2 DE MAYO 2009

El mes de Mayo lo dedicaremos a revisar grupos importantes del Rock Progresivo Italiano.

Con características propias, al punto de ser considerado una categoría en si mismo por los grandes sitios de rock Progresivo (ver "Gibraltar Encyclopedia of Progressive Rock" (gepr.net) o "Progarchives" (progarchives.com), el Progresivo Italiano tiene una larga historia y está conformado por innumerables grupos. Algunos de ellos tiene una larga trayectoria, mientras otros han hecho historia con un solo disco.

Comenzaremos la revision con uno de los grupos italianos mas importantes:

"BANCO DEL MUTUO SOCCORSO"

Formado a comienzos de los 70's, por los hermanos Vittorio y Gianni Nocenzi, "Banco" generó algunos de los mejores momentos del Progresivo Italiano y, al menos,tres discos que son considerados clásicos absolutos. Sus tres primeros "L.P.s." son práticamenerte obligatorios para quien quiera acercarse al estilo. En 1972 editan "Banco Del Mutuo Soccorso" y "Darwin!". Lo que escucharemos es el tercero, "Io Somno Nato Livero" publicado en 1973.

Integrantes:

Vittorio Nocenzi – Organo, sintetizador, spinetta
Gianni Nocenzi – Piano acústico y eléctrico
Marcello Todaro – Guitarra acústica y eléctrica
Renato D'Angelo – Bajo
Pier Luigi Calderoni – Batería, percusión
Francesco Di Giacomo – Canto

Temas:
"Canto nomade per un prigioniero politico" – 15:46

Con una estructura que parece la musicalización de un poema, este tema contingente en 1973, época de dictaduras varias en Sud America, señala la implicación de los roqueros, y especialmene de los italianos con la realidaa sociopolítica de nuestro continente.

Una breve introducción de teclado da paso a la voz que presenta un tema con un dejo melancólico. El piano se suma y a poco el grupo entero nos lleva a un ritmo rápido y la voz presenta el segundo tema (2:30). La temática es el monólogo de un preso político que piensa en su pareja y reflexiona en su condición. Los teclados se lucen, como corresponde en la tradición italiana, heredera de Keith Emerson. Al llegar a los cinco minutos regresa la calma y al primer tema, el que se desarrolla hasta llegar a la afirmación que da nombre al disco: "He nacido libre". Un interludio de teclado disonante da paso a un nuevo solo (y rápido) de teclado el que a su vez da paso a un trozo a cargo de la guitarra y la percusión. Luego de un nuevo corte la guitarra acústica desarrolla un tercer tema, ennoncer un trozo de pura percusión interrumpe brevemente a la guitarra que regresa. Un nuevo corte nos lleva de regreso a un rápido solo de teclado. que deriva en una fanfarria final.

"Non mi rompete" – 5:09

Mas cercano al formato canción, este segundo tema esta estructurrado en la alternancia entre un trozo cantado (estrofa) y un "estribillo" tarareado, que a la segunda vuelta es tomado por el sintetizador y llevado al final.

"La città sottile" – 7:13

Un piano con un aire mezcla de tango y música docta contemporánea, sirve de introducción a la voz que presenta el tema central. El teclado hace un interludio y regresa la voz, luego de lo cual tenemos una secuencia de solos, teclado, guitarra, teclados, piano. Un recitativo, interrumpido por el piano , nos lleva de regreso a la voz que canta el tema central , el piano cierra el trozo.

"Dopo... niente è più lo stesso" – 9:55

Estructurado como la musicalización de un poema heróico, este trozo implica diversas melodías que se acomodan a la letra del citado poema. Un suave teclado hace la introducción a la voz que canta un tema duro y con toque heroicos, el piano interrumpe con notas disonantes, luego de lo cual el teclado presenta el segundo tema que es desarrollado por el canto. Un bello solo de piano, nos lleva a un breve segundo tema cantado. Una voz que recita un trozo de poesia herioca da paso a un telado como fanfarria y al tercer tema cantado. Es el turno de un solo de guitarra y un cuarto tema cantado. Regresa la fanfarria y luego un quinto tema cantado, un Tutti del grupo da paso a un teclado con tonalidades de flauta que nos lleva al final del trozo.

