lunes, 27 de julio de 2009

1 AGOSTO 2009

A las 5 de la tarde del 15 de Agosto de 1969, (hace 40 años!) , comenzó el que aún hoy, se considera mayor evento rock de la historia: "El FESTIVAL DE WOODSTOCK".
Dedicaremos este mes a celebrar este acontecimiento; los tres primeros Sábados revisaremos los tres días de Festival, los dos últimos, en un arranque "retro" revisaremos los grupos que NO estuvieron allí.

Originalmente concebido como un festival más, de los muchos de la época, Woodstock "sobrecreció" mas allá de lo que sus organizadores habían esperado, y siguió creciendo, incluso una vez terminado, hasta convertirse en un símbolo del movimiento hippie, aunque en realidad fue una de las últimas expresiones de dicho movimiento.

El primer día, Viernes 15, se programó los músicos "folk", esto es, intérpretes que trabajaban desde una perspectiva fuertemente influenciada por el folklor, lo que los hacía predominantemente acústicos. Esta perspectiva se combinaba con una postura política con diversos grados de claridad, desde la actitud abiertamente antigobierno, hasta la centrada en la libertad personal al margen del sistema. Algunos de ellos eran poco conocidos, otros inmensamente populares, pero todos ellos salieron fortalecidos de su presentación, convirtiendose en íconos de la música de fines de la década del 60.

La primera presentación del Festival fué la de RITCHIE HAVENS, un hombre de una voz excepcional. "Handsome Johnnie" es una canción acerca de "un joven" que se ve obligado a pelear en todas las guerras sucias de Estados Unidos en los 60's (algo así como un joven que hoy tuviera que ir a Irak ) en el tiempo que negarse era considerado antipatriótico y motivo de cárcel.
Su tema más conocido es fruto de la interpretación en Woodstock, de "Freedom/Sometimes I feel like a motherless child", con inmensa fuerza interpretativa, tanto en la voz como la guitarra (digno de ver visto el video en youtube). Su protesta política, combina la crítica de la situación social (libertad), con la descripción del desamparo personal (a veces me siento como un niño sin madre).

TIM HARDIN, es un canta-autor que, por la época, llevaba varios años en el mundo de la música, de hecho Woodstock es una de sus últimas apariciones importantes. Una de las canciones mas populares es "If I Were A Carpenter", tema que, por supuesto, interpretó en Woodstock.

MELANIE era una cantante de una voz extraña, pero muy en la línea de los canta-autores que proliferaron en la época. "Beautiful people" es una canción que celebra a los miles de jóvenes que disfrutaban idealistamente de la belleza, esperando el fin de los problemas personales y sociales. "Beautiful people" es, de hecho, el nombre que se dieron a si mismos los hippies, dispuestos a disfrutar de la vida y de todos los placeres que ella nos ofrece. (Cuando hace cerca de una década, Melaine visitó Chile y estuvo en un programa de televisión, todavía tenía mucho de la "hippie simpática")

ARLO GUTHRIE, un verdadero ícono, hijo de Woody Guthrie, padre de toda una línea de cantantes que expresaban sus inquietudes políticas en un formato folclórico, el mayor de los cuáles llegó a ser Bob Dylan (que es uno de los que no estuvo en Woodstock). Arlo Guthrie es un claro continuador del trabajo de su padre. "Coming into Los Angeles" es una canción que celebra el ser miles los que "optan por una sociedad mejor" basada en el amor, en un pais envuelto en una guerra considerada injusta, innecesaria e irrespetuosa de las decisiones del país en que ocurría (Estados Unidos no ha cambiado mucho desde entonces).

JOAN BAEZ, era quien mas claramente encarna, en los 60's, la visión de que el canto es una herramienta de "creación de conciencia politica". Cantó en Woodstock con un embarazo de 6 meses y habló de su esposo, en la carcel por negarse a ir a la guerra genocida de Viet-Nam. El tema más conocido es "Joe Hill" dedicado a un inmigrante sueco, canta-autor político y mienbro del sindicato mundial de trabajadores que fué fusilado, acusado de un asesinato para el que no habia culpable claro.
"Drugstore Truck Driving Man" es un tema de clara crítica social, que logra una muy buena interpretación a dúo. Joan Baez es una de las mejores voces de su generación y aún es activista de las causas de derechos humanos en el mundo.

