lunes, 21 de diciembre de 2009

26 DICIEMBRE 2009 - 2 ENERO 2010

Al termino (o al principio) del año, nos espera el último de los sujetos freaks del plan propuesto en Diciembre: Pinky.
En el contexto de los álbums dobles y las historias de individuos extraños, completamos el ciclo con el protagonista de la aventura mas conocida del rock y el disco mas vendido de ellos: "THE WALL", publicado por PINK FLOYD el 1979.

PINK FLOYD es un grupo con una historia compleja, surgidos como grupo psicodélico en 1966, bajo el liderazgo de Sid Barrett, evolucionó hacia el trabajo de equipo y el rock espacial-progresivo, para entrar en crisis diez años después, por problemas de liderazgo una vez mas.

La formación estable incluye a:
Roger Waters en bajo y canto
Dave Gilmour en guitarra y canto
Rick Wright en teclado y canto y
Dave Mason en batería.


El sonido tradicional del grupo depende tanto de la guitarra de Gilmour como de los teclados de Wright, que generaron largos temas instrumentales en que teclado y guitarra se turman los solos práctica, sonido que ya estaba en el segundo álbum, y llegan a ser claves en "Echoes" o "Shine on you crazy diamond".

Al llegar a "The Wall" esto se rompe y Waters copa el espacio con una obra autobiográfica. Musicalmente es evidente la marginación de Wright (en este disco casi no hay espacio para los teclados, ni en los solos ni en la creación de atmósfera).


"The Wall" es la histora de la vida de "Pinky", huerfano de guerra; esta vez el padre SI muere en batalla (no como el de Tommy) al cual una madre controladora, pero poco cariñosa comienza a encerrar tras una muralla. La etapa siguiente es la de la escuela, donde profesores acomplejados son maltratadores, contribuyendo a la cosntrucción de "el muro". El tercer elemento que encierra a Pinky es la relacion de pareja, una mujer manipuladora completa el ciclo de "Another brick on the wall".
Luego de una crisis durante una gira del grupo musical, Pinky se transforma en un lider de un movimiento facistoide, que promueve la marginación de minorías e, incluso durante un recital, incita a la persecusuión de negros, judíos y gays.
Finalmente una crisis lo lleva a enfrentarse con su juicio interior y a derribar "el muro", que lo "protege" (aisla) de los demás, para reencontrarse con los sensibles, que "siempre te esperan tras el muro". En realidad, esta temática surge de las sensaciones de los integrantes del grupo de estar cada vez mas alienados de sus audiencias.

Los temas que revisaremos:

"In the Flesh?" 3:19
El disco se abre con un tema crudo., en que se nos cuenta de la crisis de Pinky y su imposibilidad de enfrentarse al público. Un tema que se ha convertido en símbolo de "The Wall" e identifica a esta obra. Pinky, convertod en lider fascista, maneja a la audiencia, la que se deja manipular complacientemente.

"The Thin Ice" 2:27
"Si vas a patinar sobre el delgado hielo de la vida moderna, no te sorprrendas cuando una grieta aparezca bajo tus pies, te encontraras fuera de ti, solo con tus miedos flotando tras tuyo". Despues de esta reflección a un ritmo lento y depimente, el grupo nos lleva a la primera conclusión: "mi padre voló cruzando el oceano y solo me dejó un recuerdo, . . .despues de todo eso no es mas que otro ladrillo en la pared", pero eso es ya el tema siguiente.

"Another Brick in the Wall Part I" 3:21
El primer elemento del muro es la soledad fruto de la orfandad y sobreprotección combinadas. Por primera vez aparece la melodía que será clave en la imagen de Pink Floyd en los 80's, luego un buen solo de guitarra nos invita a compartir la desolación de Pinky.

"The Happiest Days of Our Lives" 1:46
Un breve "puente2 en que se nos presenta a los profesores agresivos y descalificatorios nos lleva a . . .

"Another Brick in the Wall Part 2" 4:00
No creo que se necesite presentación ni explicación de este trozo. La segunda aparición de la famosa melodía en su versión clásica y el "himno" de una generación: "we don't need no education" "teacher, leave the kids alone", mas uno de los mejores solos de Gilmour.


"Young Lust" 3:25
El encuentro de Pinky con una "grouppie", la que en lugar de conseguiir sexo y diversión, termina en el centro de la destrucción absoluta de una habitación de hotel. Un tema intenso ayudado nmotablemente por el sonido de la guitarra, en la parte que todo promete ser entretenido.

"One of My Turns" 3:35
Especificamente la parte enh que la chica pretende exitar sexualmente al músico, pero primero poco a poco, y luego bruscamente, Pinky pasa de la depresión a la furia. La música apompaña magistralmente dicha transición, una vez mas Gilmour hace un buen trabajo.

"Another Brick in the Wall Part 3" 1:14
La conclusión de que el "amor" es el tercer elemento que encierra a Pinky nos trae otra vez el "famoso" tema, esta vez la letra se acomoda a este nuevo elemento "no necesito brazos que me acojan"

"Hey You" 4:40
Otro clásico de Pink Floyd. Un canto desde el encierro y una solicitud de ayuda: "can you hear me?" y "can you help me?", con una melodía en tono menor, para reforzar la sensación de tristeza.

"Comfortably Numb" 6:24
Otro (otro) clasico de Pink Floyd. Esta vez la reflexión desde el aislamiento cotidiano, no secesariamente desde el convertirse en el lider facista que fantasea Pinky, sino en de cualquiera de nosotros cuando nos descuidamos). . . .y uno de los mejores solos de Gilmour, no su mejor (y (por favor) no el mejor solo de la historia) pero si uno muy bueno.

"In the Flesh" 4:13
Una vez mas el tema del recital en ue Pinky aparece transformado, liderando la persecución de los Freaks (negros judios y homos).

"Run Like Hell" 4:19
Un tema rápido, en que se plantea la amenaza a "aquellos que no sean como nosotros", la evidentia de toda la estrechez mental facista.

"Outside the Wall" 1:41
Una vez caido el muro, la reflección final: Afuera te esperan los sensibles, pero no esperes que ellos JAMÁS te hagan daño, este es inevitable. La mñusica una melancólica y triste melodía acorde a la letra.



No creo que se requiera la recomendación de escucharlo entero, pero si.

Escuchar este programa:
http://radiovalentinletelier.cl/2009/12/26-dic-larga-vida-al-rock/

domingo, 13 de diciembre de 2009

19 DICIEMBRE 2009

Continuando con los álbums dobles y las historias de personajes extraños, esta semana tenemos a "JOE".
El culpable de ello: FRANK ZAPPA.

Luego de varios años de rock complejo, Frank Zappa decide darnos SU versión de lo que es una "opera rock", aunque para él, es simplemente una "comedia musical barata tipo colegio".

"JOE'S GARAGE", es un album doble publicado en 1979,(originalmente un vinilo triple, lo que hace que, en lugar de 80 minutos dure 120)que cuenta la historia de Joe, un joven que organiza su banda de garage y se ve envuelto en diversos problemas legales, en un mundo en que la música está prohibida.
Esta vez, el argumento llega al extremo del ridículo, dado que eso es consciente y deliverado, dentro del estilo de Frank zappa de molestar al público. Zappa aprovecha el cuento para ridiculizar diversas religiones, al sistema penitenciario y a la sociedad en general.