"Traccia II" – 2:39

El "postre" comienza con una agradable introducción de piano que nos lleva a una especie de "marcha", poco a poco se suman los diversos instrumentos del grupo desarrollando una melodía liviana, alegre y breve que cierra el disco en un ambiente muy "Emerson, Lake & Palmer", como es de esperar en un Italiano Progresivo.

Escuchar este programa:
http://radiovalentinletelier.cl/2009/05/podcast-larga-vida-al-rock-2-de-mayo/

25 ABRIL 2009

El último programa del mes, lo que debiera ser el postre, está dedicado a "LENGUAS DE ALONDRA EN GELATINA", que es quizás el plato de fondo que les invitamos adisfrutar.

"LARK'S TONGUES IN ASPIC", es un tema de "KING CRIMSON" aparecido en diversos álbums a lo largo de 27 años. Convertido en un verdadero clásico, "Lark's Tongues" es una de las obras mas "populares"y elaboradas del grupo.

"King Crimsom", es una creación de Robert Fripp, junto a los hermanos Giles (Michael: Baterista y Peter: Bajista) que derivara prontamente en una banda con diversos integrantes (tan variables que casi no hay dos discos con la misma formación). Su primer álbum con este nombre: "In The Court Of The Crimson King" ha sido señalado repetidamente como el punto de partida del rock progresivo. A lo largo de su historia, King Crimson" ha trabajado con gente tan importante y variada como Greg Lake, de "Emerson, Lake & Palmer", Jon Anderson y Bill Bruford de "Yes" y Tony Levin, bajista que da prestigio a toda grabación en la que participa.

"Lark's Tongues In Aspic" aparece en tres álbums de estudio: "Lark's tongues In Aspic" de 1973, "Three Of A Perfect Pair" 1984 y "The ConstruKtion Of Light" de 2000. Sus características principales son: ser una pieza instrumental, trabajar con tiempos compuestos y alternar complejas líneas melódicas, características que lo han llevado a ser un ícono del rock progresivo, reverenciado por la casi totalidad de los críticos. Con sonoridades que varían según los integrantes del grupo en cada momento, la unidad está dada por eso que Fripp establece como lo sustancial del grupo "el modo de hacer las cosas". Si a alguien le parece "vago" el comentario, lo invito a escuchar mucho "Crimson" para que capte cuál es ese "modo", oir las cuatro partes en sucesión, puede ayudar, pero se relaciona de algún modo con permitir que cada integrante haga lo que lo expresa personalmente; Fripp parece responsable de las estructuras generales y cada músico de su contribución personal, lo que le da gran libertad a cada uno.

"LARK'S TONGUES IN ASPIC. Part I " 13:36
Robert Fripp - guitarra, mellotron, piano eléectrico
John Wetton - bajo, piano acústico
Bill Bruford - batería
David Cross - violin, viola, mellotron, flauta, piano electrico
Jamie Muir - percusión
Al comienzo del disco, el tema se abre con una sección de percusión a cargo principalmente de Jamie Muir, a la que, a los dos minutos, se le suma el violín de Cross con una melodía que será característica del tema.
El resto del grupo irrumpe un poco después con otro tema, pero el tratamiento de las melodías, tanto la del violín como la de la guitarra, es tán impresionista, que no las hace facilmente reconocibles. El trozo alterna entre ambas melodías dándole a la totalidad un carácter errático ilusorio, que constituye su característica principal. A los 5 minutos y medio un cambio brusco de ritmo (y de melodía) nos lleva a una parte totalmente diferente a cargo de la guitarra, poco edespués será la batería la que se haga cargo del cambio. Casi a los 8 minutos un corte brusco nos lleva a un silencio dede el que vuelve a surgir el violín, en un largo y lento solo que algunos aman y otros odian. Finalmente reingresa la guitarra y con las suave percusión
llevan el trozo a su fin.