De los diversos estilos de fines de los 60's presentados en Woodstock, la música "folk" es la que "envejeció" con mayor dificultad, dado que la canción de protesta política, evolucionó en los 80's de el formato folclórico al "punk", que le dió un todo mas violento.

El segundo Día de Festival, comenzó al medio día del Sábado y, aunque estaba destinado básicamente a grupos duros, incluyó un par de interpretes aún en la línea folk.

COUNTRY JOE, interpretó un conjunto de cancipones antibélicas, de entre las que sobresale "I-Feel-Like-I'm-Fixin-To-Die-Rag". REspecto del sinsentido de la guerra de Viet-Namy la alta probabilidad de morir allí.

JOHN SEBASTIAN, interpretó canciones mas idealistas, entre las que la más conocida es "I Had A Dream", a partir de la frase "tuve un sueño" utilizada reiteradamente por los idealistas, del tipo Luther King.
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lunes, 20 de julio de 2009

25 JULIO 2009

Para terminar el mes de julio, el grupo progresivo de idioma "no inglés" es "ANGLAGARD". Este grupo sueco, formado en 1991, posee un sonido marcadamente centrado en los teclados. Tord Lindman, guitarrista y Johan Högberg, bajista, se unieron a Thomas Johnson, tecladista y Jonas Engdegard, guitarrista. Poco después se suman Mattias Olson, baterista y Anmna Holmgren, flautista y juntos editan su primer álbum en 1992. Hay solo una segunda publicación (Epilog) en 1994, luego de la cual Lindman abandona el grupo para seguir una carrera solista. La música del grupo se caracteriza por las composiciones largas, con eventuales apariciones de canto (en sueco), las que tienden a quedar en segundo plano ante la fuerza de lo instrumental. Muchas revisiones alaban la labor de Mattias Olson, percusionista, que en la época tenía solo 17 años.

El álbum clave de Anglagard es "HYBRIS", editado en 1992, fué considerado como el mejor album progresivo de ese año.

Integrantes:
- Thomas Johnson: teclados (mellotron, organo Hammond, clavecín, piano y organo
- Jonas Engdegård: guitarras (eléctricas y acústicas)
- Tord Lindman: canto, guitarra
- Johan Högberg bajo
- Anna Holmgren: flauta
- Mattias Olsson: batería y percusión.

Los Temas:
"Jordrök" – 11:10
Algo así como "Humo terrestre", es un tema instrumental que se abre con un piano que presenta una melodía con mucho de contemporáneo. Luego se suma teclado, batería y bajo y finalmente la guitarra que presenta un tema claro. El grupo repite el trozo presentado y a los tres minutos y medio, la guitarra acústica sirve de base a un nuevo tema interpretado por la flauta. Un órgano de tubos realiza un corte y un breve interludio nos lleva de regreso al primer tema, que se presenta prácticamente igual que al comienzo. Luego de un corto desarrollo reaparece la flauta, la que realiza un suave cierre del tema.

"Vandringar i vilsenhet" – 11:56
("Divagaciones en la confusión") La flauta realiza una introducción en un todo semejante al que sirvió para cerrar el tema anterior. Entonces el teclado sirve de base lpara un primer tema en flauta. el fondo de teclado va aumentando en fuerza hasta que un redoble de batería da paso a la guitarra que presenta otro tema, en alternancia con la flauta. A los cinco minutos la guitarra interrumpe buscamente y una vez mas el grupo se expresa con fuerza y luego de un inteludio, da paso a un breve trozo cantado, cuya letra tiene un marcado tono depresivo.
Guitarra y flauta siguen siendo los responsables de la linea melódica, presentando cambios de ritmo e intensidad en un desarrollo que nois va llevando poco apoco a suavizar el sonido hasta que se detiene.