El primer problema de Joe, es con la ley, cuando una vecina llama a la policía por los ruidos molestos de la banda en el garage, pero sobretodo, porque dichos ruidos provienen de ejecutar música, lo que es ilegal. Luego de eso, se orienta al "conflictivo joven" a las actividades religiosas, generando su iniciacion sexual con unas niñas de la parroquia, las que se embarcan con él en una gira de la banda. Luego de contraer una ETS, Joe consulta a un lider religioso (Ron L. Hubbart, de la "Primera Iglesia de Electrodomestica", clara burla a la "Cientología") quién le recomienda asumir que sus secretos deseos sexuales son tener sexo con electrodomésticos. Siguiendo estos consejos, Joe se dirige a "El Closset", club privado donde tiene sexo con un robot hasta quue la máquina hace corto circuito, razón por la cual Joe es encarcelado. En la carcel Joe es abusado sexualmente por diversos otros delincuentes y descubre que, en un mundo en que la música está prohibida, la "solución" es improvisar solos de guitarra imaginarios (esta parte da origen a los mejores solos de Zappa en años), pero finalmene Joe asume que los solos imaginarios solo existen en la cabeza del "imaginador" y decide "sentar cabeza" y reformarse, pasando a ser un empleado de oficina "como todo ser humano normal".
Desde el aspecto formal, la obra evoluciona desde estar centrado en lo argumental a priorizar los trozos instrumentales.
Esta agotadora historia da lugar a una de las mejores integraciones de los diversos estilos de Zappa: historias irónicas, letras ridículas, instrumentaciones complejas y, lo mas importante, geniales solos de guitarra.



la banda que acompaña a Zappa es variadisima:
- Frank Zappa / guitarra, teclado y canto
- Ed Mann / percusion
- Ike Willis / canto
- Arthur Barrow / bajo
- Marginal Chagrin / saxo
- Terry Bozzio / bateria
- Vinnie Colaiuta / batería
- Tommy Mars / organo
- Peter Wolf / organo
y una larga lista de otros colaboradores


Algunos de los trozos importantes:

Joe's Garage (4:26)
El tema describe la experiencia de ser una banda de garage y termina con la llegada de la policía, que detendrá a este delincuente juvenil. Desde el punto de vista musical es simplemetne una canción con mucho de pop, en la linea de las canciones burlescas, llenas de cliches, que a Zappa le gusta hacer, incluso la guitarra suena pueril y poco original, pero describe muy bien el ambiente en que se da la historia.

Stick It Out (4:24)
Joe visita a "Sy Borg" (es como llamarse "Ro Bot") y le canta, en aleman, una canción en torno a las posibilidades sexuales entre ambos. Musicalmente es un tema rápido, centrado el la letra, marcadamente sexual ("Fuck me, you ugly son of a bitch"); su estructura vuelve a ser simple y en la linea de lo que podría ser comercial y bailable, si no fuera por la letra, que es claramente de mal gusto, recurso que Zappa utiliza por años en su estilo de apostar por incomodarnos. (Un verso aparece claramente como sátira a Tommy de The Who: "See the chrome, feel the chrome, touch the chrome, heal the chrome" en vez de: "see me, feel me . . .")).


Keep It Greasey (8:21)
Ya en la cárcel, por reincidencia delictual, Joe es abusado sexualmente por los internos, en especial por "el pelado John". Un tema rápido que deriva en un muy buen solo de guitarra. Musicalmente es un tema duro y rápido. El lado interesante es el solo de guitarra (5 min.) notablemente disonante, como corresponde a la temática descrita.

Outside Now (5:49)
Una vez fuera de la cárcel, Joe descubre que la música fué eliminada de la vida humana y tras algunas reflexiones, decide imaginarse la música, que necesita. Un tema lento representa las reflexiones de Joe y sirve de escusa para uno de esos solos que "todos odian": notas bajas y largas (en contraste con las agudas y cortas favoritas de muchos guitarristas, especialemente de heavy metal, interesados en demostrar que tocan rápido, como si fuera sinónimo de ser buenos). Una vez mas, la mitad del trozo es un solo y, a pesar de la aludida lentitud, es muy bueno.


Packard Goose (11:31)
Otro trozo con un buen solo de guitarra, (a medida que avanza el disco los solos se hacen mas frecuentes y elaborados. Comienza como cancioncita pop, pero una vez mas contiene letras de mal gusto: "Fuck all the writers whit a cock in their hand, i'll be more specific so they would understand, they will all kiss my ass", de allí pasa a "filosofía". "Information is no knowlege, knowlege is no wisdom, wisdon is no truth" ("Información no es conocimienmto, conocimienmto no es sabiduría", asunto que hoy mucha gente parece confundir) . . . . y lo mas importante un solo de guitarra genial de 4 minutos, seguido de uno de percusión (no olviden que Zappa comenzó como baterista, asunto que nunca abandonó).

Watermelon in Easter Hay (9:05)
Uno de los monentos claves del disco: el "solo de guitarra por excelencia" (al punto que los herederos de Zappa han solicitado que nadie mas lo toque). Comienza con el narrador: "The Central Scrutinizer", contándonos que finalmente Joe reconoce que los solos de guitarra imaginarios existen solo en la cabeza del imaginador y que su vida no tiene sentido, decidiéndo "reformarse" y conseguir un trabajo "decente". Lo anterior es la excusa para el famoso solo de guitarra: lento y cadencioso, lleno de feeling, con una melodia extremadamente bella y melancólica y por supuesto una interpretación genial. (a mi, después de 30 años de escucharlo, aun me emociona)



Otro disco de se DEBE tener (aunque parezca reiterativo).

Escuchar este programa:
http://radiovalentinletelier.cl/2009/12/19-dic-larga-vida-al-rock/

lunes, 7 de diciembre de 2009

12 DICIEMBRE 2009

Continuando con los discos "dobles", esta semana revisaremos el álbum "TOMMY" del grupo "THE WHO", que fue publicado en 1969.


"Tommy" es la primera, (segun algunos la única) "Opera Rock". (Luego del éxito de Tommy se publicó muchas óperas rock, que son mas bien "operetas pop", simplemente comedias musicales).
Surgida de la idea de Pete Townsend, de grabar un disco largo con un argumento único, contando una historia, camino que The Who ya había explorado en "A Quick One", Tommy cuenta la truculenta historia de un niño supuestamente huérfano de guerra que descubre a su padre matando al amante de su madre y, luego de que ella le dice que no ha visto ni oido nada y que no dirá nada, queda ciego sordo y mudo. A esto, sigue una secuela de visitas a "expertos" que son incapaces de solucionar el problema, hasta que se descubre que la limitadción es, en realidad, una capacidad: Tommy puede jugar al "pinball" (en Chile se le llamó "Flipper" por el nombre las aletas que empujan la bola del juego)sin ver ni oir nada y su habilidad es tan notable que resulta ser "campeón" en la materia. Circunstancialmente Tommy se recupera al destrozar un espejo, acto cuya violencia lo "trae de regreso a la normalidad". A partir de allí, él comienza a utilizar la fama como jugador de "pinball" y su mágica recuperación, para emviar mensajes "clarificadores" a los jóvenes y organiza una especie de secta que, a partir de bloquear la vista y el oido busca una especie de "iluminación" personal.(imitando a Tommy). Finalmente los adeptos rechazan el "negocio" montado a su alrededor.

Musicalmene, "The Who" está en el pináculo de su capacidad, lo que se ve ayudado por que presentan la obra completa en el Festival de Woodstock, logrando ser, aún hoy, uno de los momentros cúlmines del film realizado a partir de ello.


Los integrantes del grupo eran:
Pete Townsend: Guitarra
Roger Daltrey: Canto
John Entwistle: Bajo
Keith Moon: Batería


Una vez más, por razones de espacio (tiempo) revisaremos solo parte del disco.

- "Overture" – 3:50
Como toda overtura de ópera, aquí se presenta, de modo instrumental, algunos de los temas centrales de la obra. Sobresale "We're not gonna take it", tema que cierra el álbum, al que el corno agrega una sonoridad llamativa y "Go to the mirror", uno de los momentos pick del disco.

- "It's a Boy" – 2:07
Un breve tema, que celebra el nacimiento de "un niño", es en realidad, un "reciclaje" de un tema anterior ("It's a girl", de "Sell out" de 1967) La guitarra hace la introducción al canto de Roger Daltrey que nos cuenta de la desaparición en acción del capitan Walker. Luego la guitarra juega un poco y el corno nos lleva a la celebración del nacimiento del niño.

- "1921" – 3:14
El tema mas, tranquilo que el anterior, describe el presentimiento de que 1921, será un buen año, aunque sea a costa de la exigencia de que "el niño" no diga nada, porque no vió ni escuchó nada, respecto de la muerte del amante de su madre.

- "Amazing Journey" – 3:25
Este trozo describe la experiencia que Tommy tiene al ser ciego, sordo y mudo. Musicalmente es un trozo lleno de cortes y cambios, la batería hace un trabajo genial, creando una atmosfera fuerte. Este tema, pasa, sin transición, al siguiente.

- "Sparks" – 3:45
Un instrumental que, una vez mas, recicla temas anteriores, en esta obra que Townsend conceptualiza como su "opera magna". Basado en un riff característico, que incluso se utilizará mas adelante en otro trozo instrumental (Underture), pero que tiene su origen en "Rael" del ya citado álbum "Sell Out".