"LARK'S TONGUES IN ASPIC. Part II. 7:12
Ubicado al final del disco, para darle un toque de circularidad, este es, sin duda la parte mejor lograda del tema. Desde el comienzo una secuencia de golpes de cuerda que configuran una melodía de ritmo entrecortado marcan una sonoridad característica y lo que podría ser el riff inicial, se convierte en el primer tema. Cuando entra el violín, lo encontramos interpretando la melodía de la Parte I, estructurada de modo mucho mas reconocible, en un ritmo mas lento y tradicional que el primer tema de este trozo. De allí en adelante, ambos temas se alternan, en una secuencia hábilmente lograda configurando la espina dorsal de la "Parte II", con variaciones en la instrumentación aporvechando el "color" que le pueden aportar a ratos la perciusión y otras el violín o la guitarra. Una larga coda ascendente en volumen y tono nos lleva a alcorde final, que se pierde largamente en la distancia.

"LARK'S TONGUES IN ASPIC Part III" 6:05
Adrian Belew – guitarra
Robert Fripp – guitarra
Tony Levin – bajo, stick
Bill Bruford – bateria acustica y electrica
Incluído en "Three Of A Perfect Pair" (1984), esta tercera parte está claramente influída por la sonoridad de la formación de la época y la rítmica que le imprime Bill Bruford. Luego de "Red" (1974) Fripp había pusto al grupo en estado de hibernación. Al comenzar los 80 lo descongela y lo reforma, cuenta para ello con el siempre fiel Bill Bruford y dos músicos "mas jóvenes" que se convertirán en íconos del rock, cada uno en su instrumento. Genera entonces tres discos que, se supone, reflejan el amplio espectro de la música de comienzos de los 80: el primero "Discipline" es como un "pop experimental", el segundo (Beat) mas convencional y el tercero (que incluye la "Parte III") es muy discimil e incluye temas muy experiementales al lado de otros muy simples. Estas condiciones y el paso del tiempo (diez años), hacen de la "Parte III" un tema diferente, pero que mantiene lo que ya hemos referido como "el modo de hacer las cosas" del grupo.

Una rápida secuencia de escalas ascendentes y descendentes de guitarra nos lleva al primer tema, que tiene la misma tonalidad del tema central que el violín de David Cross ejecutara en las dos partes anteriores, y en realidad podría ser una variación de él. Cerca de la mitad regresan las escalas y se pasa al segundo tema que posee un ritmo y una melodía totalmente diferente, basado en la guitarra de Fripp, con variados juegos de la de Belew superpuestos.

"LARK'S TONGUES IN ASPIC Part IV" 9:07
Robert Fripp – guitarra
Adrian Belew – guitarra
Trey Gunn – Warr guitars
Pat Mastelotto – batería
Parte de "The ConstruKtion Of Light" de 2000, implica una larga historia, incluído el experimento del doble trío (dos guitarras: Fripp y Bellew, dos bajos: Levin y Gunn y dos baterías: Bruford y Mastelotto), la "fractalización" del grupo (diversas convinaciones de los integrantes anteriores en tríos y cuartetos), el "tiempo muerto" y el regreso.
La estructura musical del grupo es nuevamente otra, pero el espíritu del tema (y la filosofía del "modo de hacer las cosas") se mantiene.

Un intenso acorde y casi una fanfarria de guitarra da paso a un sonido potente que, sobre un ritmo igual al de la "Parte II", nos muestra como ha evolucionado la técnica de Fripp con el paso del tiempo. Podemos reconocer las escalas de la "Parte III", pero la sonoridad del trozo es diferente (no en van o han pasado 27 años). Ahora, mas que melodía tenemos una sucesión de riffs inspirados en las "Partes" anteriores. Como en todo el disco, en esta "Parte" prima el virtuosismo sobre el aspecto melódico. Dedíquense a disfrutar la capacidad interpretativa de los diversos niveles que generan cada uno de los músicos de este "KC 2000". El solo de guitarra en la parte final es excepcional.

"LARK'S TONGUES IN ASPIC Part II" (en vivo en México en Agosto de 1996) 6:29

Robert Fripp: Guitarra

Adrian Belew: Guitarra
Trey Gunn: Touch Guitar
Tony Levin: Bajo & Stick

Bill bruford: Batería
Pat Mastelotto: Batería

Una potente versión del clásico en versión del doble trío, casi nota a nota el tema original, no requiere comentario. Simplemente disfruten el postre y la energía con que "compiten" Bruford y Mastelotto golpeando los tarros. King Crimson en sus mejores momentos.

