El próximo disco eligen dedicarlo integramente a una obra literaria.

"Snow Gooce" es el tercer álbum del grupo y fué publicado en 1975. La inspiración en el libro ha sido discutida, dado que es un disco integreamente instrumental. Sin embargo, los temas tienen nombree que aluden directamente a los personajes y situaciones de la novela de Paul Gallico, aunque el propio autor hizo todo lo posible (incluso legalmente) para impedir la asociación (de allí que el disco se llame "Música inspirada por . . .").

La breve novela cuenta una historia de "amor-amistad", entre Rhayader (nombre de un pueblo Galés que significa "cascada") un artista que vive en un faro abandonado durante la segunda guerra mundial y Fritha, una joven que encuentra un ganso herido y lo cura. El ganso se conviente en el nexo entre ambos amigos. Cuando Rhayader finalmennte muere en la batalla de Dunkerque (evacuación de soldados aliados fruto de la invasión nazi a Francia) es "The Snow Goose" quien lo "comunica" a Fritha.


Los músicos:
Andrew Latimer: Guitarras Eléctrica, Acústica y Slide, Flauta, Canto
Peter Bardens: Organo, Mini Moog, Pianos Eléctrico y Acústico Piano, ARP Odyssey
Doug Ferguson: Bajo
Andy Ward: Batería, Percusión
David Bedford: Arreglos Orquestales

Los temas:

"The Great Marsh" – 2:02
Desde casi el silencio, la música "se acerca" y el grupo presenta un breve tema, muy simple, relativo a las marismas en que se desarrollan el eje de la narración del libro.
"Rhayader" – 3:01
El protagonista es presentado viviendo en el faro abandonado con un tema rápido y alegre a cargo de la guitarra y un "sonido de flauta".
"Rhayader Goes to Town" – 5:19
El viaje de Rhayader al pueblo está a cargo de la guitarra y contiene dos partes, una muy rápida y enérgica y la otra mas pausada la que permite un muy buen solo de guitarra.

"Sanctuary" – 1:05
Un breve trozo en guitarras (una acústica al fondo y una electrica en el rol melódico) crean una plácida atmosfera.
"Fritha" – 1:19
Los teclados interpretan un simple y hermoso tema para presentar a la protagonista.
"The Snow Goose" – 3:11
Entonces pasamos a uno de los temas centrales del disco, el encuentro de "the snow goose", herido en un ala, siendo curado por Fritha y generando una cercana relación entre la niña y el ave; todo ello a cargo de la guitarra.
"Friendship" – 1:43
Una instrumentación con sonoridades que tiene algo de influencia de Prokofief (el ovoe representando al ave) en una melodía liviana que representa la amistad, con "the sow goose" como nexo entre los protagonistas.
"Migration" – 2:01
Un alagre tema representa la migración del ave desde una zona a la otra, fortaleciendo el contacto de los protagonistas.
"Rhayader Alone" – 1:50
Utilizando las armonías del tema de Rhayader, se lo presenta solo en su faro.

"Flight of the Snow Goose" – 2:40
La segunda parte se abre con un tema alegre y rápido a cargo de la guitarra, con interludios de teclado.
"Preparation" – 3:58
Una flauta presenta un tema plácido, el que es reemplazado por un teclado y una voz que presentan un tema mas bien lúgubre, como anunciando lo que viene.
"Dunkirk" – 5:19
La "operación" militar en que colabora Rhayader, es presentada con una marcha mas bien alegre a cargo de teclados, guitarra y bronces. El último tercio implica un cambio brusco y la música se hace violenta (la guitarra "estridente")parecen representar la rudeza de la guerra (retiro de las tropas aliadas de la Francia ocupada por los nazis).
"Epitaph" – 2:07
Los teclados y unas campanas nos hablarn de la muete de Rhayader en la operación en las playas de Dunquerke, en un trozo prácticamante sin melodía.

"Fritha Alone" – 1:40
Un melancólico trozo de piano nos presenta a Fritha, sola, recordando a sus amigos.
"La Princesse Perdue" – 4:43
Entonces, desde la distancia, viene volando "the snow goose", trayendo la alegría del reencuentro y a la vez la pena de la certeza de la muerte de Rhayader. El prinmer tema es rápido, a cargo de los teclados (que permite imaginarse incluso el aleteo del ave); el segundo es mas lento y retoma el "tema" de "Snow goose", escuchado antes ("princesse perdue" es el nombre cariñoso que Fritha dió a "The snow goose").
"The Great Marsh (Reprise)" – 1:20
La obra se cierra con la repetición del tema inicial de las marismas, que son el escenario de la historia.

Independiente de la opinión de Gallico, su autor, esta es una de las mejores "versiones" musicales de un libro.

Escuchar este disco:
http://radiovalentinletelier.cl/?powerpress_pinw=2863-podcast