- "Pinball Wizard" – 3:50
Es el tema del campeón de "pinball" que es vencido por Tommy. Musicalmente es uno de los momentos mas rockeros del disco. El trabajo del estereo con las guitarras al comienzo es genial. El canto de Daltrey es enérgico y el tema entero exuda energía. La estructura melódica es tremendamente variada y el grupo parece pasearse por diversas melodías.

- "There's a Doctor" – 0:25
Una breve visita al médico, el que tampoco logra ayudar a la rehabilitación de Tommy, es descrita a traves de una melodía juguetona.

- "Go to the Mirror!" – 3:50
La madre impulsa a Tommy a enfrentarse a un espejo, buscando sacarlo de su estado. En otro de los trozos claves del disco, Townsend nos enfrenta a diversos temas que se van interconectando fluidamente, varios de los cuales apareceran en otros momentos del disco.

- "Tommy Can You Hear Me?" – 1:35
La madre insiste en que Tommy debe escucharla. Un breve interludio musical, que es mas un puente entre la cancion anterior y la siguiente.

- "Smash the Mirror" – 1:20
Un tema fuerte, que describe el enfretameito de Tommy con el espejo, mientras la madre lo presiona a "reconectarse". Finalmente el espejo se rompe generando una gran conmoción en Tommy.

- "Sensation" – 2:32
Aqui se presenta la alegría de Tommy al recuperar sus capacidades comunicativas. Una vez mas el grupo recurre a la sonoridad del corno, el que junto al piano amplían notablemente el rango sonoro del grupo rock. Tommy celebra "SOY una sensación".



- "Sally Simpson" – 4:10
Sally es la hija de un pastor que se acerca a Tommy en este momento casi mesianico en que Tommy se enbarca. La sonoridad del piano, otorga un carácter liviano y amistoso a un tema que, de otro modo, estaría cargado de letra.

- "I'm Free" – 2:40
Este es un tema rápido en que Tommy celebra la sensación de libertad ante su nueva situación. Un enérgico riff de guitarra y un trabajo igualmente fuerte de batería constituyen un tema alegre y vivaz.

- "Welcome" – 4:30
Tommy acoge a los jóvenes que se le acercan buscando el "conocimiento" que este nuevo "gurú" podrá entregarles. Una guitarra suave nos lleva a una alternancia de temas que muestran las diversas facetas del "mundo de fantasía" de Tommy. El primer tema es plácido (centrado el la bienvenida), Luego el piano nos lleva a un sección mas rápida y un poco caótica, pero el tema inicial reaparece imponiendo su calma.

- "We're Not Gonna Take It!" – 6:45
La genial conclusión de la obra, un trozo en tres partes: 1.- la invitación de Tommy a seguirlo y el rechazo a su "paraíso" mediatico, 2- la invocación a ver, sentir,tocar y ser curado y 3.- la exaltación del nuevo estado que implica una real liberación, incluso del proyecto de Tommy. La primera melodía es alegre y rápida, aunque desde atras surge el tema del rechazo generándose un juego entre ambos. El segundo tema es el clásico "See me, Feel me", que llegó a ser casi un himno de la generación a partir de la interpretación en Woodstock, justo a la salida del sol. El tercero una letanía, repetida hasta que se parece perderse en la distancia en un largo "fade out".

TOMMY es un clásico absoluto que tienen que escuchar integramente, mejor vayan y cómprenlo en la disquería mas cercana.

martes, 1 de diciembre de 2009

6 DICIEMBRE 2009

Para finalizar el año, acogemos un pedido de Jose Manuel Muñoz, él quiere ¡álbums dobles!Asumiendo lo complejo que es hacer a conciencia eso en un programa de una hora, trataremos de que salga lo mejor posible.

Comenzaremos por "THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY", publicado por "GENESIS" en 1974.

Se trata de un disco emblemático, por varias razones: Genesis alcanza la cima de su capacidad interpretativa, el nivel instrumental de cada integrane es genial y la creatividad de Peter Gabriel se hace patente en el argumento del disco. "The Lamb" es también el último disco de Genesis con Gabriel, quién abandonará el grupo en busca de otros horizontes (que explorará maravillosamente los proximos años).

Conceptualmente, "The Lamb" cuenta la historia de Rael, un joven portorriqueño que vive en Nueva York, con toda la marginalidad que eso implica. A partir de una caminata por las calles de Manhattan, Rael se ve inmerso en un mundo alicinante (literalmente) a partir de "un muro gris de polvo que se abalanza sobre la ciudad". De allí en adelante, Rael vive extrañas aventuras en ambientes de ensueño, donde se encuentra con personales de leyenda, debiendo interactuar con un hermano (John) que es a la vez dependiente y desconsiderado, hasta encontrarse consigomismo.

Musicalmente el grupo realiza una interpretación de lujo, con trozos de música bellamente melódica y otros de, prácticamente, música concreta.

La formación del grupo es la clásica:

Peter Gabriel en canto
Steve Hackett en guitarra
Mike Rutherford en bajo
Tony Banks en teclados y
Phill Collins en batería


En la versión original el grupo nos cuenta la historia de Rael a travez de las cuatro caras de los dos vinilos (hoy son dos CDs), lo que implica un largo cuento. Aquí, por razones de espacio (tiempo)revisaremos tres trozos de la aventura de este moderno "Ulises" (Gabrel, en un comentario un tanto humorístico, señala, que todo la historia sucede en un día, como la del mítico protagonista de Joyce).

- The Lamb Lies Down on Broadway (4:50)
El disco se abre con un piano que parece venir desde la lejanía y nos presenta una visión del amanecer el Manhatan, centrandose en Broadway con sus variados personajes marginales matinales, entre ellos Rael, un punk portoriqueño que parece divertirse rayando los muros con su pintura en aerosol.
Musicalmente un tema mas bien alegre centrado el la sonoridad del teclado de Banks.

- Fly on a Windshield (4:23)
Un tema mas bien lúgubre, describe la formación de un muro sólido que avanza por "Time Square" encerrando a todo ser vivo en una caparazón; es la entrada al mundo alucinado que caracteriza a la aventura de Rael. Un trozo instrumental intermedio contribuye a la creación de un ambiente cada vez mas oscuro. En una segunda parte, Gabirel nos habla de los personajes cinematográficos de Time Square que parecen mesclarse con los "de verdad".

Lo que sigue es la exploración de un mundo que a ratos parece subterráneo y a rratos un "viaje" con LSD. Rael se encuientra en una cueva surterránea donde encuentra personas embaladas, una de las cuales es su hermano John, al que no consigue rescatar. Luego de una reflexión un tanto filosófica, y algunos recuerdos adolescentes, Rael se encuentra en un recinto que contiene un estrecho tunel, que parece ser a única ssalida de ese extraño mundo.


- The Carpet Crawlers (5:15)
Uno de los momentos claves del disco, un tema tranquilo y muy bien interpretado, describe a Rael teniendo que "entrar" al tunel que lo llevará fuera de su encierro.

- The Chamber of 32 Doors (5:40)
La habitación de 32 puertas, de las cuales solo una le permitirá salir realmente, las otras lo traeran de regreso al mismo lugar.

- Lillywhite Lilith (2:42)
La muchacha ciega, que puede percibir, a partir de las corrientes de aire, cual es la uerta que da a la salida, pero que en realidad llevará a Rael a manos del demonio.

- The Waiting Room (5:24)
La sala de espera donde Rael encuentra al demonio, sirve de excusa para que el grupo ejecute uno de los trozos musicales mas raros y complejos de su trayectoria. Un verdadero trozo de musica concreta, interpretada con instrumentos de rock.

- Anyway (3:07)
Un tema tranquilo, aprovechando el contraste con el trozo anterior, expresando el alivio de haber superado el encuentro con el demonio.

La aventura de Rael lo lleva luego a un estanque el que tres mujeres serpiente le ofrecen su amor y mueren en sus brazos, tranformándolo en un ser deforme. La búsqueda de recuparación de su forma normal lo lleva a una operación que requiere de la castración, luego de lo cual Rael cae a un río caudaloso en el que Rael encuentra a su hermano ahogándose.

- The Light Dies Down on Broadway (3:32)
Un tema que retoma la melodía original, pero interpretada en clave diferente.

- Riding the Scree (3:57)
El grupo describe instrumentalmente la persecución que Rael hace de su "shubidu" (sic)en el rio, el trabajo es básicamente del teclado de Banks.

- In the Rapids (2:26)
Finalmente Rael rescata a su hermano John de las aguas para descubrir que se trata de si mismo.