Escuchar este programa:

http://radiovalentinletelier.cl/2009/04/podcast-larga-vida-al-rock-25-abril/

18 ABRIL 2009

Continuando con los "temas por partes", llegamos a creaciones que se reparten en diversos álbums. Diversos músicos han repartido sus obras en diferentes discos a lo largo de períodos mas o menos extensos, a veces los intentos son más exitosos que otras.
Uno de los "temas" que mas extención tiene es "FOCUS" del grupo del mismo nombre.
Podríamos decir que , en sentido estricto, no se trata de un tema, sino de 8 temas diferentes, pero nuestro intento es escucharlos todos en secuencia y ver que nos pasa al hacerlo.

FOCUS es una banda holandesa creada en 1969 por Thijs Van Leer, flautista y tecladista (piano, organo, mellotron, sintetizador, armonio, acordión) y Jan Akkerman, guitarrista. En su primer álbum incluyeron un tema llamado "Focus" y, de allí en adelante, se hizo costumbre que en cada disco incluyeran un tema de ese nombre, manteniendo la atmósfera del tema inicial. A lo largo de los años, la formación del grupo ha variado, manteniendo durante muchos años a la dupla original, y finalmente solo a Van Leer, quien es hoy un "anciano" del rock que toca su música, con gran virtuosismo, junto a una especie de taller de jóvenes talentosos.

Los Temas:

FOCUS: (12:23) 1970
Thijs Van Leer, teclado y flauta
Jan Akkerman, guitarra
Martijn Dresden, bajo
Hans Cleuver, batería
Incluído en "In And Out Of Focus" (Dentro y fuera de Focus" o "Enfocado y desenfocado", según uno quiera), Focus abre el lado 1 del vinilo como un breve tema cantado. Una corta introducción de teclado nos lleva a la voz de Van Leer quien canta una estrofa de aire melancóloco, dando paso a un "solo de guitarra" trabajado en base a notas cortas y lentas, sin casi melodía, luego de un par de minutos de esto, el tema parece terminar. . . . para ser continuado al fin del lado 2 del disco, en idénticas condiciones, siendo entonces retomado el tema, cantado del comienzo, por la guitarra la quien lo desarrolla bellamente. Un corte da paso a un cambio de ritmo a cargo de los teclados, regresa entonces la guitarra con el tema central. A medida que avanza, "Focus" va perdiendo su tono melancólico, contribuyen a ello un solo de guitarra con notas muy agudas respaldado por una batería golpeada con ferocidad. Un largo solo de flauta, a cargo de Van Leer contribuye al cambio de atmósfera y finaliza el tema.

"FOCUS 2" (4:03) 1971
Thijs van Leer, teclados, flauta
Jan Akkerman, guitarra, bajo
Cyril Havermans, bajo
Pierre van der Linden, batería.
La "segunda parte" del tema aparece en el segundo álbum: "Moving Waves". Manteniendo el aire melancólico a cargo de la guitarra, y los cortes a cargo del teclado con cambios de ritmo y los solos de guitarra aguda, "Focus 2" es la adecuada "segunda parte". Al llegar a la mitad se presenta un segundo tema, el que es presentado con gran belleza otra vez por la guitarra. El desarrollo de este tema nos lleva plácidamente al final.

"FOCUS 3" (6:04) 1972
Thijs van Leer, teclados, flauta
Jan Akkerman, guitarra
Bert Ruiter, bajo
Pierre van der Linden, batería
La "tercera parte" corresponde al álbum "FOCUS III".
Una larga introducción de teclado nos lleva a un tema en guitarra que mantiene la melancolía. Alrededor de los dos minutos, un cambio en la intencidad de la guitarra presenta un segundo tema y cambia el ritmo, el que se hace mas rápido. A partir de allí se suceden en rápida secuencia los cambios entre la melodía inicial y este "corte" mas energético, primando los trozos lentos sobre los rápidos, como corresponde al estilo establecido en los dos trozos anteriores. "Focus 3" tema termina al completar una de las vueltas del tema ràpido.