"Ifrån klarhet till klarhet" – 8:08
"De la iluminación a la iluminación" es otro tema depresivo, en el que los sueños parecen ser una puerta de salida.
Un teclado que suena como bronces, sirve de breve introducción a un tema fuerte, intepretado con gran intensidad por todo el grupo. Guitarra y teclado se alternan en dos melodías hasta que la voz presenta un tema lento y acompasado. Una guitara acústica realiza un interludio suave que deriva en la base de un tema de flauta. Una vez más la música va ganando fuerza y velocidad hasta que reaparece el tema original del guitarra y teclado. El grupo completo ejecuta entonces los temas presentados, tomando prestadas sonoridades del Genesis de 1970 (Nursery Crime - Foxtrot), en un proceso que resulta cada vez mas a cargo del teclado, quien cierra este trozo con un brusco corte.

"Kung Bore" – 13:04
"El Rey Invierno" se abre con un tema de piano que parece venir desde la distancia, llevándonos a un trozo en que flauta y guitarra se alternan con el teclado. Diversos cambios de ritmo e intensidad le dan al trozo una dinámica notable. Luego de un corte, a los dos minutos y medio, la flauta da paso al canto. La letra insiste en la depresión ante la cruda realidad y los sueños como alternativa: el último verso dice: "Denme una visión del mundo de los sueños, solo entonces podré ser feliz". (Si alguien quiere curiosear las letras, explore: http://www.anglagard.net/lyrics.htm, aparecen en versión bilingüe: sueco-inglés. Como ya parece paerte del estilo, la voz, que comienza suave, va tomando fuerza y termina con los instrumentos expresandose intensamente. Guitarra acústica se alterna con el grupo en pleno en un largo desarrollo. La voz recita el final del poema mientras el grupo cubre el fondo e invade a ratos la línea melódica. El grupo se embarca entonces en una larga coda que va disminuyendo la intensidad hasta disolverse en un largo acorde de teclado, que recuerda el fin de "Tales . . " de Yes.
En resumen todo un descubrimienmto.
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martes, 14 de julio de 2009

18 JULIO 2009

El tercer Sábado de Julio, le corresponde el turno a otro grupo que ha trabajado lo progresivo en idioma que no es inglés.

Uno de los grupos hispanoamericanos mas conocidos a nivel mundial es el grupo chileno "LOS JAIVAS", probablemente el grupo hispanoamericano con una entrada mas larga en "Gibraltar Encyclopedia of Progressive Rock".

Formado en Viña del Mar, en 1963, en torno a los hermanos Parra (Gabriel, Claudio y Eduardo) mas sus amigos Eduardo "gato" Alquinta y Mario Mutis, Los Jaivas tienen una larga historia, afectada por los altibajos de la historia de Chile los últimos cuarenta años. Originalmente con el poco creativo nombre de "High-Bass", evolucionaron fácilmente a Jaivas, por el nombre del crustaceo de nuestra costa (pero con faltas de ortografía).

El comienzo en que hacían música bailable, dió paso a la música mas "comprometida" con el proceso político de Chile a fines del los 60s y más experimental fruto del "mundo psicodélico"; el resultado: rock con instrumentos folcloricos y largas improvisaciones (algo así como Pink Floyd tocando cueca).

El corte cultural que significó la dictadura, los llevó a Buenos Aires (1973) y luego a Paris (1977), marcando notablemente el nivel de complejidad de los arreglos musicales, resaltando la capacidad de Claudio parra como pianista y arreglador.

El álbum mas elaborado de Los Jaivas es "ALTURAS DE MACCHU PICCHU", editado en 1981, de hecho es el único álbum hispanoamericano que aparece en el "Top 100" de "Progarchives".
Este "álbum conceptual", está basado en el largo poema del mismo nombre, escrito por el Premio novel chileno Pablo Neruda. Los Jaivas realizan una seleccion de trozos poéticos y lo musicalizan con un elaborado estilo de rock, al que se integran magistralmente instrumentos folclóricos del mundo quechua, típico del norte de Chile. Cada "tema" recoge trozos del poema y la música intenta reproducir la atmósfera emocional que describe el texto.