- it. (4:15)
La reflección final nos lleva al descubrimiento de que el "eso" que nos da la vida y nos permite seguir adelante, está en todos nosotros, se da en foerma de múltiples juegos de palabras y con una instrumentación genial.


Se recomienda encarecidamente comprarse el disco y disfrutarlo integramente (no hay "download", que te entregue TODO lo que logras al ver y leer lo que trae el original.

Escuchar este programa:
http://radiovalentinletelier.cl/2009/12/5-dic-larga-vida-al-rock/

martes, 24 de noviembre de 2009

28 NOVIEMBRE 2009

Para terminar el mes, otro álbum nuevo de alguien viejo.
Esta vez es además pirata.
El grupo "YES" realizó un Tour a fines del 2008 y comienzos de 2009.
Una grabación de eso circula en diversos medios y la tenemos para ustedes.
Como todo Show en vivo, la grabacion presenta una revisión de diversas épocas del grupo e incluye sus "grandes éxitos", lo que, en el caso de YES, no significa temas fáciles.
Un dato interesante (y conflictivo) es el que la conformación del grupo es "un poco" atípica.
Como era de esperar,tenemos a STEVE HOWE en guitarras, CHRIS SQUIRE en bajo y ALLAN WHITE en batería, pero en teclados (en lugar de Rick Wakeman) tenemos a OLIVER WAKEMAN (hijo del anterior) y en canto, (en lugar de Jon anderson) a un cantante desconocido, en realidad encontr4ado en un grupo de "tributo" a Yes: DAVID BENOIT.El dato freak es que Anderson declaró que "no fue invitado" a sumarse a la gira.
Bueh!

Los temas que escucharemos son:
FIREBIRD SUITE/SIBERIAN KHATRU 12:52
TODO show de YES comienza con la suite "El Pájaro de Fuego" de Stravinsky (específicamente "Desaparición del Palacio y los sortilegios de Kashchei"),(también lo hacen sus discos en vivo)y luego viene alguno de los clásicos del grupo, en este caso "Siberian Khatru" proviene del álbum "Close To The Edge", el "disco Yes" por excelencia publicado en 1972. Un tema largo en ese épico L.P. que cierra el lado "B" y nos muestra un Yes multifacético. El grupo suena bien en esta versión 2008 y tanto el tecladista como el cantante resultan aceptables para el gran público (quizá no para los fanáticos de Anderson que notarán algunas diferencias de timbre vocal). El tema tiene la intensidad original y los juegos vocales estan muy bien.

HEART OF THE SUNRISE 12:34
Otro clásoco de Yes, esta vez de "Fragile" de 1971. Desde la introducción con ese sonido que parte de golpe con guitarra, batería y bajo, a traves del largo desarrollo, con múltiples cambios de ritmo e inmtensidad y el armónico canto, hasta el final que cierra con el estruendo inicial, Yes aún nos describe su visión del "Corazón del Amanecer"

ASTRAL TRAVELER 7:31
El tema mas enérgico de "Time and a Word" de 1970, con un sonido un poco sucio, mantiene la fuerza interpretativa, aunque la voz de Benoit, parece un poco lejana a la de Anderson de 1970 (como no). Por supuesto que Allan White NO es Bill Bruford (a pesar de que intenta un solo de batería), pero como Wakeman y Howe tampoco son Banks y Kaye la cosa se equilibra bastante.

STARSHIP TROOPER 13:40
Originalmente incluido en "Yes Album" de 1971, este tema suele ser el que cierra los shows del grupo. El protagonismo de Howe y Squire en este tema, hace que sea uno de los que suena mas al Yes clásico. La larga coda (Wurm)suena como el mejor Yes, con Wakeman trabajando muy semejante a su padre y Howe genial como siempre.





Por supuesto que nos quedan mas ganas de escuchar mas Yes, pero paciencia aún hay mucha mas música en el mundo.


Escuchar este programa:
http://radiovalentinletelier.cl/2009/11/28-nov-larga-vida-al-rock/

jueves, 19 de noviembre de 2009

21 NOVIEMBRE 2009

¿Puede un álbum ser nuevo y viejo?
¡Los "viejos de siempre" pueden hacerlo!
Hoy escucharemos un disco grabado este año, que tiene 35 años.
El "culpable" es RICK WAKEMAN.
¿Por qué tiene 35 años?
La historia es larga.
Rick Wakeman es considerado un hombre"clave" en el desarrollo del Rock Progresivo. Su virtuosismo instrumental es importantísimo como aporte a un estilo que tiene uno de sus pilares en el uso de los teclados (durante años, la discusión, en el ámbito progresivo, era quién era mejor tecladista: Wakeman o Keith Emerson) . Su productividad es tambien grandiosa ("progarchives" registra 87 (!) discos de estudio), con temáticas variadas, las que llevan desde un tributo a "The Beatles" a un álbum sobre "El Señor de los Anillos", aunque el nivel de elaboración de tan amplia productividad ha sido muchas veces cuestionado.

En 1973, época del apogeo del "rock progresivo", Wakeman era integrante de uno de los mas grandes exponentes del género: el grupo "YES". Como grupo, Yes había editado álbums impresionantes. Surgió entonces la idea de que cada integrante podía publicar discos independientes con música de su autoría exclusiva (algo de eso se había trabajado en "Fragile" de 1971, donde se incluía un tema escrito e interpretado por cada uno de ellos, solo).
En esas condiciones, Rick Wakeman publica "The Six Wives Of Henry VIII", un disco conceptual en el que, a traves de seis trozos musicales, "representa" a cada una de las esposas del famoso rey (Wakeman explica que intentó representar la personalidad de cada una de ellas en cada trozo) . Hoy, tras todos esos años, ese disco permanece como el disco de Wakeman, con mejor crítica. Si bien con múltiples "citas" a temas ajenos, "The Six Wives" está bien armado (y bien interpretado).

En 2009, Wakeman, hombre al que le gustan los discos en vivo, organizó un par de recitales para interpretar frente al público (y grabar) una nueva versión del mitico álbum, esta vez con orquesta y agregando tres trozos alusivos a los Tudor y al rey mismo (que no tenía tema en la versión original).

El concierto se realizó en el "Hampton Court Palace" de Londres el 1 y 2 de Mayo de 2009. Este castillo fué construido en tiempos de Enrique VIII y fué ocupado por el mismo rey, razón que explica el interés de Wakeman de utilizarlo para esta ocasión.
Surge asi: "THE SIX WIVES OF HENRY VIII: LIVE AT HAMPTON COURT PALACE", un cd doble.

Por razones de tiempo, podremos revisar solo algunos de los temas del disco.

TUDOR OVERTURE 8:35
Una fanfarria da inicio al concierto presentando lo que puede ser la visión de Wakewman del carácter de los Tudor, dinastía a la que pertenece el citado rey. El tema principal es presentado en conjunto por la orquesta y los múltiples teclados de Wakeman de un modo que poco a poco a tomando mayor preponderancia la orquesta, lo que correspopnde con el tomo grandioso que Wakeman busca crear.

ANNE BOLEYNE 11:29
Ana Bolena es la segunda esposa de Enrique VIII. El matrimonio surge porque la priumera esposa no "le dió2 hijos al rey y eso es escencial para la suceción del trono. Esta reyna acompañó a su esposo durante tres años al cabo de los cuales fué decapitada, acusada de infidelidad (al parecer cierta). A partir de una suave melodía a cargo del piano piano vamos "conociendo" a esta mujer de vida tumultuosa, cosa que el música presenta rápidamente, siempre centradndo la instrumentación en el piano. La orquesta y la guitarra van apareciendo para subrayar el cambio a diversos temas musicales que "hablan" de las diversas facetas de esta mujer de corto reinado.

ANNE OF CLEVES 8:05
La cuarta esposa duró poco, luego del fallecimiento de la esposa anterior por una enfermedad, se "encontró esta esposa que nunca gusto a Enrique y de la que se divirció en cuestion de meses. Una melodía ondulante en teclado da paso a un enérgico (y caracter´sitico) tema en tiempos compuestos)a cargo de la orquesta. Una larga improvisación a cargo de un organo eléctrico forma la pate central de la descripción de esta reina, siendo "comentada" por turnos por la orquesta y la guitarra

CATHERINE PARR 12:18
La última esposa, luego de decapirart a la anterior (una vez mas por cuestión de infidelidad), Enrique encontró tranqulidad es una mujer pacifica y alejada del lujo de la corte, quién finalemtne lo sobrevivió. una introducción con toda la orquesta y una batería enérgica da paso a una melo´dia rápida a cargo de los teclados a la que suma la orqiesta. A lo largo del tema Wakweman "se pasea" por diversas sonoridades posibles en teclados presentándonos diversas facetas de lapersonalidad de esta tranquila mujer, utilizando la percusión como elemento central del desarrollo.