"FOCUS 4" (3:58) 1975
Thijs van Leer – keyboards, flute, vocals
Jan Akkerman – guitar
Bert Ruiter – bass guitar
David Kemper – drums
Como el cuarto L.P. de Focus es "Hamburguer Concerto", "Focus 4" tuvo que esperar hasta el quinto disco: "Mother Focus".
Una introducción de flauta nos lleva a un tema que presenta el piano, con un aire un poco menos melancólico que los anteriores, rápidamente la guitarra toma el tema y su sonoridad nos trae la melancolía, interrumpida circunstacialmente por la flauta o el teclado. Casi al llegar los tres minutos, el teclado interrumpe con una melodía rápida, que simplemente se esboza y varias veces reaparece, convirtiendose casi en un riff, siendo cada vez rechazada por la melodía de la guitarra quien se impone finalmente en un final tranquilo.

"FOCUS 5" (3:00) 1976
Thijs van Leer, teclado y flauta
Jan Akkerman, guitarra
Martijn Dresden, bajo
Pierre van der Linden, batería
Incluida en "Ship of Memories", que es el sexto L.P: de Focus, "Focus 5" se abre con una melodía de guitarra, con un ritmo lento y una cadencia con aires de jazz. Sin los cambios de ritmo que caracterizan a los trozos anteriores, el único cambio notable en esta breve melodía es el ingreso de la flauta casi a los dos minutos, la que es prontamente desplazada por el regreso de la guitarra que lleva el tema a su fin.

"FOCUS 8" (6:15) 2002
Thijs Van Leer, teclado y flauta
Jan Dumée, guitarra
Bobby Jacobs, bajo
Thijs van Leer / Hammond organ, flute, vocals-
Bert Smaak / drums
Publicado luego de muchos años, este tema se incluye en el disco del mismo nombre: "Focus 8". El número del nombre, para adecuarse al del disco, no respeta la secuencia. Claramente marcada la ausencia de Akerman, este tema está dominado lpor el teclado de Van Leer. Por lo anterior no posee la melancolía de sus predecesores, está configurado simplemente por un tema lento y cadencioso y se encuentra, evidentemente, a 25 años de ellos. Cuando aparece fugazmente un segundo tema este sirve como refuerzo de la atmósfera establecido por el primero.

"FOCUS 7" (5:20) 2006

Thijs van Leer, teclados, flauta

Pierre van Der Linden, batería

Bobby Jacobs, bajo

Niels van der Steenhoven, guitarra

Incluído en "Focus 9 - New Skin", este tema, una vez mas no respeta la secuencia numérica. Lo que si respeta es el ser un tema centrado en la guitarra y poseer un ambiente melancólico. Luego de una introducción atmosférica de teclado, se presenta un tema, el que pronto es tomado por la guitarra, la que lo desarrolla largamente. Casi a los cuatro minutos, el teclado toma brevemente la melodía , para permitir que la guitarra realice un solo que suena por encima de ella. Entonces la guitarra retoma el tema y lo lleva a su fin.

"FOCUS 9" (7:57) 2006

Tambien de "Focus 9 - New Skin", este tema se abre con un teclado que luego de citar a "Focus 7" da paso a la guitarra, quien desarrolla el tema en diversas variaciones, alternándose piano y guitara a veces y otras sumándose. Se genera así un ambiente en que prima el piano, incluso durante un solo de guitarra cerca de los seis minutos. Finalmente el piano interpreta la cadencia básica, mientras el organo aparece para dar cierre al tema.

De algún modo los diversos trozos mantienen una cierta unidad de estilo y nos dejan con la pregunta de ¿cómo será "Focus 10"? (aparte de la otra pregunta: ¿qué pasó con Focus 6?)

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12 ABRIL 2009

Continuando con el propósito establecido para este mes, de revisar temas largos y llegar a establecer como algunos llegan a aparecer repartidos en diversas partes de un disco o incluso en diversos discos, hoy escucharemos un par de temas clásicos de PINK FLOYD.

Pink Floyd es una de las bandas de formación mas estable a lo largo de su larga vida. Casi toda su producción (10 discos de un total de 14) fueron creados por la misma formación:

Roger Waters, en bajo y canto

Dave Gilmour, en guitarra y canto

Rick Wright, en teclados y canto

Nick Masson, en batería.