Integrantes:
- Gato Alquinta: canto, guitarra, cuatro, zampoña, quena, ocarina
- Mario Mutis: bajo, zampoña, quena
- Eduardo Parra: piano eléctrico, Mini-Moog, tarka
- Claudio Parra: piano, mini-Moog, clavecín
- Gabriel Parra: batería, percusión, xylófono, trutrucas, tarka

Temas:

1. Del Aire al Aire (Alberto Ledo) (2:14)
Instrumental creado por el músico argentino que formó parte del grupo por algunos años desde la estadía en Argentina. Se utiliza como introducción, permitiendo que el sonido de las zampoñas cree una atmósfera claramente quechua, a pesar del fondo de trompe y sintetizador.

2. La Poderosa Muerte (11:08)
Una introducción de trutruca, da paso a una quena, mientras el piano hace el fondo del trozo mas elaborado del disco. Luego el mismo piano presenta el primer tema, que luego es desarrollado por la flauta. Entonces entra el canto que toma trozos de diversos "cantos" (II, III, VI y VII) del poema de Neruda, todos relativos a la muerte. Desde allí se presenta un largo desarrollo que va integrando batería, sintetizador, guitarra eléctrica, etc, mientras el ritmo de va apresurando poco a poco (un recurso utilizado por los Jaivas en muchos de sus temas). Cuando, luego de seis minutos, el ritmo ha alcanzado rapidez y la instrumentación juega con sintetizador y guitarra, un corte nos lleva a un nuevo y diferente tema. La letra relata la llegada a la ciudad perdida a la que va describiendo. Un nuevo corte, esta vez a cargo de el piano nos lleva a otro tema, esta vez mas rápido sólo con instrumentación eléctrica, con fuerte dominancia del sintetizador, hasta que los efectos hacen que la música parezca perderse en la distancia y un trueno marque el fin de este trozo.
3. Amor Americano (5:26)
Este "trote", ritmo típico quechua, permite presentar trozos del "Canto VIII". La instrumentación es de rock, pero la línea melódica es absolutamente folclórica, incluso la escala musical es claramente pentatónica y el canto incluye los típicos gritos del canto quechua.

4. Aguila Sideral (5:19)
Un trozo intesamente distorcionado (voz, guitarra, piano, batería y luego bajo), presenta el "Canto IX". Una vez más, el piano hace de base sobre la que juega la flauta. Luego de una larga introducción el canto revisa el poema, mientras la sonoridad nos remiten a la sensación del vuelo del cóndor.

5. Antigua America (5:37)
Una introducción en quena y zampoña nos llevan de regreso a la sonoridad del piano que presenta el primer tema, el grupo se suma, mientras los teclados cambian ritmos y Gabriel Parra pasa del piano al clavecín y regresa al piano, a una velocidad creciente, hasta que tras un corte, las voces cantan solo tres versos del "Canto X", la música retoma rápida velocidad y la guitarra desarolla el tema hasta el climax.

6. Sube a Nacer Conmigo Hermano (4:47)
Una veloz introducción de piano da paso al sintetizador con un tema que ha llegado a ser característico y el trozo mas popular del album. El "Canto XII", es el trozo mas conocido de la obra de Neruda y Los Jaivas evidentemente lo consideran. Lo que escuchamos es un joropo venezolano, interpretado con piano, bajo, batería y la guitarra eléctrica turnándose con el minimoog para hacer los comentarios instrumentales.

7. Final (2:33)
La coda del tema anterior, continúa el "Canto XII", musicalmante, es simplemente un breve trozo que las voces cantan con notas largas de una melodía lenta mientras solo el piano juguetea como fondo. Un cierre magistral para una obra notable.
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lunes, 6 de julio de 2009

11 AGOSTO 2009

La segunda semana de Julio, continuando con los programas dedicados a grandes albums en idiomas diferentes al inglés, nos trae a la banda canadience (quebecois) "HARMONIUM" y su disco "SI ON AVAIT BESOIN D'UNE CINQUIEMME SAISON", editado en 1975.
Hay que partir por recordar que Canadá es un pais bilingûe, esto es, si bien la mayor parte de su población habla inglés, un sector del sudeste (Quebec), habla francés.