TUDOR ROCK 7:48
Wakeman presenta el cierre del concierto de este rey que se divorció de dos mujeres (la primera y la ciarta), decapitó a otras dos (la segunda y la quinta) y enviudó de una (la tercera), dejando viuda a la sexta. Musicalmente se presenta el tema de la fanfarria del comienzo y luego se revisa temas de las diversas esposas, de un modo ágil y amistoso. Con fines evidentemente sonoros, la guitarra y el coro tiene un papel importante en el arreglo que Wakewman hace para este trozo.

Se cierra así la revisión de estas "Seis esposas" y uno queda con ganas de mas.


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lunes, 9 de noviembre de 2009

14 NOVIEMBRE 2009

En el programa de hoy revisaremos parte del álbum "THE INCIDENT" publicado por PORCUPINE TREE, hace dos meses (14 de Septiembre 2009).

Porcupine Tree se formó en 1987 y desde entonces ha publicado diez álbums (incluyendo este). Su lider indiscutible es Steven Wilson, cantante, guitarrista y autor de todos los temas (con colaboración variable, en lo musical, de los demas integantes del grupo). Como buen progresivo de fin de siglo, Porcupine Tree combina temas elaborados con otros mas acequibles al oido (mas "oreja", solíamos decir). Las influencias musicales del grupo van desde Pink Floyd hasta Opeth, aunque Wilson suele insistir en que su sonido es original y no "la sombra" de algún otro.

Integrantes:
Steven Wilson: canto, guitarra, teclados
Richard Barbieri: teclados
Colin Edwin: bajo
Gavin Harrison:- batería

"The Incident" es un disco doble que incluye un largo tema (55 minutos) en un disco y cuatro temas mas ortos en el otro. Hoy escucharemos el tema largo, que da nombre al disco.
"The Incident" es en realidad una "suite" al mas puro estilo "Supper's Ready" del Genesis de 1972, o quizá mas al esdtilo de "Thick As A Brick" de Jethro Tull del mismo año. La idea de Wilson es presentar una secuencia de situaciones límite, a partir de una experienca de haber visto en la carretera una aviso "CUIDADO - INCIDENTE" y asumir que se trataba de un accidente que para alguen era muy grave. La reflección resultante es que lo que para algunos es grave para otros puede ser un detalle. entonces genera diversos temas referidos a situaciones de riesgo y nos las presenta reunidas en una "suite" (en otras palabras estamos ante un album conceptual, aunque hoy no se use referirse a ellos así y parezca mas adecuado hablar de "largo tema" que ocupa todo el disco.

Temas (o sub temas):
1. The Incident
I. Occam's Razor (1:55)
Una secuencia de acordes a cargo de todo el grupo funcionan cono golpes introductorios al disco.
II. The Blind House (5:47)
El primer tema incluye mas "golpes" pero luego el canto es mas bien suave (lo que es característico de Porcupine Tree). En realidad se trata de una canción muy bien armada.
III. Great Expectations (1:26)
Un trozo breve, una pequeña historia con la progresión habitual en Porcupine Tree.
IV. Kneel and Disconnect (2:03)
Un trozo tranquilo a cargo del piano, principalmente que termina en un silencio que nos prepara a un cambio de estilo.
V. Drawing the Line (4:43)
Uno de los temas mas conocidos del disco, ha generado, como otros temas de Porcupine Tree, reacciones de amor y odio. Para algunos es amistoso, para otros es facil, en especial el coro, con el verso que da nombre al tema. Igual los solos de guitarra (dos) son muy buenos.
VI. The Incident (5:20)

VII. Your Unpleasant Family (1:48)
VIII. The Yellow Windows of the Evening Train (2:00)
IX. Time Flies (11:40)
X. Degree Zero of Liberty (1:45)
XI. Octane Twisted (5:03)
XII. The Séance (2:39)
XIII. Circle of Manias (2:18)
XIV. I Drive the Hearse (6:41)




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lunes, 2 de noviembre de 2009

7 NOVIEMBRE 2009

El mes de noviembre lo dedicaremos a revisar discos publicados este año 2009.

Comenzaremos por "DREAM THEATER" que publicó su décimo álbum, llamado "BLACK CLOUDS AND SILVER LININGS" el 23 de Junio. La intención general o "idea" del disco es basarse en experiencias difíciles en la vida de quienes escriben la letra de cada tema musical, (Portnoy o Petrucci)

Integrantes:
- John Petrucci: guitarra
- John Myung: bajo
- Mike Portnoy: batería
- James LaBrie: canto
- Jordan Rudess: teclado

Temas:
A Nightmare to Remember (16:10).
Este tema, describe la experiencia real de un accidente automiovilístico en la infancia, vivido por su autor, John Petrucci. La descripción de la violencia del accidente mismo y el temor al recobrar la conciencia y encontrarse en un lugar desconocido rodeado de "hombres sin rostro" y luego la reflexión, desde el presente, respecto de lo fragil de la vida y la necesidad de ser conscienmtes de ello, cierran el tema.
Musicalmente una introducción con todo el grupo impresionándonos con su fuerza, nos lleva a un riff que se acompaña de potende percusión y de allí al primer tema, (con letra que describe un vieje en auto) el que, a su vez es interrumpido por el sonido de una frenada y el consiguiente impacto de un auto, entonces surge el segundo tema (el de lo inesperado de un accidente). Entonces una sirena de ambulancia nos lleva a un tema lento que describe el despertar en una camilla entre desconocidos que intentan saber si el protagomista recuerda su nombre. Al acercarse los 8 minutos el inevitable solo de guitarra de Petrucci, magistralmente respaldado por Portnoy. Dos minutos y medio mas adelante la voz se hace gutural y el ritmo mas duro, en un nuevo tema cuyo desarrollo se extiende, por cinco minutos, hasta el fin del trozo.

A Rite of Passage (8:35)
Una guitarra en tonos mas bien bajos hacen la introducción a este tema que se refiere a los ritos de iniciación masónicos. pronto el grupo irrumpe intensamente y el canto está lejos de ser suave (especialmente la segunda voz a cargo de Portnoy). Pero pronto la sonoridad muta al típico estilo del grupo. A los 5 minutos un potente solo de guitarra en un ritmo veloz, nos trae al viejo Petrucci. Finalmente regresa el canto y una revisión del riff inicial cierra el trozo.

The Count of Tuscany (19:16)
Una suave gruitarra hace la introducción de este largo tema en que Petrucci cuenta una experiencia con un cierto "Conde de Toscana", que empezó agradablemente y lo hizo temer por su vida al haberse metido con algo peligrosamente mafioso. Poco a poco el tema va tomando fuerza instrumental y, a travez de diversos cambios de ritmo, va planteando una atmósfera dinámica.
Recién al llegar a los 4:20 minutos La Brie comienza a cantar y a presentar la historia. Como es de esperar en un tema de esta longitud, encontramos diversos solos desperdigados a travez del desarrollo. A los 7:30 La Brie presenta un segundo tema cantado y a los 11:00 un corte nos lleva a un tema lento a cargo de un teclado que interpreta notas largas, casi ambiental llevándonos a un largo y plácido solo a cargo de Rudess al que La Brie se suma pasados los 15:00; el tema se desarrolla entonces, por el resto del trozo, llevándonos a un final "tranquilo, pero enérgico.

Dan ganas de oír mas Dream Theater, pero no queda mas que esperar la próxina producción. (los temas que no caben es la hora que dura este programa, son igualmente dignos de ser escuchados).

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martes, 27 de octubre de 2009

31 OCTUBRE 2009

Para terminar el mes de octubre, un grupo que exploró un camino que no tuvo seguidores: "CHICAGO". Fundado en 1967, bajo el nombre de "Chicago Transit Authority", es un grupo que incursionó en la sonoridad del jazz, en especial por tener tres integrantes que tocaban instrumentos de bronce, sumados a los inevitables guitarra, bajo teclados y batería.
Sus primeros discos (todos albums dobles) exploran la sonoridad de un rock con fuerte sonido de trompeta, saxo y trombón, en algo que era experimental pero fue absorvido por la dominante sonoridad del teclado que copó al rock a los comienzos de los 70's. (Parta quienes les interece el "sonido", tambien pueden explorar "Blood, Sweat & Tears" banda de la misma época y estilo).
una característica extra es que el grupo tiejne tres cantantes con sonoridades diferentes que se hacen cargo de los temas según la temática y estilo de estos.