Habiendo publicado durante años temas que duraban mas de los 3 minutos clasiscos del pop. (Desde "Interstelar Overdrive" (9:40) en su primer álbum, "The Piper At The Gates Of Dawn" (1967), pasando por "A Saucerful Of Secrets" (12:00) (1968), todos los temas de "Ummagumma" (1969), "Atom Heart Mother" (23:40) de 1970, "Echoes" (23:29) incluido en "Meddle" 1971, luego de ese largo "medley" que fué "Dark Side Of The Moon" (1973), Pink Floyd edita "Wish You Were Here" en 1975, con "SHINE ON YOU CRAZY DIAMOND", tema en dos partes, con una duración total de 26 minutos. El tema abre y cierra el álbum, el resto del vinilo, lo constituyen tres temas "cortos" (5+5+7 minutos).

"Shine On You Crazy Diamond" es un tema predominantemente instrumental, pero no es un tema corto alargado con solos, mas bien da la impresión contraria, Pink Floyd agrupa varios solos preexitentes y los presenta en un formato coherente.
El tema se abre con un sonido atmosférico de teclados a cargo de Rick Wright, sobre el que se desarrolla un solo de gritarra de David Gilmour, generando una larga introduccion (4 minutos), luego al grupo en pleno respalda a Gilmour en una segunda melodía de guitarra, la que es mas breve (2 minutos), entonces entra el teclado de Wright y presenta un tercer tema (otros 2 minutos), a continuación regresa la guitarra de Gilmour, con un cuarto tema que nos lleva al trozo cantado, un homenaje a Sid Barret (el "crazy diamond" al que se invita a seguir brillando), entonces es el turno del saxo de Dick Parry "artista invitado" que ya nos deleitara en el álbum anterior (otro solo de antología), entonces el tema parece perderse en la lejanía . . .
. . . para reaparecer en la segunda mitad del otro lado del vinilo, con un nuevo tema, esta vez en teclados (si las primeras cinco partes evidencian el rol dominante de Gilmour, estas cuatro últimas muestran la preponderancia de Wright), un cambio de ritmo nos lleva a un tema en guitarra y de allí al regreso del canto. Después aún queda tiempo para un par de melodías que Wright interpreta a teclado las que nos llevan (ahora si) al fin de esta pequeña obra. Dificil de encontrar en su totalidad, de modo contínuo, aquí pueden disfrutar de la experiencia de este gran tema.

El segundo tema de Pink Floyd que aparece repartido en el disco (y que aqui una vez mas escucharán de modo contínuo) es "ANOTHER BRICK ON THE WALL" del álbum "The Wall" de 1979.
Este tema aparece repartido en la primera parte del disco, al ser presentados los tres elementos que van configurando el muro que encierra a "Pinky" (el protagonista que representa a Roger Waters o a cualquiera de nosotros). En primer lugar el autoritarismo sobreprotector de amor materno, luego en autoritarismo agresivo del sistema educativo, y finalmente el autoritarismo posesivo de la relación de pareja. Centrado en las letras este tema, mas breve (no alcanza 10 minutos en total) logra, manteniendo una misma melodía, presentar claramente los tres aspectos referidos.

Musicalmente, los tres trozos presentan la misma melodía, lo que va cambiando es la letra, adaptada a lo que la secuencia de la historia va contando. La segunda parte, (referida a la educación) es la mas conocida (quizá el trozo musical mas popular de Pink Floyd) e incluye el también famoso, solo de guitarra de Gilmour.

"Mi papi voló a travez del océano, dejando solo un recuerdo . . . papi que me dejaste?, solo otro ladrillo en la pared".

"No necesitamos educación, no necesitamos control mental . . . despues de todo es solo otro ladrillo en la pared".

"No necesito brazos a mi alrededor, no necesito drogas que me calmen . . . después de todo son solo ladrillos en la pared".

Si alguien que nació después de 1980 (o vivió en Saturno en esa época) no entiende bien de que se trata todo esto, se recomienda pegar una mirada a "The Wall" la excelente (y un poco excesiva) película que Allan Parker generara trabajando directamente con Roger Waters.

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