"Harmonium" se estructura como un grupo con una fuerte raiz folclórica, centrada en las figuras de Serge FIORI, Michel NORMANDEAU y Louis VALOIS, que luego evolucionó hacia un sonido más complejo y sinfónico, con el aporte de teclados y vientos.

"Si on avair besoin d'une cinquiemme saison" (Si necesitáramos una quinta estación), es un álbum bien estructurado que combina lo armónico con lo complejo. Con leves alusiones a las estaciones del año, va llevándonos por diferentes estados de ánimo, siempre en un marco de placidez.

Integrantes:
Serge Fiori : guitarra, flauta, canto
Michel Normandeau:/ guitarra, acordión, canto
Louis Valois: bajo, piano eléctrico, canto
Pierre Daigneault: flauta, piccolo, saxo soprano, clarinete
Serge Locat: piano, melotrón, sintetizador
Judy Richard: voz en "Histoires sans paroles"

Temas:
1. Vert (5:34)
Un tema con mucha flauta, muy bien cantado abre estas cinco estaciones con aires de primavera. Una flauta hace la introducción a las voces que cantan suavemente el tema principal de esta canción. La parte instrumental está a cargo de saxo y clarinete. Para el cierre, la flauta repite la introducción.

2. Dixie (3:26)
Un verano muy en la onda de la rítmica música "dixie", es la pieza mas liviana del disco. El ritmo que casi nos hace ver a jazzistas con chaquetas a rayas blancas y rojas (típicas de las bandas estilo dixieland), canto a ratos en scat y solos de bronces y de piano nos acercan a una canción amistosa.

3. Depuis L'Automne (10:25)
El lado A del vinilo de cierra con un lema largo y fuertemente elaborado. Desde el nombre las alusiones apuntan al otoño. Una larga introducción melancólica, da paso a un canto con aires tristones. De allí en adelante la instrumentación pierde un poco de bajón, pero el desarrollo, (y la atmósfera generado por el teclado) no permiten que este desaparezca del todo, ni siquiera luego del cambio melódico e instrumental que se produce a los siete minutos. En realidad, el piano entra a los 8.5 minutos reforzando la aludida atmósfera melancólica.

4. En Pleine Face (4:51)
Con un trabajo interesante en el canto, pero sobresaliente en el acordión, Harmonium nos presenta un cálido invierno. Una vez mas una larga introducción de teclados da paso a una guitarra acústica y al canto. Una melodía amistosa con una letra que habla del frio y del hielo.
Una canción muy folk, que va tomando fuerza interpretativa y se cierra con un acordeón muy francés.

5. Histoires Sans Paroles (17:12)
La "quinta estacion" es la que permite el lucimiento del grupo en toda su capacidad instrumental.
Teclado y guitarra acústica sirven de base para que la flauta presente el primer tema, el que tiene un desarrollo bellamente armónico. A los tres minutos un sintetizador da paso al piano que respaldará el segundo tema, interpretado por la guitarra. A los cinco minutos el piano juega con agradables acordes mientras los vientos crean sonoridades también juguetonas. Al minuto siete, el sintetizador desarrolla una notas largas que nos llevan al tercer tema a cargo de la voz que presenta la melodía que luego pasará a la flauta y terminará a cargo de ambos, con el piano haciendo el fondo. Una vez mas el sintetizador hace las veces de cortina (minuto 10) y la flauta interpreta un cuarto tema con fondo de piano, el que parte muy suave y poco a poco va tomando energía y, luego de diversas modulaciones, alcanza un ritmo de alegre vals, generando la transición al quinto tema el que se desarrolla largamente, supongo "por si nos hiciera falta una quinta estación". Finalmente el trozo se cierra con los acordes de la flauta.
En resumen un disco bello y ,( como era de esperar por el nombre del grupo) armónico.
Melodías para disfrutar una y otra vez, lejanas a lo facil y perecedero.
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