Integrantes:
Peter Cetera: bajo, canto
Terry Kath: guitarra y canto
Robert Lamm: teclados y canto
Lee Loughnane: trompeta
James Pankow: trombon
Walter Parazaider: saxo y flauta
Danny Seraphine: batería


El primer L.P. se llamó "Chicago Transit Authority" y fue publicado en 1969:
"Beginnings" 7:54
Estructurada como canción de amor, trabaja con una conceptualización casi progresiva, nos muestra un "Chicago" que equilibra notablemente el sonido rock de guitarra y teclado, con el sonido jazz de los bronces. El canto esta provisto por Lamm, quien es el autor del tema y el final, con el grupo entero interpretando percusión, es notable.

"I'm A Man" 7:43
Originalmente una canción que Steve Winwood escribiera en el grupo "Manfred Man" tiene un genial cover. Un bajo juega con un riff simpático, luego se suma la batería, y poco a poco los diversos miembros del grupo se van sumando en percusión. Después de 45 segundos, el teclado y la batería entran orientando el desarrollo hacia el tema central de la canción, pero solo casi al minuto y medio el canto presenta la canción propiamente dicha. Un tema rockero, que a los 3:30' tiene un enérgico (y largo: 2:00) solo de batería y percusión. El cierre está muy bien trabajado por la guitarra y la batería.


El segundo L.P. "Chicago" de publicó en 1970:
"Make Me Smile" 3:16
Los bronces abren este tema con mucha energía y un sonido alegre, la bateria marca fuertemente el ritmo, mientras la voz de Kath describe la alegría de una relacion amorosa. Al llegar al solo, escuchamos primero a los bronces y luego a la batería, el tema termina entonces, sin volver al canto.l

"Fancy Colours" 5:10
Un suave sonido de campanas al que se suma una larga nota de teclado sirven de preludio a una introducción con canto a tres voces y bronces, luego la flauta hace un puente y se presenta el tema central. Durante todo el tema, la instrumentación es dominatemente instrumentos de viento. Al final el trio de vientos repite una nota que se pierde poco a poco.

"25 or 6 to 4" 4:50
Escrito por Lamm y cantado por Cetera, "25 or 6 to five" (25 o 26 para las 4 (de la mañana) es sin duda el tema mas conocido del grupo, comienza con un riff, hoy clasico, al que se suman los bornces. El enérgico riff es respaldado por la batería y sobre él la guitarra ejecuta un (en realidad dos) potente solo.


El tercer L.P. "Chicago" (III), fue publicado en 1971:
"Free" 2:15
Un riff que alterna guitarra y bronces da la introducción de este breve tema sobre la incomodidad de la vida actual. El solo, está a cargo de los bronces.

Mother" 4:31
Un ritmo entrecortado a cargo de teclado y bateria hace la introducción, antes de que el tema encuentre su ritmo, mas lento, definitivo. Una sección intermedia con una improvisación de trompeta y armonías levemente disonantes, agrega un "color" diferente al tema; luego de eso se retoma el desarrollo inicial con sus dos partes claramente diferenciadas. el cierre lo hace un lento trozo de trompeta.

"Lowdown" 3:36
Un tema mas rockeado con predominancia de guitarra y teclado desde la introducción. El solo de guitarra esta muy bien, claro que tambien hay uno de bronces.

"Once Upon A Time/Progress? 5:08
El final del disco incluye un alusión de critica social, que siempre fue elemento característico de "Chicago" (del cual el elemento mas expresivo es el sonido de la descarga del estanque del WC que cierra el tema como comentario final al estado social). Desde el punto de vista musical, se trata de un tema instrumental que presenta una faceta un poco diferente del formato canción dominante en los discos de "Chicago".


Luego de estas tres producciones, el sonido de Chicago" evoluciona lentamente hacia el "pop", generando varios "hits" radiales, pero perdiéndose poco poco en la "selva" del consumismo que nos "consumió" (no solo musicalmente) la segunda mitad de los 70's.


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http://radiovalentinletelier.cl/2009/10/larga-vida-al-rock-31-oct/

lunes, 19 de octubre de 2009

24 OCTUBRE 2009

El 25 de Octubre de 1969 (otro de cuarenta años) se publicó el cuartro L.P. de Pink Floyd": "UMMAGUMMA".

"PINK FLOYD" había venido evolucionando en una dirección poco clara, luego de el abandono de Sid Barret, el ideólogo y lider original del grupo, perdido en el mundo de los alucinógenos, al punto de no ser operativo musicalmente. El segundo L.P. (A saucerful of secrets) fue una especie de continuación del estilo del primero (The piper at the gates of dawn), por lo que estaba aún en la "onda Barret". El tercer L.P: fue una banda sonora (More), por lo que ahora, con el cuerto LO.P., "Floyd" comienza a buscar un nuevo camino y esa búsqueda se nota.

"Ummagumma" es en realidad dos discos diferentes: Un álbum en vivo, en que la banda interpreta sus clásicos de la primera etapa, en un intento de despedirse de ellos, y un çalbum en estudio en que cada uno de los integrantes muestra el rumbo de sus exploraciones sonoras.
En la práctica, se destina medio lado de un vinilo (10 min +/-) a música de cada uno de los integrantes del grupo. Podemos así escuchar, en estado embrionario, los sonidos que serán desarrollados los próximos años por el grupo, el resultado no es brillante, pero es clave para quien busque la comprensión de la evolución de la musica de Pink Floyd. Hoy escucharemos el disco dedicado a las grabaciones en estudio.

Integrantes:
Roger Waters: Bajo y canto
Rick Wright: Teclados y canto
Dave Gilmour: Guitarra y canto
Dave Mason: Batería.

Los Temas:
"Sysyphus" (Wright) – 12:59
Part 1 – 4:29
Part 2 – 1:45
Part 3 – 3:07
Part 4 – 3:38
Una fanfarria sirve de introducción al tema de Richard Wright. El tema está a cargo, evidentemente , de los teclados, con notable percusión. La segunda parte nos trae un piano que desarrolla simples melodías, con Wright experimentando progresivamente sonoridades cada vez mas disonantes. La parte tres nos lleva a la fase mas experimental, con ruidos (ya no sonidos) que anuncian las posibilidades sonoras de Pink Floyd en los discos por venir. Un brusco corte nos lleva a un silencio del que surgen sonidos suaves durante tres minutos, hasta que un estruendo nos leva a una nueva parte de ruidos disonantes, de los que, finalmente surge la fanfarria inicial, dando fin a la parte de Richard Wright.

"Grantchester Meadows" (Waters) – 7:26
Roger Waters divide su parte en dos trozos discímiles.
Un suave tema acústico, que se abre con sonidos campestres. Waters canta calmadamente la tranquilidad del campo. Luego de un largo desarrollo, el tema disminuye de volumen hasta perderse en el silencio, entonces una mosca vuela entre los parlantes hasta que alguien baja una escala y la mata con un matamoscas.
"Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict" (Waters) – 4:59
Tras ese inmenso y ridículo nombre, se encuentra un trozo lleno de humor. Waters juega con sonoridades que surgen de "lo natural", efectos de sonido, ruidos vocales y sonidos surgidos de golpear el propio cuerpo estructuran una experientación a ratos caótica, descripción de como "diversas especies de animales peludos, reunidos en una cueva se divierten con un Picto".

"The Narrow Way" (Gilmour) – 12:17
Part 1 – 3:27
Part 2 – 2:53
Part 3 – 5:57
El tema de Gilmour es mas simple. La primera parte es simplememte una sucesión de melodías a medio elaborar, en la que van apareciendo algunas disonancias. La segunda es, claramente una exploración de sonoridades que se puede obtener con la guitarra (una vez mas, los sonidos que el grupo utilizará en sus proximos discos), las que se van haciendo cada vez mas caóticas. La tercera parte es un tema lento cantado por Gilmour, con un "aire" a como sonará "Echoes" un par de años después.

The Grand Vizier's Garden Party" (Mason) – 8:44
Part 1: "Entrance" – 1:00
Part 2: "Entertainment" – 7:06
Part 3: "Exit" – 0:38
El "tema" de Mason se abre con una breve melodía de flauta, que es solo un distractor, antes del trozo central que es, probablemente, el mas experimental del disco. Por supuesto Mason explora largamente las sonoridades de la percusión a niveles insospechados. La "Salida" es nuevamente la flauta que sirvv de cierre a este L.P. clave en el desarrollo del "Sonido" Pink Floyd.


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http://radiovalentinletelier.cl/2009/10/larga-vida-al-rock-24-oct/

martes, 13 de octubre de 2009

17 OCTUBRE 2009

La semana pasada escuchabamos el primer disco de "King Crimson", editado hace 40 años.
Hoy escucharemos otro disco de 40 años.

El mismo día que se publicó "In The Court of The Crimson King", 10 se Octubre de 1969, se publicó tambien "HOT RATS", séptimo L.P. (en cuatro años) de FRANK ZAPPA.

FRANK ZAPPA, era ya un guitarrista famoso por sus discos experiementales e irreverentes.
Nacido en Baltimore (cerca de Washington D.C.) el 21 de diciembre de 1940 (apenas dos meses después que John Lennon), Zappa "descubrió" a Edgar Varese, músico docto contemporáneo, y desde allí desarrolló un gusto especial por la musica percusiva. Después de años tocando batería, la abandonó por la guitarra, (porque le facilitaba el "ser visible" en el escenario, y porque le hacía mas facil "dirigir" un grupo musical).

Luego de seis discos con "The Mothers of Invention", una banda muy experimental y llena de sátira a la música pop del momento, Zappa graba discos "solo", siempre experimentales, pero ahora girando notablemente hacia el jazz (especialmente por las largas improvisaciones y la sonoridad de la bateeía).

"Hot Rats", cuenta con la colaboración de Ian Underwood, un multi-instrumentista de excepción, además de músicos escogidos, cada uno sobresaliente en su rubro. Es el primer disco de Zappa notablemente instrumemtal, en el que podemos disfrutar de sus geniales solos de guitarra y uno de sus discos más valorados por la crítica.

Los músicos:
Captain Beefheart: canto en "Willie the Pimp"
Don "Sugarcane" Harris: violín en "Willie the Pimp" y "The Gumbo Variations"
Jean-Luc Ponty: violin en "It Must Be a Camel"
Max Bennett: bajo en todas las pistas, salvo"Peaches en Regalia"
Shuggie Otis: bajo en "Peaches en Regalia"
John Guerin: batería en "Willie the Pimp", "Little Umbrellas" y "It Must Be a Camel"
Paul Humphrey: batería en "Son of Mr. Green Genes" y"The Gumbo Variations"
Ron Selico: batería en "Peaches en Regalia"

Los Temas:
"Peaches en Regalia" – 3:38
Un verdadero clásico de Zappa, aparece decenas de veces en los recitales y discos "en vivo". Un redoble de tambor da paso a un primer "tema"(dos compaces) que Zappa y Underwood repiten para dar paso al "tema central" y luego una sucesión de improvisaciones en que Underwood se luce (saxo y teclados) y Zappa (guitarra y bajo) también. Finalmente nos llevan de regreso al "tema central" que se repite mientras el sonido hace "fade-out".

"Willie the Pimp" – 9:16
El violín de "Sugarcane Harris" nos introduce en el mundo de "Willie" el "cafiche", que canta brevemente Captain Beefheart, (incluyendo el termino "hot rats"), antes de que Zappa nos entregue uno de sus geniales solos (desde 1:20 a 8:50 min), solo para que, entonces, el violín cierre el tema.

"Son of Mr. Green Genes" – 9:00
Una vez mas un recoble de tambor nos lleva al tema que no es sino una elaboración de "Me Green Genes" tema que había aparecido en "Uncle Meat" (el L.P. anterior). Underwood en varias pistas de teclado y vientos presenta el tema, Zappa realiza un solo de guitarra, entonces Underwood interpreta uno de teclado, el que se funde con otro de Zappa, saxo + guitarra, etc. El tema aparece y desaparece varias veces en un complejo y virtuoso juego entre ambos instrumentistas. Al final una especie de fanfarria cierra el tema y el "lado A" del disco.

"Little Umbrellas" – 3:04
Una notas de bajo y de piano, sirven de fondo a una melodía con armonias árabes que nos presenta a Zappa en guitarra y Underwood en teclado y vientos; entonces un largo trozo de improvisación (por supuesto a cargo de teclado y guitarra) nos lleva de regreeso al tema "oriental" para cerrar este trozo. Un tema muy elaborado con mucha pista sobrepuesta.

"The Gumbo Variations" – 16:56
Un largo "jam" editado para incluirlo en el disco, lo que es evidente desde el comienzo (voces y paulatina estructuración), luego de un juego de guitarra, el saxo presenta un tema que rápidamente desarrolla en una larga improvisación, con la guitarra jugando atrtás. Alrededor de los 8 minutos el solo es de violín, a los 13:50 de batería, a los 14:15 (brevemente) de bajo, para que regrese el violín y de allí en adelante una creciente cacofonía nos deje con una secuencia de notas altísimas de violín que llevan el tema al fin, siempre en un ambiente mas bien caótico.

"It Must Be a Camel" – 5:15
Un piano muy jazzistico, nos lleva a un tema lento a cargo, una vez más, de teclado y vientos (Underwood en diversas pistas). Hacia la mitad Zappa incluye otro genial solo de guitarra, cambiando el ritmo, la que luego de un solo de batería en "full stereo" (usado por primera vez en un disco gracias al equipo de grabación con 16 canales, los Beatles usaban 8) nos lleva de regreso al tema inicial, cerrando el disco.

Una grabación excepcional que no ha envejecido con el tiempo.

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http://radiovalentinletelier.cl/2009/10/larga-vida-al-rock-17-oct/

lunes, 5 de octubre de 2009

10 OCTUBRE 2009

El 10 de Octubre de 1969, se publicó en Gran Bretaña el L.P. "IN THE COURT OF THE CRIMSON KING: An Observation By King Crimson". Los comentarios, tanto de la crítica especializada, como de los músicos de rock, fue altamente positiva y aún hoy, este disco es considerado "una joya" entre los L.P.s progresivos.

Liderado por Robert Fripp, "KING CRIMSON" ha atravezado por diversas etapas e innumnerables formaciones desde entonces hasta hoy, siendo considerado aún uno de los grandes del rock actual. Formado a partir de los "experimentos" de Robert Fripp con los hermanos Gilles (Michael y Peter), la evolución de "Crimson" derivó hacia algo muy experimental, generando en cada álbum un sonido diferente al anterior, al punto que el grupo no tiene un estilo musical reconocible y el mismo Fripp establece que "King Crimson es un estilo de hacer las cosas". Este "estilo" implica contínua búsqueda y experimentación con sonidos, fruto de un equipo siempre cambiante, en que Fripp selecciona "lo mejor" de los interpretes de cada instrumento.

Al ser publicado, hace 40 años, "In The court Of The Crimson King" fue considerado el mejor disco del año, por diversos críticos. Las razones, aún las podemos escuchar: un conjunto de temas que claramente no son canciones, sino algo mucho mas elaborado, lo que implicaba una clara innovación en la época: larga duración, alta elaboración, y subpartes de los temas son una característica que será el sello de lo que se llama "rock progresivo" y que llevó a que este disco sea considerado "el primer disco del género" (si es que en música realmente podemos poner límites de comienzo o fin de estilos). El otro elemento clave es la alta capacidad musical de todos sus integantes (hecho tambien poco frecuente en la época, en que los músicos pop, solían ser de mediana, y a veces de muy baja, calidad).

La carátula es inquietante, pero representa fielmente el espíritu del disco, y quizá, al personaje descrito en el primer tema.

La formación:
(observen como un integrante NO ES músico, sino de ocupa de los aspectos formales, esto resulta relevante para el estilo del grupo).

Los Temas:
21st Century Schizoid Man (7:20) including: Mirrors.
Unos "estraños ruidos" sirven de introducción al estruendoso ingreso del grupo (saxo, guitarra y batería) y poco mas adelante se suma la voz altamente distorsionada de Lake que casi grita la letra, describiendo al "hombre esquizoide del siglo XXI" que anuncia el título. A los dos minutos, un cambio de ritmo nos lleva a una impresionante improvisación con lucimiento de la capacidad intrumental de Fripp y de allí juegos con cambios de ritmos y lleno de armonías disonantes. A los 5,5 minutos se regresa al tema original, y se deriva en un largo final lleno de estridencias.

I Talk To The Wind (6:05)
El cosntraste esta determinado por este tema que se abre con suaves flautas y la voz de Lake, limpia, como nos acostumbraremos a escucharla en "ELP". A los tres minutos un hermoso solo de flauta reafirma la atmósfera plácida del tema, incluso la guitarra ahora está trabajada con suavidad, al volver la voz, la flauta mantiene su presencia llevándonos a una larga coda, la que se extiende hasta que, poco a poco, desceinde el volúmen como perdiéndose en la distancia de la que en "crossfade" aparece el proximo tema.

Epitaph (8:47) including: - a. March For No Reason - b. Tomorrow And Tomorrow.
Un timbal da la entrada al mellotron que hace de fondo a la guitarra con un aire épico. La voz de Lake se mantiene suave, mientras la batería marca fuertemente un ritmo lento y cadencioso. Tras el coro, el mellotron establece claramente si rol de "orquesta" y el tema va tomando poco a poco mayor fuerza; la flauta mantiene un rol importante, pero diferente al tema anterior por el nivel de "orquestación". Unas vez más, una larga coda lleva el tema a su culminación con una lenda disminución del volumen, que, con el aumento de la reververación, genera una clara sensación de alejamento del sonido, cerrando de ese modo el "lado A" del vinilo.

Moonchild (12:11) including: - a. The Dream - b. The Illusion.
Una suave guitarra da paso a la voz de Lake levemente distorcionada, quien canta con escasa instrumentación de respaldo. A los dos minutos y medio el tema se corta dejando paso a una larga improvisación en que priomero un suave trabajo de la guitarra, mas bien en tomo de "generador de sonidos" que en función melódica y luego los instrumentos percusivos exploran diversas sonoridades, durante mas de diez minutos.

5. The Court Of The Crimson King (9:22) including: - a. The Return Of The Fire Witch - b. The Dance Of The Puppets
Un redoble de tambores da paso a una pomposa fanfarria, luego de la cual Lake canta suavemente hasta llegar a momento en que el grupo repite la fanfarria sobre el canto generando una vez mas la atmósfera épica del "Epitaph", el tema que cerraba el "lado A". A los cuatro minutos la flauta, casi sola, interpreta un tema muy en el estilo de "I talk to the wind" solo para llevarnos de regreso al sueva tema del inicio. A los seis minutos regresa la fanfarria que comienza a alargarse en lo que anuncia ser una nueva larga coda, pero un redoble y un golpe del grupo parece terminar el tema. . . . .sin embargo, los platillos avisan que hay más y el mellotron, con sonidos de organo, nos lleban de regreso, una vez más, a la fanfarria que se repite durante caso dos minutos más, siendo acompañada de una, cada vez mayor, cantidad de sonidos disonantes que terminan en un caos sonoro que se interrumpe bruscamente marcando, ahora si, el fin del disco.

Una experiencia dsgna de ser repetida infinitamente en los cuarenta años transcurridos desde entonces.
Gracias Robert Fripp.

Escuchar este programa:

http://radiovalentinletelier.cl/2009/10/larga-vida-al-rock-10-oct/

viernes, 2 de octubre de 2009

3 OCTUBRE 2009

Continuando con la revisión de "discos claves" que cumplen 40 años, hoy revisaremos "BLIND FAITH", publicado en agosto de 1969.

BLIND FAITH es un "super grupo", formado a partir de integrantes claves de grupos anteriores (algunos de ellos ya supergrupos).

  • Steve Winwood, (adelante en la foto)venía de liderar "Traffic", un grupo de rock con un sonido con fuerte peso de instrumentos de vientos (en especial flautas) y antes había estado con "Spencer Davis Group". Multinstrumentista, pero predominantemente tecladista, toca organo, piano, guitarra, bajo, además de ser el cantante del grupo.
  • Eric Clapton, (a la derecha de la foto) venía de trabajar años con "Cream", supergrupo al que había llegado desde "The Yarbirds" grupo de "blues blanco ingles". Como deben saber, Eric Clapton toca la guitarra y canta
  • Ric Grech, (A la izquierda en la foto) había sido integrantes de "Family"y toca el bajo y el violin
  • Ginger Baker, (con barba, entre Steve y Ric) había trabajado con Eric Clapton en "Cream", adonde había llegado desde "Graham Bond Organisation" y es uno de los bateristas mas importantes de los 60's.
Cuando "Cream" se rompe, fruto de las disputas entre Ginger Baker y Jack Bruce, Eric Clapton se contactó con Steve Windwood, que tenia problemas con su banda y juntos comenzaron a explorar un rock con mas elementos de jazz, la figura obvia como baterista fue Ginger Baker y solo faltaba encontrar un bajista, fue así como contactaron a Ric Grech.

Su álbum debut (y único) alcanzó el Nº1 a ambos lados del Atlántco. Los temas están fuertemente marcados por Steve Windwood, lo que muy probablemente determinó que el grupo no sobreviviera.
La carátula generó polémica, por mostrar desnuda a una niña puber, de hecho, se generó una carátula alternativa para la publicación en USA.

"Had To Cry Today" (Steve Winwood) – 8:48 Desde el punto de vista temático, un tema de amor (desamor), con la inconfundible voz de Winwood. Sin embargo, músicalmente, nos permite conocer el sonido del grupo: Baker, haciendo lo que sabe (sacar la batería del rol de sección rítmica tradicional y convertirla en algo distinto que, si bien no es melódico, implica un trabajo complejo y admirable. Clapton, ocupado en sus inimitables solos de guitarra. Windwood paseandose entre los instrumentos y Grech en el rol de soporte, que lo hace el integrante menos distintivo del grupo. Luego del riff inicial, Windwood canta las dos primeras estrofas con sus coros y entonces (con el riff de fondo Clapton ejecuta el primer solo (dos minutos y medio), entonces Windwood vuelve al canto y repite las dos estrofas cantadas al comienzo, luego de lo cual el grupo hace un desarrollo primero con canto y luego con guitarra que deriva en el largo solo final, que temina perdiendose al disminuir el volumen.

"Can't Find My Way Home" (Steve Winwood) – 3:16 Otro tema de Windwood, esta vez mas lento, pero lleno de armonías y con más del bello trabajo de Clapton y Baker. Una guitarra sirve de introducción al canto de Windwood y se repite el esquema del dtema anterior, en el fondo una canción alargada con genailes solos de la genial guitarra de Clapton.

"Well All Right" (Buddy Holly) – 4:27 Un cover de un clásico del rock, con Clapton inyectándole energía y una genial interpetación del riff inicial, con aportes de guitarra y piano. A los dos minutos 50 el tema se acaba y el grupo desarrolla una larga coda centrada en una improvisacion de piano. Probablemente el momento mas liviano del disco, pero vale como homenaje.

"Presence of the Lord" (Eric Clapton) – 4:50 Un tema lento; probablemente Clapton influído por el misticismo de su amigo George Harrison. Windwood canta el goce de "haber encontrado el modo de vivir a la luz del señor". A los dos minutos y medio, cuando uno cree que todo será tranquilo, el solo de guitarra, rompe el esquema y ofrece un revitalizador contraste, que calza muy bien en la atmósfera general, probablemente em mejor solo de Clapton en el disco. Luego el tema retoma la melodía inicial y llega plácidamente al fin.

"Sea Of Joy" (Steve Winwood) – 5:22 Abriendo el "lado B" del vinilo, otro tema de Windwood, esta vez de una belleza impresionante. Un genial riff de Clapton da paso a una melodía mas calma. Luego de dos estrofas, un puente en que se intercalan el riff con breves solos de guitarra, va paso a un genial solo de violín. Finalmente vuelve la voz de Windwood a la que se suma la guitarra de Clapton y finalmente el violín de Grech y el sonido disminuye hasta desaparecer.

"Do What You Like" (Ginger Baker) – 15:20 El postre: un largo y genial solo de batería de Baker, acompañado de una breve introducción de canto a la que sigue un solo de órgano eléctrico, luego guitarra, bajo, entonces el largo solo de batería para volver al canto en un breve cierre que se alarga con sonidos posteriores a la grabación. Pocas veces se justifican los largos solos de batería, pero los de Baker estan absolutamtne justificados, no en vano es uno de los gestores del uso de la batería de modo "melódico".

Escuchar este programa: http://radiovalentinletelier.cl/2009/10/larga-vida-al-rock-3-oct/